Bone: un hueso fácil de roer

Bone es un caramelo.
Empiezas a chuparlo, a darle vueltas en la boca y la verdad es que sabe muy bien. Pero poco a poco, a la larga, el dulce va perdiendo su sabor, pese a que siga siendo satisfactorio seguir lamiéndolo hasta su conclusión. Cuando ésta llega no queda en ti más que una ligera impresión dulzona, que como todas las que producen las chucherías no tardará en desaparecer. Y rápido.
Bone es un engaño.
Tiene un comienzo prometedor, es divertido, está muy bien dibujado y ofrece la esperanza de convertirse en una épica fantástica de las buenas, pero todo ello, por desgracia, no acaba conduciendo a ningún lado. A menos que volver al punto de partida sin que prácticamente haya cambiado nada sea algo digno de encomio.
El problema principal de Jeff Smith, a mi juicio, es que intenta a darle a Bone una dimensión demasiado apocalíptica que no se corresponde para nada con el desarrollo de la peripecia argumental ni con su envoltorio (es decir: “¿1000 páginas para esto? Uau, tienen que pasar mogollón de cosas y super importantes, además.” “Uh, no”). Para empezar, una amenaza similar a la de Sauron en el Señor de los Anillos se extiende en el mundo de Bone, con sus Círculos Fantasma, Mostrorratas y toda la pesca, todo ello muy, pero que muy acojonante, incluyendo un villano caracterizado de puta madre, con los bocadillos de texto saliéndole temblorosos por debajo de su capucha. Uno podría esperar que los buenos superaran estos obstáculos al final de la epopeya, pero, siendo sinceros, ¿podía esperarse que lo consiguieran sin ser mínimamente afectados, física o psicológicamente, por la contienda? ¿Recordáis el final de la obra de Tolkien, cuando los hobbits están de regreso en La Comarca, pensando en todo lo que ha cambiado en ellos después de todo lo que han pasado? En Bone no hay nada de eso. La obra comienza con los Bones huyendo de Boneville y acaba con ellos regresando a ella, sus personalidades intactas, en un bucle que encierra una nada argumental muy bonita de observar.
Se dan muchas manifestaciones de lo dicho durante la serie, que juegan en contra de la supuesta trascendentalidad de los hechos que en ella se narran, haciendo que no te creas nada de lo que está pasando: las mostrorratas son terribles, terribles, pero ¿cuánta gente se comen durante la historia?; ¿cuánta gente muere en los horribles sucesos que se desarrollan?; lo que sucede es extremadamente importante, pero ¿por qué hay algún que otro tomo en el que lo único que ocurre es que los personajes entran en un bosque y... al final... salen... por el... otro lado, sin que nada de lo que haya pasado en su interior tenga repercusión alguna?
Pienso que la causa de lo comentado es la mezcla de humor y aventura que se pretende en la serie y que Smith consigue de forma brillante en su inicio, pero que después se hace imposible de equilibrar y no por que él no sea capaz de hacerlo (ya digo que es admirable como pasa de un registro a otro), sino porque cuando llega el momento de juntar humor con horror, muerte y destrucción el objetivo per se es imposible, por lo que se debe renunciar a uno u otro, y lo que el autor decide es limar los dientes a la maldad para que se pueda seguir haciendo cachondeo en sus proximidades lo que desacredita la supuesta infalibilidad que se había ido atribuyendo a los malos.
Para rematar la jugada existen multitud de posibilidades argumentales, típicas del género de fantasía, que se desarrollan de forma tan parca o inexistente que uno llega a preguntarse el porqué de su inclusión en el cómic (y desde luego no es que Smith no tuviera páginas, páginas y más páginas para explotarlas). Como ejemplo más flagrante el personaje de Thorn. ¿Qué importancia tiene que sus padres fueran monarcas para la resolución del conflicto? ¿Aporta algo que ella sea la legítima heredera del trono del Reino? Si este personaje no apareciese en la serie ¿cambiaría realmente algo? Y el amago de romance con Fone Bone, que se queda prendado de ella en cuanto la ve, ¿para qué? ¿Para no hacer referencia al mismo en toda la historia?
Hay otros ejemplos, pero tampoco quiero seguir con esta diatriba, ya que Bone tampoco merece una crítica tan agria como ésta. Tiene muchos puntos a su favor, ya mencionados, pero da rabia, mucha rabia, pensar en lo que Smith hubiera podido conseguir, historietísticamente hablando, con este Bone si hubiera explotado el potencial de todas sus ideas y argumentos y el de sus evidentes talentos como autor de cómics.
Así que en un balance final, ¿qué se puede decir de Bone?
Bone es un caramelo.
Empiezas a chuparlo, a darle vueltas en la boca y la verdad es que sabe muy bien. Pero poco a poco, a la larga, el dulce va perdiendo su sabor, pese a que siga siendo satisfactorio seguir lamiéndolo hasta su conclusión. Cuando ésta llega no queda en ti más que una ligera impresión dulzona, que como todas las que producen las chucherías no tardará en desaparecer. Y rápido.

Más Pope: Batman Year 100

No sé muy bien por qué, pero no consigo que la obra de Paul Pope aguante una segunda lectura. Me pasó con Heavy Liquid, con 100%, con The One Trick Ripp-off, con The Ballad of Doctor Richardson… en definitiva con todo lo suyo que he leído (excepto con Escapo y aquel episodio suelto para Spiderman, que no me gustaron ni la primera vez).
Paul Pope es un ilustrador muy bueno, un constructor de secuencias interesantes y un fabricante de entornos urbanos y personales excepcional. Pero falla en el guión. No es que escriba mal o que estructure con el culo las historias, pero le falta algo de garra, cohesión argumental y un foco claro de dirección narrativa. O eso es lo que me parece.
Este Batman por el contrario no adolece de ninguno de esos defectos y conserva intactos todos los aspectos positivos de la obra más personal del autor. El primer tomo es puro Pope: ambientación futurista ciberpunk, misterios, ¿qué está pasando aquí?, persecuciones narradas con pulso y dibujos muy bonitos. Y al mismo tiempo ofrece una versión pura del personaje, reminiscente del Batman Año Uno de Miller y Mazzuchelli, siendo toda una lección de lo que debería ser un Otros Mundos del personaje: un Hombre Murciélago en esencia y espíritu, pero dando una versión alternativa del mismo y de su mundo particular.
A partir del segundo tomo y hasta el último Pope nos introduce en el mundo que ha creado, despeja incógnitas, crea otras y al final todo tiene sentido.
Veremos si resiste una segunda lectura.
Y si lo publica Planeta.

Robin desenmascarado

Robin desenmascarado (Willingham, De la Fuente, Scott; Planeta) : Planteamiento interesante el propuesto por Bill Willingham, si bien se agradecería que tuviera algo más de trascendencia para la vida del actual Tim Drake.
Al final ha pasado lo que tenía que ocurrir: el padre de Tim ha averiguado que su hijo ocupa su tiempo libre en ponerse leotardos e ir por ahí, saltando de azotea en azotea, combatiendo el crimen. Reprobable, por supuesto. Todo un lío para el pobre chico, que acabará viendo como la que hasta el momento había sido su chica, Stephanie, alias Spoiler (¿qué demonios les pasa a los adolescentes de Gotham?), acababa asumiendo su papel al lado de Batman.
Podríamos dividir el cómic en dos partes claramente diferenciadas: En la primera se descubre todo el pastel, poniendo lógicamente en aprietos no sólo al aludido principal sino también al mismísimo Bruce. En la segunda se deja a Tim Drake de lado para centrarse en la evolución de Stephanie como nueva Robin
El comienzo es verdaderamente divertido, con un par de momentos memorables en la mansión Wayne que a buen seguro harán reir a más de uno. Desafortunadamente la parte de Stephanie, aunque perfectamente legible, puede descolocar un poco al lector. Me explico, con Tim Drake descubierto, uno piensa e incluso desea leer una aventura más o menos memorable del personaje cuando resulta que no, desafortunadamente no es así: Tim Drake es relegado a un segundo plano, que se pone aún más de relieve cuando una de las subtramas de la historia que apunta a él en todo momento es resulta sin intervención alguna por su parte. Decepcionante, teniendo en cuenta lo leído en las primeras páginas, que contrasta claramente con un final apresurado que nos da la sensación que nada de lo quehemos leído es verdaderamente importante.
Otro problema que le veo, y aquí acentúo lo personal de esta reseña, es que no acabo de reconocer a sus protagonistas. ¿Es este el mismo Tim Drake que el que podemos leer en los Jóvenes Titanes? ¿Y Batman? Vale que se ría entre dientes con una broma de Alfred, pero de ahí a ver cómo una asesina profesional le mete una paliza de esas de órdago...
Tampoco ayuda el cambio de dibujante que coincide, curiosamente, con la división a la que aludíamos un poco más arriba. Francisco R. De la Fuente viene a cumplir con su cometido, pero Damion Scott desentona por partida doble. Por un lado porque su estilo, que a mí me recuerda vagamente a un primerizo Humberto Ramos, no acaba de pegar mucho con el tono que se supone para cualquier historia que transcurra en Gotham, y por el otro porque se diferencia bastante respecto al de De la Fuente.
Lo cierto es que Robin desenmascarado es una lectura ligerita, que más o menos entretiene, y poco más, sin trascendencia alguna en la vida de Tim Drake ya que, para qué nos vamos a engañar, ¿no le véis volviendo a hacer de comparsa del murciélago jefe en breve? La verdad es que prefiero deciros esto a que es cómic de un solo chiste y poco más.

Justice League Elite

Justice League Elite (Joe Kelly, Doug Mahnke, Tom Nguyen; Planeta): La premisa de este nuevo grupo superheroico no es lo que se diría ni original ni novedosa. A ver si os suena de algo: una formación de metahumanos sin adscripción nacional y sin interés político alguno, al tiempo que preparada para luchar en las sombras contra cualquier amenaza que atente contra cualquier país, y con una ambigüedad moral más que patente. A ver quién lo adivina... Sip, en efecto, seguro que a algunos de vosotros os suena a The Authority y en efecto, no iríais muy desencaminados al respecto.
Pero claro, Warren Ellis o Mark Millar no son Joe Kelly. Y es que leyendo este comic he acabado más que convencido que el bueno de Kelly no les llega ni a las suelas de las sucias botas de tan eminentes bandarras. En este primer número intenta emular la fórmula que popularizaran en su momento aquellos dos tipejos, léase chulería superheroica a mansalva, con todo lo que ella supone, por mucho que algunos preferirían contemplarla como una perspectiva más madura o real de este tan manido género.
Decía que Kelly intenta emular pero, desafortunadamente, fracasa en su objetivo. Y el resultado no sólo peca de falta de credibilidad sino que, más gravemente, se pone en evidencia a sí mismo. Por ejemplo, no puedes pretender hacer creer que un grupo de criminales sanguinarios aparentemente se maten entre sí para luego decir al lector que no, que todo ha sido un montaje orquestado por nuestros protagonistas sin conocimiento de los malos malosos y que en realidad no ha muerto nadie. Pero bueno, lo cierto es que ésta es tan sólo una escena de un argumento que, la verdad, podría haberse contado pero que mucho mejor. Al respecto, a cualquier cómic tan sólo le pido que no tenga que leerme las cosas más de una vez. Y si, como en este caso, después de releerte los diálogos y repasar varias veces las viñetas sigues sin entender qué demonios está pasando... bueno, pues apaga y vámonos. Y precisamente en este punto, independientemente de si nos gustan o no los personajes, o nos creamos o no lo que se nos cuenta, el cómic resulta confuso hasta casi resultar exasperante.

Pero es que todavía hay más. En lo que a sus integrantes se refiere nos quedan claras muy pocas cosas. ¿Por qué están ahí? Sí, algunos pueden contarnos sus razones, pero lo cierto es que son la excepción. En otros casos el lector se puede hacer una idea de porqué un personaje ha entrado a formar parte del grupo, mientras que, en general, ni sabemos ni se nos cuenta nada de sus motivaciones. Ignoro si se hizo en algún otro cómic (en la introducción al cómic, Koldo Azpitarte nos indica que las líneas maestras del grupo se trataron en un tomo de la JLA), pero me parece lamentable que se pase por alto algo tan básico en esta su maxiserie.

Y de fondo, una historia donde al final casi resulta que el escenario es de cartón piedra. Se nos habla de genocidio, de terrorismo... pero lo cierto es que no importa nada, todo es aparente, una excusa, algo que sirva de fondo a la primera misión de nuestros chicos. Sencillamente, basura.

Y yo me pregunto...¿por qué Planeta publica esta serie? ¿Acaso no hay cosas más interesantes que leer de DC?

Dinastía de M: en resumidas cuentas

Bruja Escarlata, loca, altera realidad: primero, mutantes gobiernan; luego, ya no hay mutantes.

Concurso: si resumes Dinastía de M en menos palabras ganarás la satisfacción de haberle sacado partido al dinero que has tirado comprándola.

Y no vale decir MIERDA.

Mark Millar: La Expiación

Mark Millar
Mark Millar
Mark Millar
Mark Millar
Mark Millar
Mark Millar
Mark Millar
Mark Millar
Mark Millar
Mark Millar
Mark Millar
Mark Millar
Mark Millar
Mark Millar
Mark Millar
Aaaaaaaaaaaaaargh!

Otra feria más

Nueva feria de cómic y libro viejo.
Domingo 5 de noviembre.
Patio porticado de la Misericordia, Palma.

El corcel gris

El corcel gris (Hope Larson, Dibbuks): Este cómic, englobable dentro del slice of life, tiene casi todas las características para ser un buen cómic. Lástima que, pese a todo, a mí no me haya dicho nada.
Y sí, es una verdadera pena porque la historia tiene los ingredientes necesarios para que me guste: Su joven protagonista acaba de llegar a los Estados Unidos proveniente de su Francia natal, dispuesta a empezar una nueva vida. Un mundo nuevo ante ella, toda una aventura que deberá afrontar, como también deberá enfrentar a los demonios que le persiguen de la vida que ha dejado atrás; miedos que aprovechan la noche y el mundo de los sueños para volver a ella.
Un argumento que se presta al uso de metáforas y a la inclusión de bellas imágenes.
El dibujo es bonito, de trazo claro, limpio. La composición de página hace juego con la claridad de las líneas y las formas. Una tinta de tonalidad ocre le proporciona un aspecto agradable que invita aún más si cabe a su lectura. Destacable es la voluntad de experimentación con el medio, que se evidencia en alambicados bocadillos de texto u onomatopeyas cuya representación obedece a la naturaleza de su sonido. Como original es su división interna, donde cada capítulo se halla indicado en la parte inferior de cada página por un número determinado de carretes fotográficos que viene a resaltar un aspecto de cierta relevancia dentro de la trama.
Con todo, la forma de contarnos la historia es bastante clásica, y la narrativa es clara, muy efectiva.
De hecho, todo el apartado gráfico cuenta con un envidiable atractivo a ojos del comprador potencial, que además tiene su correspondencia en la edición de Dibbuks.
Pero aún así, y reconociendo los méritos del cómic, no me ha acabado de llegar. A este respecto y en mi opinión, le falta capacidad de transmitir, de expresar , de hacernos sentir.
De todas formas no dudo en recomendaros que le echéis un vistazo. Sólo por su grafismo y su edición ya vale la pena y, quién sabe, igual encontráis en él lo que yo no he podido o sabido hallar.

-Visita la página de su autora, Hope Larson

-Algunas páginas del cómic, en la web de Dibbuks

Autores y cantantes japoneses en el XII Salón del Manga II

Tomàs Pardo desde IMAGO (responsables de informar de todo lo relativo al Salón del Manga a los medios de prensa) nos pasa la lista definitiva de los autores y cantantes japoneses que asistirán a la actual edición de este evento.

A continuación os exponemos sus nombres, que habréis de añadir a los que ya os avanzamos hace unos días.

Hironobu Kageyama (Japón, 1961). Kageyama hará una pequeña actuación en el Salón del Manga el sábado a las 13.30 horas, interpretando tres temas de su repertorio. El gran cantante de anime Hironobu Kageyama es conocido por sus trabajos en Dragon Ball Z y Caballeros del Zodíaco. Su extensa discografía se inició en 1977, cuando contaba 16 años, con su primera banda de rock conocida con el nombre de Lazy.
En 1981 inició su carrera en solitario, pero es en 1989 cuando se produce el boom de su carrera al ser contratado para interpretar las canciones de Dragon Ball Z. El opening DBZ titulado Cha-la Head Cha-la es el single más vendido en Japón en ese año. Desde entonces ha obtenido dos discos de oro y participa en diversos proyectos musicales ligados al Anime.

Akira Kushida. Kushida, que acompaña a Kageyama en su gira por España, es otro cantante de anime conocido por los temas Kinnikuman (Musculman) y Jiban. Ambos cantantes dan un gran concierto en la Sala Salamandra de l’Hospitalet el domingo 29 por la noche.

Masakazu Katsura (Fukui, Japón, 10 de diciembre de 1962). Es uno de los mangakas más populares en nuestro país. Poseedor de un estilo de dibujo preciso, limpio y lleno de detalles y matices, las chicas Katsura se han ganado a pulso ser uno de los iconos populares más reconocibles del cómic japonés. Video Girl Ai, DNA 2, Shadow Lady, I´´s o Zetman son sus obras más populares (todas ellas, editadas en nuestro país con gran éxito). En ellas el romanticismo más intenso se da la mano con los superhéroes, las batallas espectaculares y la sensualidad más exquisita.

Blood. Llega el primer grupo de Visual Kei que actuará en el Saló del Manga en toda su historia. Blood es un grupo formado por tres integrantes: Kiwarnu (guitarra), Kaede (bajo) y Fu-ki (voz). Blood se caracteriza por una música rock contundente y llena de energía. A destacar la espectacular puesta en escena en directo, al más puro estilo X-Japan. Una oportunidad única para disfrutar en vivo del J-Music.

Atsuko Nakajima (Kanagawa, Japón, 1961). De trazo estilizado, limpio y elegante, Atsuko Nakajima es una de las más reconocidas ilustradoras de Japón. es el gran pilar femenino del diseño de personajes para el anime junto con la simpar Akemi Takada. La mano experta de Nakajima ha pululado por animes tan famosos como Ranma ½, Estás arrestado y Get Backers. Su dibujo manierista y etéreo es ideal para la comedia romántica.

Más información en Ficomic.

Los combates cotidianos 3: Lo que de verdad cuenta

Los combates cotidianos 3: Lo que de verdad cuenta (Manu Larcenet, Norma): Me atrevería a decir que estamos ante un álbum de transición desde el punto de vista temático. Larcenet retoma la historia allá donde la dejara, en la muerte del padre de nuestro fotógrafo protagonista, al tiempo que retoma elementos que ya habíamos visto presentes en sus dos álbumes previos para finalizar introduciendo una línea argumental que parece destinada a ser el eje sobre el que se desarrolle la acción en el cuarto volumen. El resultado es un álbum que aporta aún más coherencia al conjunto de la obra.
Por otro lado continúa la caracterización de personajes, siendo en este apartado especialmente destacable la del protagonista, que merece, lógicamente, una mayor atención por parte del autor y donde se aprecian rasgos de contenido autobiográfico que de igual forma empapan algunas de las tramas que presenta el cómic, lo cual ha sido una constante hasta el momento.
Pero a pesar de que el cómic se ubica en un contexto diferente al nuestro, donde se refleja de igual forma un patente interés de Larcenet que posiblemente entronca con ese elemento autobiográfico aludido, su temática universal consigue ganarse el favor del lector que descubre en ella su proximidad enraizada en la cotidianeidad.
Muy en la línea de los dos álbumes anteriores, este Lo que de verdad cuenta continúa el interés que desde el principio ha suscitado este tebeo adscrito al slice of life. Muy recomendable para los que gustan del género y, en general, una lectura interesante para casi cualquiera.

-Reseña de Los Combates Cotidianos 2

Barsowia en llamas

Barsowia en llamas (AAVV, Dolmen): Hace unos meses conocí Barsowia. Me refiero al fanzine, no a la ciudad. Llegué a él por David Rubín y su Circo del Desaliento, un autor que me resultaba desconocido y cuya obra me dejó muy buen sabor de boca (podéis encontrar una reseña aquí). Como comprenderéis, cuando me enteré que publicaba en un fanzine gallego llamado Barsowia no pude resistirme. La curiosidad, ya sabéis. Y para mi sorpresa, verdaderamente agradable por cierto, aquel fanzine vino a descubrirme a unos cuantos autores francamente interesantes.
Y claro, cuando quise darme cuenta ya no pude dar marcha atrás.
Por mucho que fuera lo primero en gallego que leía en mi vida.
Todo este preámbulo para presentar ahora esta recopilación integrada no sólo por material extraído del fanzine gallego que publica Polaqia, sino que también podremos encontrar material inédito e incluso nuevas versiones de historias previamente publicadas en otros medios y realizadas ex profeso para este Barsowia en llamas, que nos trae la editorial mallorquina Dolmen.
La antología cuenta con una serie de apartados temáticos que sirven para clasificar el buen número de historias cortas reunidas en el presente volumen. Así, el amor, la muerte, la soledad, este mundo que nos ha tocado en suerte vivir, nuestro reverso oscuro o ese frikismo con el que hemos aprendido a convivir como lectores de cómics son temas que podremos encontrar en las páginas de esta obra, un recorrido presentado a modo de trayecto en tren por diversas ilustraciones de David Rubín que viene a completar la sensación de coherencia que debió estar desde el principio en la base de la concepción de dicha antología y que le confiere un valor añadido e independiente respecto al que puedan ofrecer las historias en sí mismas.
Como toda antología, la irregularidad es la norma en este último punto. Y es que podréis encontrar de todo un poco. Historias poco afortunadas, al menos en lo que a mí respecta, junto a otras excelentes, aún más si cabe si consideramos la complejidad que supone el contar algo en tan poco espacio, todo un desafío para cualquier autor y en cualquier medio. Y es que hasta una anécdota puede marcar a quien esté leyendo. De muchas maneras, por supuesto. Y en este aspecto diría que, en líneas generales, este Barsowia en llamas lo consigue sobradamente.
Y aquí cabría apuntar otro aspecto que resaltar en esta antología, léase su variedad. Variedad en cuanto a autores participantes, ya que aunque los gallegos tienen un peso especial, como no podría ser de otra forma dada la naturaleza del fanzine, también encontramos gente proveniente de otros muchos lugares, extranjeros incluidos. Así, cabe citar a: Álvaro López, Bernal, Bouss, Brais Rodríguez, Carlos Arrojo, David Rubín, Diego Blanco, Hugo Covelo, Iván Suárez, Jorge Taboada, Jose Domínguez, Ken Niimura, Kike Benlloch, Kohell, Louis Bertrand Devaud, Luís Sendón, María López, Michael Bonfiglio, Paulo Monteiro, Raquel Méndez, Roque Romero, Sergio Covelo, Susa Monteiro. De ello se deriva una necesaria pluralidad de estilos y de lenguajes que confiere una gran riqueza a la obra. De la variedad temática ya he hablado antes. Y finalmente, la impresión que nos reportará la lectura de cada una de las historias es, a la fuerza, diversa. Si el autor lo consigue, nos hará reflexionar sobre algunas cosas, o entristecernos, o cabrearnos; esbozar una sonrisa irónica o reir a mandíbula batiente; extrañarnos por el surrealismo de lo contado, o reconocernos en la realidadnuestra cotidianeidad. Y así podría estar mucho tiempo contándoos. Pero lo que sí que querría resaltar es la evidente voluntad que subyace en un gran número de historias por jugar con las posibilidades que ofrece este medio, el cómic.
Pero no sólo eso. Y es que no podría pasar sin mencionar otro elemento común que se advierte detrás de esta obra, y que apunta a ese entramado de ilusión y amor hacia el cómic que reside en la editorial gallega Polaqia que es quien está detrás del fanzine Barsowia. Características con las que cuentan y que les llevan a seguir ahí, venciendo los obstáculos a los que continuamente deben enfrentarse en esto de publicar cómic en este país. Un esfuerzo que, cinco años después de su nacimiento, ha desenbocado en el reconocimiento por parte del Saló de BCN de este año, que ha premiado precisamente su fanzine, Barsowia, como mejor fanzine del 2005. Cinco años, se dice pronto.

Ya para finalizar y en base a todo lo que os he ido contando sobre este Barsowia en llamas, una antología realmente interesante y recomendable para cualquier lector inquieto que busque algo diferente a lo habitual.

-Polaqia (información sobre las publicaciones de esta editorial)

-Mejor fanzine del 2005 (extraído de Xastriño Comics; fuente más adecuada no se me ocurre)

El Secreto Mejor Guardado de la Blogosfera

No os quepa duda.
Es éste.

Historietes El còmic a les Illes Balears 2

El amigo Dani Martín (Ilustrador y animador) me manda el cartel de la exposición de autores de cómic de las Islas Baleares que se celebrará del 17 de octubre al 17 de noviembre en el Espai Ramon Llull de Palma (Cerca de la Iglesia de San Francisco) y que posteriormente circulará por varias ciudades más y del que ya Hator puso un post anteriormente.

No son todos los que estan, ni estan todos los que son, pero es una muestra de la gente que hace cómics en las Islas.

Aquí teneis el cartel.

Autores invitados en el XII Saló del Manga

Tomàs Pardo, desde IMAGO (encargados de informar a la prensa de todo lo relacionado con el Salón del Manga que organiza FICOMIC), nos informa de lo siguiente.

El XII Salón del Manga, que tendrá lugar entre el 27 y el 29 de octubre en La Farga de l’Hospitalet (Barcelona), presenta este año una exposición con dibujos originales de Hideshi Hino, un autor clave dentro del manga de terror. Hino estará en la presente edición del Salón junto a mangakas de reconocido éxito y que muestran la variedad de estilos del género como Tachibana Higuchi, una de las autoras de más éxito de shojo manga (manga para chicas) y el veterano Monkey Punch, creador del ya clásico manga Lupin III.

Unos datos más sobre cada uno de estos autores:

Tachibana Higuchi (Kyoto, Japón, 16 de marzo de 1975). Higuchi Tachibana es actualmente una de las dibujantes estrella de la revista japonesa de shōjo manga (manga para chicas) Hana to Yume. En sus primeras obras destacan M to N no Shoshou (Retrato de M y N) y Swan Lake (El lago de los cisnes). Su gran éxito le llega con el lanzamiento en febrero de 2003 de Alice: escuela de magia, protagonizada por Mikan, una sensible colegiala que estudia en una escuela para chicos y chicas que están dotados de poderes especiales. Alice: escuela de magia, continúa publicándose actualmente, ha inspirado una serie de animación de 26 episodios, editada en España, así como un videojuego.

Hideshi Hino (Manchuria, China, 19 de abril de 1946). Tras ver Seppuku, la película de Masaki Kobayashi, Hino decidió que quería ser director de cine, pero la fascinación que sus compañeros de clase sentían por sus dibujos le llevó a compaginar su carrera como cineasta con la de artista de cómic. Su primer trabajo, Tsumetai Ase (Sudor frío) vio la luz en 1967. Tras publicar en varias revistas y formar parte de diversos colectivos, en 1978 apareció su primera novela gráfica. Su inimitable estilo le ha puesto a la cabeza del manga de terror y ha influenciado a toda la siguiente generación de dibujantes, como Kanako Inuki. Las últimas obras publicadas en España de este singular autor son El niño gusano, La serpiente roja y Panorama infernal.

Monkey Punch (Hamanaka, Japón, 26 de mayo de 1937). Es el nombre artístico de Kazuhiko Kato, y es el responsable de Lupin III, uno de los mangas de culto más populares. En 1965 debutó con su primera obra larga de manga Playboy School. Lupin III debutó en 1967, en el nº 1 de la revista Weekly Manga Action. Desde entonces ha vendido millones de copias del manga y se han creado varias series de TV, más de 14 películas, programas de radio y una gran cantidad de merchandising.

Archivos de Vishanti. Catwoman: El gran golpe

Bueno, la última de mis reseñas de Archivo. En breve, volvemos con las novedades.

Catwoman: El gran golpe (Darwyn Cooke; Norma): Cooke nos presenta en esta mini una aventura autoconclusiva de Selina Kyle que enlaza directamente con los hechos que acaecen en el primer tomo recopilatorio de la serie regular que la editorial Norma lanzara en su momento, al tiempo que podría ser considerada como un preludio a la misma.
Cooke demuestra que sabe utilizar los lápices y los pinceles en un estilo cartoon muy atractivo. Una labor gráfica destacable que, desafortunadamente, no se corresponde con un guión a todas luces fallido. Porque nadie se cree que la Catwoman que nos presenta este tío sea la que todos conocemos. Y si además el cómic parte con la pretensión de preludiar la serie regular del personaje tendréis que admitir que la cosa tiene huevos. Pero la falta de credibilidad se hace extensible a otros personajes creados para la ocasión, y se hace patente no sólo en su forma de actuar sino también en sus diálogos.
Además, el ritmo es inadecuado, lo cual repercute en la lectura, que llega a hacerse hasta aburrida.
Concluyendo, un cómic bonito de ver pero nada más. Una lástima.

Archivos Vishanti: Batgirl año 1

Batgirl Año 1 (Scott Beatty, Chuck Dixon, Marcos Martín): Beatty y Dixon unen fuerzas para presentarnos el origen de la Batgirl encarnada por Barbara Gordon. Y tras leer este cómic no puedo más que cabrearme. ¿Que por qué? Porque Marcos Martín, Álvaro López y Javier Rodríguez hacen una extraordinaria labor en el apartado gráfico, uno con los lápices, el otro con los pinceles y el último con el color, que desafortunadamente sólo sirve para ilustrar un guión soso, aburrido y a ratos incluso algo confuso. Lamentable, sin lugar a dudas. Podría haber sido un cómic grande, en mayúsculas, del universo del amigo murciélago, para quedarse en un mero aunque soberbio ejercicio gráfico.

Los Apéndices de Vishanti: Green Lantern de Benjamin Raab y el retorno de Ron Marz

La etapa de Ben Raab duró del número 165 al 175 y las aventuras de Kyle transcurren en el espacio donde se trasladó para vigilar su sector. Está solo porque su novia Jade ha decidido volver a la tierra.

La trama principal consiste en acabar con la organización criminal Black Circle que ya apareció con el crossover de Green Arrow. Esta organización teje su red por toda la galaxia y dirige todos los asuntos sucios. [El líder es Amon Sur, hijo de Abin Sur el Green Lantern que le dio el anillo a Hal Jordan] Cuenta con la ayuda de Kilowog y algunos exgreenlanterns.

En la tierra se producen cambios importantes con los personajes que evolucionan y toman rumbos nuevos. [Terry se convierte en un icono homosexual para conseguir la aceptación y la igualdad, John Stewart y su novia tienen problemas y se distancian y por último Jade engaña a Kyle con otro hombre]

La lucha final contra la organización es apoteósica y supone grandes revelaciones de lo que ha ido ocurriendo a lo largo de los números. [Un arma capaz de crear agujeros negros, una traición de un exgreenlantern y la muerte del líder pero de una manera insospechada. Es asesinado por una Guardiana que antes ha apuñalado a Kyle por la espalda. Le dice que el deber de los Guardianes es mantener el orden a cualquier precio y que él ha de aceptar su destino y morir. El final es la explosión de la nave]

Raab potencia la vertiente cósmica del personaje y permite observar la variedad de planetas del sector 2814, como madura Kyle y los cambios de sus amigos en la tierra. La etapa es corta pero bien hecha.

Los dibujantes principales son Rick Burchett y James Bosch y haciendo fil-in Chris McLaughin, Jamal Igle y Andy Smith.
Burchett y Bosch tienen un buen dibujo para la acción y escenarios cósmicos. Los demás lo hacen bien, no hay saltos de calidad solo McLaughin que es un dibujante más clásico.



El retorno de Ron Marz se produce en la saga de seis números Homecoming? (176-181) que significa el regreso de Kyle a la Tierra [sobrevivió a la explosión teletransportando el anillo a Terry y después salió de este] para establecerse de nuevo pero las cosas no saldrán muy bien [se encuentra que Jade le ha engañado con otro y encima le echa la culpa a él, la JLA al tener a John Stewart como GL parece no necesitarle] por lo que decide volver al espacio y se despide de uno de los secundarios que más utilizó Marz: Radu el casero y dueño de una cafeteria. Pero es atacado por Fatality que ha sido liberada por Major Force. [el asesino de su novia Alexandra Drewiit] Kyle decidirá buscarlo pero se pelea con Stewart que le convence para no seguir al estar emocionalmente implicado y asegura que lo encontrará.

La madre de Kyle se convertirá en el único refugio donde puede regresar y ser feliz pero la tragedia acecha.[una casa a oscuras, un frigorífico medio abierto, los lentos pasos del héroe para comprobar si la pesadilla ha vuelto, la angustia en su cara y por último la alegria al ver que su madre no está muerta. Pero una siniestra voz surge de la oscuridad y le dice: ¿Crees que repetiría el mismo truco dos veces? Mira el horno. Allí estaba la cabeza de su madre y Kyle estalla] Comienza una lucha a muerte contra el Major Force. [Este consigue detenerlo con una revelación y una promesa: su madre está viva y si le da el anillo les dejará en paz para siempre. Kyle después de todo lo vivido y cansado decide darselo pero cambiará de opinión cuando el Major Force diga que se lo dará a alguien que pueda hacer el trabajo. Kyle decide recuperarlo porque ha sufrido mucho por llevarlo y cree que ha probado a lo largo de los años que es merecedor de ese trabajo y responsabilidad] La lucha prosigue en el espacio y Major Force le dice que no puede morir y siempre volverá. Pero existen peores destinos que la muerte. [Le corta la cabeza y la envia al espacio infinito. Major Force vive pero atrapado] Acabada la lucha ha de decidir si volver a casa o buscar su camino en las estrellas y decide la última.

El dibujante es Luke Ross que hace un dibujo sólido y coherente.

El final supone dos cosas el cierre de la colección para a continuación publicar Green Lantern: Rebirth y que Marz guionize otra vez a Kyle Rayner personaje que creó y desarrolló. Marz hace una buena historia de despedida pero triste.

Las aventuras de Kyle Rayner se pueden leer en Green Lantern:Rebirth, Rann-Thanagar war, Green Lantern Corps y por último Ion guionizado por el propio Marz siendo un cómic interesante.

Los 181 números que tuvo el volumen 3 de Green Lantern supusieron grandes cambios y las etapas de todos los guionistas son notables aunque a veces irregulares pero globalmente buenas.

No creo que Planeta lo publique con los anuncios del lanzamiento de Green Lantern: Rebirth y la etapa de Green Lantern guionizada por Geoff Johns pero podría hacerlo y así se veria la historia de los personajes y como evolucionaron.

XII Salón del Manga

Más información acerca del próximo XII Salón del Manga.
Más información aquí, en FICOMIC.

El XII Salón del Manga, que tendrá lugar entre el 27 y el 29 de octubre en La Farga de l’Hospitalet, amplia el espacio para albergar todas las actividades. El incremento de empresas expositoras y la previsible gran afluencia de público ha provocado que se ocupe la totalidad de espacios y salas disponibles de La Farga. Ello significa que se utilizará una superficie útil aproximada de 10.500 metros cuadrados.
El programa de actividades de esta edición incluye la celebración del World Cosplay Summit. Se trata del campeonato oficial de España en el que equipos de dos personas caracterizados como personajes de manga, anime o videojuegos japoneses realizan una performance en el escenario. Los participantes compiten por ganar el gran premio: el viaje a Japón para participar en la gran final mundial del World Cosplay Summit. En dicha final, que tiene lugar en la ciudad japonesa de Nagoya, participan representantes de Alemania, Brasil, China, España, Estados Unidos, Francia, Italia, Japón, México, Singapur y Tailandia. Esta competición la organiza FICOMIC con la cadena japonesa de televisión Aichi TV.
Además, se celebrará un campeonato de disfraces en el que pondrán haber participantes individuales y en grupo, con diversos premios de productos de manga y anime. Otras de las actividades que tendrán lugar en el escenario será el concurso de Karaoke. La inscripción en estos concursos se realizará a través de la página web de FICOMIC a partir del 18 de septiembre.
El Salón del Manga contará con la actuación de diversos grupos y solistas musicales que interpretarán temas de series de anime o de j-pop.
El torneo de videojuegos tendrá en las consolas de Nintendo su gran estrella. Se celebrarán torneos con videojuegos para las consolas Game Cube y Nintendo DS. Este torneo de videojuegos, con premios para los ganadores, se celebrará en una sala especialmente acondicionada.
La popularidad de las DDR (Dance Dance Revolution) ha provocado que este año el Salón del Manga les destine un lugar específico para todos los aficionados a las máquinas de bailar.
El Salón del Manga contará con talleres que explican los secretos para dibujar manga, de modelismo y de juegos tradicionales japoneses, además de actividades lúdicas como una Ginkana inspirada en personajes manga. También tendrá lugar un concurso de sintonías en el que los participantes deberán adivinar a que serie pertenece el fragmento del tema musical que se les ponga.
El Salón del Manga presenta este año una exposición con dibujos originales de Hideshi Hino, un autor clave dentro del manga de terror. Títulos como El niño gusano, Panorama Infernal y La serpiente roja han sido editados por La Cúpula. De esta manera, los asistentes podrán admirar la gran calidad del trabajo gráfico de Hino.
Asimismo, la organización del certamen está trabajando con diversas editoriales y empresas distribuidoras de DVD para contar con la presencia de reconocidos mangakas. La lista de los autores presentes en esta edición del Salón del Manga se hará pública a principios del mes de octubre.

Información suministrada por Tomàs Pardo, IMAGO (empresa encargada de la información a la prensa)

Archivos Vishanti: Catwoman de Brubaker

Te vas a enterar, gatita...

Catwoman (Ed Brubaker, Cameron Stewart, Javier Pulido; Norma): Reseña referida a los tomos Sin tregua y Caer no es fácil.
Brubaker retoma el tono más humano de Selina Kyle que ya retratra con anterioridad en los dos tomos que precedieron a estos, con una novedad en mi opinión. En mi opinión, El lado oscuro de las calles y Malas Calles, aunque de ejecución más que correcta, carecían de algo; ese algo que inevitablemente te arrastra dentro de la acción y que te vincula al sentir de los personajes.
Y esto, precisamente, es lo que podemos encontrar en Sin tregua, la saga destinada a hacer jirones tanto de Selina Kyle como de los personajes que la rodean. No es una idea nueva, la hemos visto mil veces en cómic, pero quizás a diferencia de otros, Brubaker consigue una sensación de realidad en su voluntad de presentarnos la faceta más humana de los personajes que, en un tema como éste, consigue calar aún más si cabe en el lector. Un cómic para vibrar y sufrir, niños y niñas. Como también seguiréis sufriendo con Caer no es fácil, el tomo que viene a continuación, donde se presentan las consecuencias que los actos acaecidos han tenido sobre Selina y su círculo de amistades.
En efecto, Brubaker consigue una caracterización de Catwoman como nunca antes se había visto en cómic. En ella y sus amigos reside una credibilidad y una dimensión profundamente humana que convierten al fantástico trajecito superheroico que viste la ladrona en un mero accesorio secundario.
Pero a esta visión hay que añadir la gran habilidad del guionista para presentarnos la historia. Domina el tempo, dialoga de forma inteligente y efectiva, hace uso de recursos narrativos interesantes muy poco habituales en un cómic de género superheroico... Y es un hijo-de-puta de cuidado, y si no preguntadle a la hermana de Selina y ya veréis, ya...
Al dibujo dos grandes aciertos, Cameron Stewart en el primer tomo, que realiza un trabajo francamente extraordinario, a la altura del guión, y nuestro Javier Pulido en el segundo, como siempre interesante.
Un cómic de superhéroes atípico, un noir diferente a lo habitual, una gran lectura de cualquier manera. Muy recomendable.

Los libros de la magia de Rieber, 1-4

Me quedo con Harry

Los libros de la magia 1-4 (Rieber, Amaro, Snejbjerg, Gross; Planeta): Había esperado durante mucho tiempo la publicación de esta serie, salida de aquella miniserie de idéntico título que guionizara Neil Gaiman y que presentaba a Tim Hunter, un adolescente con grandes aptitudes para la magia que le eran innatas. No sé muy bien porqué deseaba leerla a tenor del poco interés que suscitó en mí la mini de Gaiman, probablemente por el personaje, al que le veía grandes posibilidades. Desafortunadamente, después de leerme estos primeros cuatro prestigios de Planeta que recopilan los primeros ocho números de la serie yanki así como una historia corta publicada originalmente en el Vertigo Rave 1, la decepción no podía ser más patente.
A este Tim Hunter no me lo creo, lo siento. Vale que Rieber consiga más o menos transmitir la desazón existencial o la confrontación con lo establecido que pueden caracterizar la adolescencia de cualquier chaval, así como sus comidas de tarro, sus miedos, inseguridades y todo lo demás. Pero Tim es algo más que éso, está vinculado a la magia desde que nació, y es precisamente aquí donde el personaje no resulta convincente. Tim pasa de no haber hecho nunca magia no sólo a aceptarla como la cosa más natural del mundo sino que también, sin aprendizaje alguno, empieza a demostrar un dominio extraordinario con la misma. ¿La explicación? Porque ha nacido para ella, un planteamiento maniqueo que, además, le resta gran interés que conllevaría un proceso de aprendizaje.
Pero este no es el único problema de la serie. Siguiendo con Tim Hunter, Rieber le retrata, posiblemente no de forma consciente, como un personaje frío, gris, que trata continuamente de hacerse el gracioso, quizás como defensa a la mierda de vida que lleva. Puede que en un principio pudiéramos simpatizar con él, pero a medida que la trama avanza y el elemento mágico está cada vez más presente acaba perdiendo credibilidad y, en mi opinión, gran parte de la poca simpatía que pudiera haber suscitado en el lector.
Dos son las tramas que presentan estos números. La primera alude al verdadero origen de Hunter y consigue mantener el interés del lector. La segunda saca a colación elementos que ya pudimos leer en la mini de Gaiman, pero desafortunadamente cuenta con deficiencias de guión evidentes: crea expectativas que, al finalizar la saga, se quedan en nada, resulta poco coherente en la inclusión del elemento mágico, falla en la caracterización de algunos personajes y, lo que es peor, acaba por aburrir, consiguiendo que te importe bien poco lo que pueda pasarle al protagonista.
El dibujo no viene a ayudar a mejorar la impresión que pueda causar la serie. Amaro viene a cumplir más o menos, como Snejbjerg, pero un novato Gross llega a dejar bastante que desear. Lo mejor al respecto, las portadas de Charles Vess.
Para concluir, podemos decir que, de momento, Los libros de la magia de Rieber ejemplifica a la perfección toda esa hornada de títulos mediocres que vieron la luz amparados por el auténtico boom que supuso la eclosión Vértigo a finales de los 80 y principios de los 90 con títulos de la talla de Sandman o Hellblazer.

Jóvenes Titanes 8-12 (TPB Family Lost)

Echadle un buen ojo a Rose Wilson...

Teen Titans (Jóvenes Titanes): Family Lost TPB (Geoff Johns, Mike McKone;DC): La siguiente reseña se refiere a un tomo yanki que se corresponde con los números 8 al 12 de la serie Jóvenes Titanes, segunda saga del joven equipo que se centra en Ravenclaw y su relación con un nuevo Hermano Sangre.
Ah, ¡prometo no incluir ni un spoiler!
Si hace un par de días Marv Wolfman era citado en el post de las Crisis Infinitas cuando se refería que cada generación de lectores debiera no sólo que tener sino hacer suyos sus tebeos, esta serie vendría en mi opinión a ilustrar sus palabras. A título de ejemplo, esta saga, en la que Geoff Johns demuestra su buen hacer al guión.
Cada una de las escenas que Johns nos presenta están ahí por algo, por mucho que no nos digan nada. Si no sirven para caracterizar personajes, su inclusión se relaciona directamente con la acción que tiene lugar en ese momento, y si no, actúan como una forma perfectamente válida para introducir elementos que cobrarán importancia en un futuro cercano. Encima el tío sabe utilizar los textos de apoyo, en una economía que favorece a la narración... siempre que el dibujante sepa aprovechar esta oportunidad que se le brinda, cosa que, desafortunadamente, no siempre ocurre en esta serie.
Y es que Mike McKone, aunque a primera vista da la impresión de ser un dibujante interesante y atractivo, suele fallar en la narración de las escenas de acción. Y claro, en un cómic de superhéroes tortas no sólo las hay sino que en cantidad, de ahí que la realmente buena impresión que podría dejar el cómic queda un poco deslucida en último término.
Pero volviendo al guión, la baza más fuerte con que cuenta esta serie, Johns parece saber muy bien lo que quiere hacer al respecto. Tiene una idea general de cómo quiere que se desarrolle la historia del joven equipo superheroico y lo mejor de todo es que sabe cómo plasmarla de forma que el lector se lleve una impresión de coherencia del conjunto. Y esto no es fácil. Guionistas clásicos del género han caído en este punto, Chris Claremont, por ejemplo.
Por otro lado Johns sabe cómo enganchar al lector. Los comic books de los Jóvenes Titanes cuentan con algunos buenos cliffhangers y, en general, suelen sorprender por alguna cosa. Recordad si no la escena del primer número en la que Deathstroke le volaba la rodilla a Kid Flash. Impresionante. Y como ésta, la segunda saga nos depara también alguna que otra de esas imágenes impactantes que nos hacen decir Uauh, ¿cómo se le ha ocurrido hacer eso? Y para qué nos vamos a engañar, a los que nos gustan los superhéroes flipamos con estas cosas.
Para acabar, Johns consigue hacer un tebeo fresco, divertido como sólo podría ser un cómic protagonizado por adolescentes, y lleno de referencias frikis al universo que vio nacer esta serie y que demuestra que el tío se ha mamado muchos tebeos a lo largo de su vida. Si no, cómo se le ocurre a ¿el superhéroe antes conocido como Kid Flash? llamar a Garfield cabeza de ensalada? Y no sólo eso, Johns también piensa en los nuevos lectores que quizás no estén familiarizados con algunos de los personajes clásicos, y no duda en hacerles partícipes de datos que les ayuden a seguir la historia y ponerse un poco al día. En esta saga lo hace con Ravenclaw, en un resumen que remonta a su madre, como no podría ser de otra forma.
En fin, un buen cómic de superhéroes de hoy, de esos que te hacen pasar un buen rato y te dejan con ganas de leer el siguiente número. Si os gusta el género yo le daría una oportunidad a la serie.

¡Supergirl ha muerto!

En Crisis en Tierras Infinitas.
Hace 20 años.
Que lo sepáis.

Archivos de Vishanti: Crisis en Tierras Infinitas

Con permiso de Felipe, el cirujano de los cómics, habitualmente responsable de esta sección:

Crisis en Tierras Infinitas (Marv Wolfman, George Pérez; Norma): Sí, lo reconozco, hasta ahora no me había leído estas Crisis. Craso error, en efecto, y creedme cuando os digo que no estoy hablando de forma gratuíta.
Y es que leer este cómic hoy, en 2006, unos veinte años después de su primera publicación, supone todo un ejercicio de arqueología. Con esto lo único que quiero decir es una obviedad: los cómics que se hacen ahora no tienen nada que ver con los cómics que se hacían entonces. Así me habréis de disculpar todos vosotros, veteranos superheroicos que ya mamábais el género por aquel entonces, cuando exponga mi opinión, que tiene más de desmitificación que de otra cosa.
En efecto, no he encontrado la historia narrada en estas Crisis para tanto, pero he de reconocer una cosa, y es que, a pesar del paso del tiempo, a pesar de lo mal que haya podido envejecer, todavía se encuentran en sus páginas momentos realmente memorables. Episodios dignos de emocionar al lector, cualidad que, todo sea dicho de paso, no me resulta muy habitual encontrar hoy en día en los cómics actuales pertenecientes al mismo género.
Pese a este rasgo envidiable y destacable sobre todo el conjunto, Crisis en Tierras Infinitas posee elementos que lastran su guión y que casi diría que podrían deslucir la extraordinaria labor que realizó su dibujante, George Pérez. Pérez se documentó durante mucho tiempo para acometer este magno trabajo, como no podía ser de otra forma si quería meter esa ingente cantidad de personajes que pertenecían al universo DC. Y el resultado obtenido es, a todas luces, excepcional. Espectaculares composiciones de página y poderosas formas es lo que nos regala un autor que se encontraba en plena forma. Pero ahí entra Wolfman, recargando en exceso la página con textos de apoyo superfluos o con diálogos que, de igual forma, no sólo no vienen a aportar nada sino que enlentecen la lectura. Si no me creéis probad este experimento a título de ejemplo. Coged la página en la que Superman lleva en sus brazos el cuerpo de una persona muy querida para él y que acaba de fallecer en el transcurso de la crisis; bien, ahora seguid la acción sin leer los textos. Pérez no necesita texto alguno para transmitir toda la emoción del momento.
Pero Crisis, aunque crossover con mayúsculas, no deja de ser un crossover. Existen episodios de tortas entre superhéroes que no tienen casi transcendencia en la trama general, por no mencionar escenas que no se resuelven en la propia maxiserie sino que debemos remitirnos a la serie del superhéroe protagonista de turno.
Y luego está el tono de la serie. Los superhéroes de mediados de los 80 no tenían nada que ver con los que tenemos ahora. Hay un halo de inocencia que ha desaparecido a lo largo de estos veinte años. A mí me ha resultado entrañable, qué queréis que os diga. Pero eso no implica que el cómic no sea... naïf. Por la acción, por los protagonistas... por todo un poco.
Por lo que respecta a la concepción de la serie en sí no podría estar más de acuerdo con su guionista. Fue él quien dijo que cada generación debía tener sus propios cómics de superhéroes, hacerlos suyos, de ahí que con Crisis se intentara sacudir el universo DC en una huída hacia delante, queriendo marcar un nuevo comienzo, un punto de inicio para que toda una legión de nuevos lectores pudieran acceder a la lectura de superhéroes de dicha casa editorial sin tener en cuenta una continuidad que sólo complicaba las cosas. Una idea elogiable.
Por otro lado, hay que reconocer la inmensa importancia que tuvo este crossover, esta maxiserie, en la aparición y consolidación de dicha fórmula, cuyas consecuencias las estamos viendo, o padeciendo, hoy en día. Si el crossover, si la historia, no promete golpear la esencia de un universo o tener vastas repercusiones en el mismo, no merece la pena. Hay que pensar a lo grande, niños y niñas. Ya sabéis, todo ese rollo de mundos vivirán, mundos morirán y nada será lo mismo a partir de ahora. Y al respecto, este cómic ha hecho Historia.
Para concluir, un consejo si deseáis abordar la lectura de esta obra y hace relativamente poco tiempo que leéis cómics, especialmente de superhéroes. Mirad las cosas con perspectiva y coged con ganas su lectura. Recordad que, después de todo, los cómics de superhéroes con los que flipáis hoy en día no serían lo que son sin este cómic.
Y ahora, dejadme llorar una muerte.

Mi Hulka otra vez

Hacía tiempo que no disfrutaba y me divertía con un cómic Marvel. Estoy hablando del tomo que ha publicado Panini sobre Hulka.
Dan Slott consigue lo que muchos guionistas de Marvel (sobre todo por imposiciones editoriales) no consiguen y es contar una buena historia en 22 páginas de historieta, sin necesidad de alargar innecesariamente una historia para que sea recopilada posteriormente en tomo, con lo que pierde muchas veces el ritmo de la narración.
Este guionista demuestra con su capacidad de síntesis conocer a la perfección el oficio de buen narrador.
Me ha sabido a los tebeos de antes, entretenido y que se lee de un tirón quedándote con ganas de más.
Los personajes no estan fuera de lugar, los nuevos (y secundarios) están bien construídos y te llegan a interesar tanto o más que la propia Hulka. Los secundarios son muy importantes para enriquecer la historia y Slott lo sabe y lo consigue. Aparte que parece que conoce el Universo Marvel.
Se nos presenta lo que podría ser una mezcla de Ally McBeal y superhéroes que bien podría acabar convirtiéndose en una serie para televisión y con muchos visos de éxito. Las historias son cachondas, no llegan a ese humor "sin sentido y en ocasiones facilón" que hizo John Byrne y con el que me reí mucho (qué tiempos en que Byrne sabía contar historias y dibujaba encon... bueno, dejémoslo en que dibujaba). En esta nueva etapa de Jennifer Walters / Hulka, los chistes fluyen con la historia y no la historia en función de los chistes que se tuvieran pensados.
Resaltar la historia del tomo y que merecería formar parte del mejor elenco de aventuras de Spiderman escritas últimanente, es la del jucio de J.J. Jameson. Verdaderamente genial y su final desternillante, a la vez que inteligente y lógico.
Los dibujantes cumplen con creces. No son estrellas en esto del mundillo del cómic americano pero tienen buena narrativa gráfica (Es algo que se agradece en los tiempos que corren) .
Juan Bobillo es el autor de las 4 primeras historias del tomo y con su dibujo original y aparentemente sencillo te captura visualmente.
Paul Pelletier es más clásico en su forma de dibujar y en ocasiones se le nota un cierto "seguir el estilo de Bobillo" aunque poco a poco se va desquitando de eso.
En definitiva, un cómic para regalar a la gente que no lee cómics de superheroes o simplemente que no lee cómics. Seguro que se llevan una agradable sorpresa con este Hulka.

Los gazapos de Planeta

Por petición popular, algunos de los gazapos que Planeta incluye en sus hojas de novedades para librerías especializadas. Hoy, Salón del Manga 2006.

-Coleccionable: Revista Mad. Encuadernación: Dos grapas [uauh] Guión y dibujo: Los idiotas de siempre [carcajada generalizada, como lo que promete MAD]
-Sagas DC. Guión y dibujo: Joe Kelly [en efecto, según esto, toda la colección la firma el bueno de Joe]
-Green Arrow. Contenido: (...) serie mensual muy ESPECIAL (…) Esta etapa fue reconocida en EEUU por hacer hincapié en problemas de índole social, como el SIDA en la juventud de hoy [inaudito, vamos]. Además, Green Arroz se vera obligado a (...) [en efecto, todavía no han contratado a un corrector que revise lo escrito; y que conste que éste será el primer y último error que señalaré, que luego hay gente susceptible que se toma a mal que se digan estas cosas]
-Lapinot 6. Contenido: (...) Lewis Trondheim (Fontainebleau, 1964) es famoso en el ámbito de la “Bande Dessinee” (...) [gracias por la vital información... lo del nacimiento, quiero decir]
-20th Century Boys 21. One shot [y yo me pregunto...¿qué pensará esta gente que es un one shot?]
-Lucifer 3: Las mansiones del silencio. Contenido: (...) serie que (...) comenzó desde un número cero, aunque retomando la acción y el entorno de Estrella del Alba allí donde Gaiman la dejó [¿tanto cuesta contratar a un redactor medianamente eficiente?]
-Superman de Pascual Ferry. Dibujo: Francisco Rodríguez de la Fuente, Damion Scott [¿y el Pascual?]; Contenido: (...) Recto y con unos grandes valores molares, este alienígena lucha desde hace décadas por lo que cree que es justo, por defender el modo de vida que le inculcaron. Por eso no es de extrañar que cualquier dibujante de cómics sueñe con poder trabajar con el Hombre de Acero(...) [ya ven, dibujantes de cómics, caballeros andantes y redactores flipados]

El próximo mes, más gazapos.

Ganges

Ganges (Kevin Huizenga; Sin Sentido): Últimamente le he ido dando vueltas a una idea sobre lo que para mí es la lectura y el que nos guste o no lo que leemos. Idea que apunta a un ejercicio en el que participan cabeza y corazón. Escuchando lo que cada uno tiene que decir al respecto de la lectura de turno, algo que sin duda es susceptible de ser aplicado a otras manifestaciones culturales que ocupan nuestro tiempo, uno puede hacerse una idea de la validez del producto en cuestión. Si ambos están de acuerdo, la cosa marcha, pero si en cambio se da un desajuste...
Eso es precisamente lo que me ha pasado con este cómic.
Mi cabeza da su visto bueno pero a mi corazón no le llega, lo cual me resulta un verdadero problema, porque la naturaleza de las historias reunidas en este número tienen en común una cotidianeidad con la que todos deberíamos sentirnos identificados. Glenn Ganges, el protagonista indiscutible de los diferentes relatos presentados, aprovecha un suceso o situación aparentemente trivial extraída de su vida diaria para reflexionar sobre la misma, haciendo uso de un humor inteligente, si bien puede llegar a un nivel que podríamos calificar como de metafísico. Una voluntad por trascender la trivialidad que, por curiosa u original que pueda encontrarla desafortunadamente acaba por aburrirme al poco tiempo.
Y es una lástima, porque mi cabeza reconoce los aciertos del cómic, que son varios. Empezando por esa misma premisa, pasando por la experimentación que Huizenga realiza con el medio, destacando a este respecto la historia del viaje en el tiempo, y acabando en el dibujo, sencillo pero efectivo, especialmente en lo que a narración se refiere. Mención aparte merece la, como siempre, cuidada edición a cargo de Sin Sentido.
Pero pese a todo, lo siento. No. Por mucho que reconozca las aptitudes del autor, el cómic no me ha llegado, y eso a mí ya me basta.

Los Apéndices de Vishanti: Green Lantern de Judd Winnick

El período de transición entre la etapa Marz y Winnick son tres números, 126-128, escritos por Jay Faerber que son autoconclusivos bastante normales y tratan sobre la corrupción en una prisión, la peligrosa relación entre Killer Frost y Efigie y por último un team-up con Roy Harper alias Arsenal.

Antes de Winnick es necesario leerse dos títulos fuera de la colección debido a su importancia en el desarrollo de la propia colección.

El primero es Green Lantern: Circle of Fire guionizada por Brian K. Vaughan y otros autores en los distintos especiales. La trama es la aparición de Oblivion un personaje de cómic villano creado por Kyle cuando era niño pero que ahora se ha hecho real y está conquistando la galaxia y para detenerlo recibirá ayuda de héroes del universo DC y también de green lanterns de diferentes épocas y poderes. [Oblivion resulta ser la parte oscura de Kyle: dolor, ira, resentimiento que gracias al anillo ha tomado forma. Los otros green lanterns son en realidad producto de la imaginación de Kyle siendo importante Alexandra DeWrite la novia asesinada por Major Force].

El segundo es Green Lantern: Legacy. The Last Will and Testament of Hal Jordan guionizado por Joe Kelly, dibujado por Brent Anderson y entintado por Bill Sienkiewicz. La trama trata de Tom Kamalku intentando cumplir la última voluntad de Hal Jordan de arreglar las cosas y se constata todo lo negativo. [GLCorps y Guardianes asesinados, los poco GL supervivientes utilizando magia negra para resucitar a Kilowog y utilizarlo como ejecutor de su venganza]. Kamalku arreglará las cosas. [con el anillo reconstruye Oa y deja a Kilowog como guardian].



La etapa de Judd Winnick duró del 129 al 164 teniendo solo un fill-in guionizado por Faerber en que la exnovia de Kyle [Donna Troy] y la actual [Jade] tienen una conversación.

La llegada de Winnick supone sobretodo una reutilización de ideas de Marz [relación con otros exgreenlanterns, la reconciliación con Jade que se parece mucho a lo que pasó con Donna Troy, el retorno de Fatality, John Stewart en sillas ruedas…] y desmontar parte de lo que creó. [se convierte en Ion, una especie de Paralaje bueno y que sacrifica sus poderes para resucitar a los Guardianes en la forma de niños y niñas, dejar a Efigie inservible…].

Los aciertos de Winnick que son bastantes, es hacer madurar al personaje tanto a nivel profesional [contratado para hacer tiras de cómic en una revista] como personal, [se reconcilia con Jade y es una relación más seria y le da un anillo para que sea una GL como hizo Marz] la introducción de un nuevo personaje como es Terry que sirve para hablar de temas sociales, [homosexualidad] la introspección en la mente de John Stewart, [al haber perdido la energía que le dio Paralaje al utilizarla para luchar contra Fatality en al etapa Marz ya no puede caminar. Pero se descubre que está así debido a un trauma que le hace sentir culpable: su hermana murió por una temeridad suya] la utilización de Hal Jordan [ahora Espectro] como guía y conciencia de Kyle.

El gran enemigo de Kyle será Nerón, un artista loco que obtiene un anillo amarillo como el que llevaba Sinestro que le fue entregado por los señores de Qward. La última batalla dará como resultado la transformación de Kyle. [se convierte en Ion debido que absorbe la energia verde que está en sol donde Paralaje se sacrificó para salvar la Tierra. Así se explica porque Kyle era más poderoso y el poder que mostró Oblivion].

El nuevo cambio tratará sobre que puede y debe hacer un superhéroe. [estar en todas partes, ayuda humanitaria, ser prácticamente un Dios y poder arreglarlo todo. Kyle también encuentra a su padre que buscaba desde Marz, le devuelve los poderes a Jade perdidos con Marz, ofrece a Hal la posibilidad de arreglarlo todo y evitar convertirse en Paralaje pero le dice que no porque no se tiene que manipular el pasado y hay que aceptar el destino. Tendrá una conversación importante con Superman sobre intervenir en la vida de las personas y que es mejor ayudar que determinar sus vidas].

Al fina renuncia al poder [resucita Guardianes y Ganthet pasa a cuidarlos para que sean más comprensivos, amables y compasivos] al tiempo que sufre una tragedia personal [su amigo homosexual Terry es apalizado por su condición y Kyle se vuelve muy duro persiguiendo a los que le hicieron lo que produce una discusión con Batman] y decide irse al espacio para meditar[ver la maldad de la gente le hace perder la esperanza de protegerlos] junto a su novia [Jade] pero dejando a un sustituto. [John Stewart].

Sus aventuras espaciales son interesantes [descubrir el planeta Mogo antiguo GL, la evolución de los niños y niñas Guardianes y una de ellas tomandose el mantenimiento del orden y la paz muy en serio, tanto que utiliza métodos violentos que hace que Ganthet llame a las Zamaron para mejorar la educación] permitiendo ver lo variado que es el universo y como está después de la desaparición de los GLCorps.

Los últimos números de Winnick es un crossover con Green Arrow que podría haberse hecho en tres números en lugar de seis.

Los dibujantes principales son Darryl Banks y Dale Eaglesman. Banks tiene un entintador que se adapta a su estilo y permite ver un estilo normal pero que evoluciona. Eaglesman dibuja casi toda la etapa y tiene un estilo claro y consistente.

Las siguientes etapas son las de Benjamin Raab de once números y el retorno de Ron Marz que supone el cierre del volumen 3 de Green Lantern.

Quimera

Quimera (Mattotti; Sin Sentido): Excelente envoltorio el que Sin Sentido nos ofrece para un simple ejercicio de virtuosismo desprovisto de todo contenido.
Mattotti parte de una ensoñación que nace a la sombra de un árbol y que acaba por precipitarse en el siempre cambiante universo onírico. Así, veremos evolucionar, ininterrumpidamente, la forma de la materia onírica que constituye el sueño, de forma que lo que parte como un bello sueño acaba convirtiéndose en sofocante pesadilla, transición que se refleja en el estilo y el trazo del dibujo.
El mérito de Quimera recae, precisamente, en la fuerza y expresividad que transmite Mattotti con sus ilustraciones, así como en las imágenes que concibe, pero más allá de estos logros no acabo de verle sentido alguno a esta obra. De hecho, el contenido se reduce a mera anécdota que el autor utiliza como pretexto para dar rienda suelta a sus pinceles. El lector no encontrará historia que disfrutar, sólo un ejercicio contemplativo que acabará traduciéndose en la recepción de sensaciones que variarán de un observador a otro. Nada más. Y nada menos, pensaréis más de uno.
Me atrevería a decir que os gustará o no en función de lo que busquéis en un cómic. Y por supuesto, los fans de Mattotti posiblemente lo disfrutarán de una forma u otra.

Historietes. El còmic a les Illes Balears

El Projecte Llevant, la plataforma cultural impulsada por el Govern, Institut d'Estudis Baleàrics, Consell, Sa Nostra y quince ayuntamientos mallorquines, ha decidido este año apostar por el cómic con la exposición Historietes. El còmic a les Illes Balears.

Se inaugurará el mes que viene en el Espai Ramon Llull de Palma, y en ella podremos ver expuestos a 33 autores y más de 500 originales. Todas las islas del archipiélago se verán representadas en la selección de creadores escogidos, lo cual ha supuesto, en palabras del comisario de la exposición, Florentino Flórez, "un gran esfuerzo" a todas luces evidente.

De igual forma, se debe destacar la voluntad de incluir desde precursores de la historieta balear como el menorquín Benejam o el ibicenco Escandell, a autores sobradamente conocidos como Rafael Vaquer, Max, Pere Joan o Bartomeu Seguí, como jóvenes autores, entre los que deberíamos citar a Guillem March, Pau Rodríguez o Guillermo Sanna por poner sólo algunos ejemplos, y para acabar también nuevos valores que han ido apareciendo en las diversas ediciones del concurso Art Jove de Còmic.

Pero no sólo los nacidos en estas islas se verán representados en esta exposición, sino que también habrá lugar para aquellos autores que han escogido este lugar para residir.

Todo para configurar la selección "más completa" del mundo referida a la historieta en estas islas, como ha afirmado Joan Carles Gomis, director general de Artes Plásticas del ayuntamiento palmesano.

Una exposición que tendrá un carácter itinerante y que podrá verse no sólo en Mallorca, sino que llegará al resto de las islas e incluso a Barcelona, donde será acogida por el Espai Mallorca.

En adelante os informaremos más concretamente sobre la fecha elegida para su inauguración oficial, así como de cualquier novedad que pueda aparecer.

Cuatro Fantásticos: Enemigos

Cuatro Fantásticos: Enemigos (Kirkman, Rathburn; Panini): Miniserie de seis números yankis en el que los Cuatro Fantásticos se las ven con el último plan del enemigo de turno, en este caso un dúo clásico, el constituído por el Pensador Loco y el Amo de las Marionetas.
Probablemente penséis que os encontráis ante otra típica historia aburrida de nuestros amigos los cuatro fantoches. Bueno, pues no es así. Más o menos.
Kirkman, guionista de éxito conocido aquí especialmente por su Invencible (Aleta) y Los muertos vivientes (Planeta), nos ofrece una historia más o menos decente y capaz de entretener al personal. Punto.
Quizás el principal problema es que después de todo estamos ante los Cuatro Fantásticos, familia superheroica de la que bien poco se puede decir hoy en día después de tantos años de aventuras a sus espaldas. Aún así, debe apreciarse en su justa medida la correcta caracterización de todos y cada uno de los integrantes del grupo por el que es el trabajo de, recordemos, un fan. En efecto, Kirkman siempre ha sido un fan, un freaky, que ha visto culminado su sueño de formar parte de la industria que tantos momentos de diversión y entretenimiento le ha servido a lo largo de su vida, y eso se nota en cómo puede llegar a capturar la esencia de esos personajes. Sabe que cada uno es el prototipo de algo y no le cuesta para nada reflejarlo en el cómic, aportando de paso ese sentido del humor que es tan propio de él.
El argumento de la historia tiene una premisa casi diría que ridícula, a juego con la mayoría de los enemigos de este grupo, y a mi gusto el ritmo no es todo lo adecuado a como sería de desear. Parece que la cosa no acaba de arrancar, y probablemente si no fuera por los abundantes momentos de cachondeo, el cómic podría resultar hasta aburrido. Pero no es así: los diálogos pueden llegar a ser realmente divertidos, y las escenas dotadas del mismo tono sirven para que el cómic se deje leer relativamente bien. Asimismo, el tebeo cuenta con algunas buenas ideas que desconozco cómo no se les habían ocurrido previamente a los guionistas que han pasado por esta serie.
El dibujo, a cargo de Cliff Rathburn es un poco simple aunque efectivo, con cierta tendencia a la caricatura que casa bastante bien con el tono de la serie.
En definitiva, un cómic de los 4F interesante para todo fan de la serie que se precie de serlo. Ahora, si como en mi caso no os dice nada esta familia de superhéroes... probad con otra cosa.

Desperadoes: Banderas de oro.

Desperadoes: Banderas de oro (Jeff Mariotte, Jeremy Haun; Norma): ¿Qué es peor que un cómic malo? No, esperad, cuando digo malo realmente quiero decir malo. Sí, pensad en ese cómic que os leísteis hace un montón de tiempo y todavía os persigue en vuestras peores pesadillas. Pues bien... Desperadoes: Banderas de oro es la respuesta que buscábais.

Cosas que podréis leer, por orden, en este post:
1-. Reseña de Desperadoes: Banderas de oro
2-. Spoiler bastante completito del mismo, para que os riáis un poco y de paso os alegréis de no haberos gastado los 12 euros que cuesta semejante bodrio. De hecho su precio debería estar bastante por debajo del coste que supone sólo el papel usado en el mismo. Y aún así sería una estafa.
3-. Comentarios sobre la vergonzosa y engañosa publicidad que la editorial, Norma, realiza sobre su producto.

Vamos allá:

1-. La reseña

Miniserie de cinco números yankis que viene a continuar la serie que Wildstorm iniciara allá por los 90 y que supuestamente buscaba aunar el género del western con el del terror. La idea no está mal, por supuesto. Seguro que Whedon con esta premisa haría algo hasta decente. El problema es que Jeff Mariotte, el guionista, no es Whedon.
En aquella serie se nos presentaba a un grupo heterogéneo de outlaws, cada uno de ellos hábil con un arma (seguro que la premisa os suena de algo), enfrentados con el Mal, cogiera la forma que fuera. La serie, para qué nos vamos a engañar, no era gran cosa, plagada de tópicos sobre el género que trataba de actualizar de forma que pudiera ser del agrado del público actual susceptible de consumirla, léase público joven. Si los guiones resultaban poco coherentes ya lo único que quizás podía salvarse era su dibujo, en el que descubríamos a un desconocido John Cassaday, cuando todavía no se había convertido en artista hot y no se demoraba en la entrega de sus páginas.
Pero centrémonos en esta Banderas de oro. El principal problema que encontramos una vez finalizada su lectura es la sosería que desprende cada una de sus páginas. El cómic es tremendamente aburrido.
Lo peor es que, además, lo que nos cuentan en cinco comic books puede contarse, y mejor, en la mitad de números. En efecto, se suceden escenas que no sólo no aportan absolutamente nada a la historia sino que además resultan repetitivas en su contenido. Un error garrafal, casi diría que de guionista principiante que, desafortunadamente, no es el único.
La poca coherencia que se desprende del guión es evidente. El que sucedan cosas extrañas, presuntamente sobrenaturales si aceptamos la premisa básica con que se ha vendido esta serie, sin saber muy bien porqué no es, necesariamente un defecto de guión si al final se sabe encontrar una explicación convincente convenientemente incorporada al curso de los acontecimientos narrados. Pero no, aquí Mariotte se limita al fallido recurso de sacarse un as de la manga hacia el final del cómic, en este caso una tan poco creíble explicación de lo ocurrido que sorprende el que los protagonistas la acepten sin dudar un momento solo momento.
Por lo que respecta a los personajes, éstos resultan planos cuando no simples hombres y mujeres de paja que parece que sólo están en la viñeta para hacer que el dibujante haga su trabajo. Sumémosle el hecho de que, ya desde la escena inicial, se recurra una y otra vez a sucesos acaecidos en el pasado, de forma que un lector que haya empezado la lectura de la serie por esta novedad que, todo sea dicho de paso, creo que es lo único que de Desperadoes se puede conseguir actualmente, se encontrará con enormes dificultades para comprender lo que está pasando, por muy trivial que sea. Porque lo cierto es que nada de lo que los personajes hablan sobre el pasado tiene la más mínima importancia en el actual trascurso de acontecimientos en el que se verán envueltos. Pero claro, eso no lo sabes hasta el final, por lo que a medida que lees lo único que consigues es un lío de la hóstia que no hace más que desviar tu atención respecto a lo que de veras está pasando, al menos hasta que te das por vencido.
La relación entre los personajes es otro punto fallido, en tanto que artificial y tan poco coherente como el desarrollo de la acción.
Por otro lado, el ritmo de la historia es claramente erróneo. Pasan pocas cosas dignas de mención, y cuando suceden, que en nuestro caso es sólo al final, lo hacen de forma precipitada. Por lo demás, abundan los tiempos muertos en que no pasa absolutamente nada. Parece que Mariotte cree que esos momentos son ideales para el desarrollo de personajes y sí, tendría razón si supiera cómo hacerlo.
Respecto al dibujo, a primera vista puede parecer que casa con un estilo realista que generalmente se asocia con el western. Ayuda el que el dibujante posiblemente use referencias fotográficas para sus ilustraciones. Pero los fondos son prácticamente inexistentes y lo más grave es que las figuras, aunque realistas, resulten en exceso hieráticas, inmovilidad y rigidez que actúa negativamente en las escasas escenas de acción, que debieran constituir uno de los puntos fuertes de cualquier western que se precie.
En definitiva, una auténtica pérdida de tiempo. Hacedme caso, manteneos bien lejos de este cómic.

2-. Los spoilers

A continuación, un mini resumen de Banderas de oro, para que veáis que no me invento las cosas.
-Escena inicial: nuestros héroes en una cantina. Hablan, pero el lector no sabe de qué. Al parecer alguien a quien apreciaban ha muerto.Ni papa. Empieza una pelea por requerimientos del guión. Absurda. Mariotte cree que así se consigue enganchar al lector. Craso error. De repente, por el cielo estrellado averiguas que al prota le acaban de sacar por la puerta. La pelea, curiosa y abruptamente ha finalizado, y una recién llegada acaba de salir a escena. Le plantea a nuestro héroe una misión. Ella es una médium y necesita escolta para dejar la ciudad y emprender un viaje. Nuestro colega acepta, y el resto de la mente enjambre de sus amiguetes también. Incomprensible. Más teniendo en cuenta de que no se habla de dinero.
-Al final se va más gente del pueblo. ¿Por qué? Ni papa. Más trabajo para nuestros protagonistas, que se quejan un poco y nada más.
-Accidente con una carreta. Apasionante. Han de pasar la noche al raso, pero afortunadamente cerca hay una cabaña que les permitirá refugiarse de una inminente tormenta. Dentro del edificio hay un muerto. Muy muerto. La gente tiene un poco de reparo a pasar la noche allí. Será porque la médium no para de decir que es mala idea. Ave de mal agüero. La tía, entonces, decide averiguar el porqué de tanto mal rollo. Entra en trance y cuando empieza a supurar material ectoplasmáticco por cada uno de los agujeros de su cuerpo todos menos nuestro grupo de valientes outlaws sale por patas de la cabaña. Empieza a desaparecer gente. Empiezan a encontrarles mutilados y devorados. Qué bonito. ¿Por qué? No importa. Además, no pasa nada más en toda la noche.
-Varias escenas intercaladas donde un tipo, el presunto malote se dedica a rebanar cuellos a troche y moche. No viene a cuento de nada. Sólo hace lo que se supone que tiene que hacer. Unos tipos le contratan para acabar con el mega prota héroe. Cosas del pasado. Qué importa.
-Varias escenas de profundización en las motivaciones de los personajes. Básicamente se trata de una pareja formada por fuera de la ley negro y camarera mexicana. Se trata de repetirse una y otra vez que, pese a las dificultades que puedan encontrar, no se piensan separar uno del otro. Ah, el amor. Qué bonito. Por supuesto, todo es gratuito y no tiene ninguna relevancia para la trama.
-De tanto en tanto la hermana muerta del chico de antes habla por boca de la médium. Le sorprende y tal, pero enseguida uno se acostumbra. A mí me pasa todos los días.
-El mega prota héroe y la médium se declaran su amor. Así, de sopetón, sin preámbulo alguno. Tampoco pasa nada más. O eso parece. Vamos, lo que se dice un amor no carnal, el típico que se podía encontrar entre los forajidos de la época.
-Llegada a destino. La médium ya puede pillar un tren y separarse del grupo. El malo malote se sube al mismo tren y se pone a hablar con la mujer. Entonces los poderes de la médium se combinan con la maldad innata del malote, desatándose un auténtico infierno en el tren. La gente ve cómo les salen ampollas en la cara y luego acaban muriendo, o eso suponemos, porque no es que se vea gran cosa. Mientras, nuestro grupo de héroes, persiguiendo el tren empiezan a alucinar durante dos páginas. Eso sí, los efectos apenas les duran una viñeta. Al final nos enteramos que todo el tripi se debe a la anterior conexión entre la médium y el malo.
-El tren descarrilla. La médium les explica en dos viñetas el porqué de lo que acaba de acontecer. Menuda sarta de gilipolleces piensas llegados a este punto.
-El malo mata a quien le contrata. Lo normal cuando haces tratos con psicópatas.
-Nuestros héroes van a por el malo. Se dispara por primera y última vez en el cómic un revólver. Para fallar el objetivo, por supuesto, ya que siempre mola más ver al malote cómo le sepulta un vagón de carbón que vuelcan tres de los protagonistas. Ah, a la página siguiente el cómic finaliza.
-Fin: Nuestro mega prota héroe se despide de la médium. El chico negro les cuenta a sus compañeros que su hermana muerta le ha contado de qué iba la historia, o sea, que el malo malote había sido contratado por dos enemigos del pasado para acabar con sus vidas. Todo el mundo se queda tan pancho. Increíble.

3-. Publicidad engañosa y poco afortunada de Norma

Y cuando crees que no puede ser peor, te lees el artículo final que firma Víctor M. García, que, curiosamente cuenta con una página anexa de publicidad. Si el artículo habla de la influencia del western en los cómics, concretamente en los publicados por Norma Editorial, no es de extrañar que la publicidad de al lado lleve por título El viejo oeste ya no es tan viejo. Explora los nuevos westerns en Norma editorial.
El artículo de Víctor M. Garcías se centra en los nuevos enfoques que se han aplicado al género del western en un afán de innovación que, al tiempo, pueda entroncar con los gustos del público. Atención a la siguiente frase:
Obviamente el mejor ejemplo es el trabajo de Jeff Mariotte y John Cassaday en Desperadoe, que nos ofrecía una mezcla entre el género del western y el género del terror en su vertiente más supernatural (...)
A ver si lo entiendo. Vale que cada cual venda su culo como estime más oportuno, pero a mí si me pagaran por dar coba a una serie, al menos tendría la decencia de, ya puestos a mentir, decir que Desperadoes no fue el mejor ejemplo sino que fue un buen ejemplo de lo que estoy diciendo.
A continuación, Víctor M. Garcías nos habla de la maestría envidiable que Dorison y Rossi demuestran en otro western con elemento sobrenatural (y no supernatural, Víctor, que eso es inglés), curiosamente también publicado por Norma. Doblemente curioso, de hecho, pues pensaba que WEST, el título del cómic aludido, es un bodrio de cuidado.
Se acaba haciendo publicidad gratuita de varios cómics más de la casa editorial, cuya relación con el western me atrevería a sentar que es bastante tangencial, al tiempo que toda esta información se complementa a la perfección con las imágenes de esos y otros cómics que encontramos en la página de la izquierda.
Vale, me diréis que una editorial tiene que hacer lo posible para publicitar sus productos ante lo cual no puedo estar más de acuerdo, pero de ahí a engañar... Y, antes de que nadie se rebote ante el uso de semejante palabra, leed un extracto de lo que podemos encontrar en la contraportada de Desperadoes: Banderas de oro.
(...) Brood y sus amigos tendrán que luchar contra las inclemencias del tiempo [uauh], los apaches [no sale ni uno en todo el cómic], las fuerzas de la ley [no se da enfrentamiento alguno de este tipo en todo el cómic] y los espíritus de los muertos en el lejano oeste [¿luchan con la difunta hermana de uno de los protagonistas, que es la única muerta que aparece en el cómic?]
Como también me resulta publicidad engañosa (...) donde sólo les espera el más puro terror. ¿De qué terror están hablando? ¿Del presunto terror que motiva que este cómic sea publicado dentro de la colección Made in Hell? ¡Anda ya! ¡Que no nos vengan con cuentos! Y un poco de honestidad tampoco es mala, señores de Norma editorial. Si buscan en el diccionario sale en la H de Huevones.

Koma

Koma (Pierre Wazem, Frederik Peeters; Dibbuks): Drama de componente fantástico, Koma va de una niña, Addidas (nada que ver con la marca de calzado), que ayuda a su padre en su duro trabajo de deshollinador. La pobre niña, además de tener que lidiar con un progenitor deshecho desde la muerte de su esposa, que todavía no ha podido superar, se las tiene que ver con un problema que sólo la atañe a ella, la creciente frecuencia en sus pérdidas de consciencia cuyo causa los médicos se ven incapaces de determinar. Es precisamente durante esos momentos en que cae inconsciente cuando Addidas parece contactar con un submundo fantástico poblado de criaturas humanoides que trabajan en la oscuridad con extrañas máquinas. ¿Pero es efectivamente ficción o acaso quizás se trate de una parte ignota de la realidad?
Koma es una serie guionizada por Pierre Wazem, guionista y dibujante que, a pesar de contar con cierta fama en el país vecino aquí no ha visto nada publicado a excepción de este álbum que tenemos entre manos. Mejor suerte ha tenido Frederik Peeters, autor del conocido Píldoras azules y de la serie Lupus, de la que ya hemos visto publicados dos volúmenes por Astiberri. Por lo que respecta a esta serie, está prevista en siete tomos por sus autores, de los que ya han salido cuatro en Francia de la mano de Les Humanoides Associés.
Koma se lee muy bien, de principio a final, y cuenta con una envidiable capacidad para ganarse la simpatía del lector: Addidas es una niña encantadora, característica que le confiere Peeters con sus lápices y pinceles. Recordemos la maestría de este autor a la hora de transmitir sensaciones y dotar de expresividad a sus creaciones de papel.
El problema, que de hecho no tiene por qué serlo, es que este primer álbum es tan sólo una aproximación, una presentación de personajes. Y se lee rápido, pero lo bueno es que te deja con ganas de seguir leyendo.
Habrá que ver cómo continúa la historia en el próximo tomo para hacernos una mejor idea de dicha serie, pero de momento lo que sí puedo avanzar es que se trata de una historia extraña, con personajes emotivos, bien llevada y con un dibujo y una narrativa excelentes, como ya nos tiene acostumbrados Peeters.