La biblioteca de Turpín

La biblioteca de Turpín (Max; La Cúpula): Uno se acercó a Max cuando todavía era un tierno púber al que sus padres abandonaban en la biblioteca local de mi pueblo que, por extraño que pudiera sonar allá por mediados de los 80 ya contaba con un más que interesante fondo de cómic del que se hacía por aquel entonces. Y con siete u ocho añitos uno se leyó las historias de La Muerte Húmeda. O sea, heavy metal. Dicen que a esas edades los niños son muy receptivos, y mi caso lo corrobora, pues obsesionado con aquellas historias no fue hasta hace relativamente poco tiempo que no averigüé dónde estaban recopiladas. Porque desafortunadamente mi primer encontronazo con Max no creó hábito de leer al barcelonés... cosas de la edad, supongo.

Todo este rodeo para poner en situación al lector ante el cómic que tenemos entre manos, La biblioteca de Turpín. Porque no, este cómic no cayó en mis manos cuando fue publicado por primera vez en las páginas del suplemento semanal El pequeño País , a finales de aquella década. Una lástima, porque aunque cualquiera puede acercarse a sus páginas hubiera dado lo que fuera por que la lectura que de él hice ayer la hubiera realizado en aquel entonces, en el que uno contaba con 12 añitos (el animalico). Y es que La biblioteca de Turpín es un cómic idóneo para esas edades en el uno va descubriendo el mundo que le rodea.

Porque en el cómic, dos primos, Cris y Óscar se cuelan en casa de un pintoresco personaje, un inventor turco llamado Turpín, que les pide ayuda con un pequeño problema: resulta que había descubierto una tinta que le permitía entrar e interactuar en el universo de los libros, pero desafortunadamente había perdido su fórmula. Así que los dos niños se ofrecen a echarle una mano, para lo cual deberán entrar en varios libros de su biblioteca a la búsqueda del sombrero de Turpín en cuyo interior se esconde el papelito con la fórmula garabateada. Casi nah.

Así, los chicos irán saltando de libro en libro, descubriendo obras y autores de lo más variado. Pero no sólo de novela, desde los clásicos griegos a la novela policiaca victoriana, vive Turpín sino que en los estantes de su casa tienen lugar también obras sobre biología, geografía o arte y que suponen un original cambio de escenario para los dos protagonistas, ligado a una voluntad de experimentación por parte del autor.

Todo con un sano sentido del humor y un grafismo muy atractivo, simple pero tremendamente efectivo en el plano narrativo. La norma en la composición de la página es bastante clásica, muy de línea clara, pero a veces se permite la inclusión de recursos que se salen un poco de lo habitual, como el paseo que se dan Óscar y Cris por un atlas geográfico. Uno de los atractivos indiscutibles del tebeo es que entra mucho por los ojos, donde el color ocupa un papel muy importante junto a la geometrización de las formas, rasgos que contribuyen a constituir el estilo de este dibujante.

En definitiva, un gran tebeo, inteligente y divertido, especialmente dirigido a un público infantil y juvenil.

Hola de nuevo.

Según los historiadores, Espartaco (no el torero), dijo: "-Volveré! Y seremos millones!-" Bueno yo vuelvo y no somos millones, pero almenos intentaré ayudar en lo que pueda a que no sea solo Ator el que escriba y esto este más animadete (aunque sea solo por una temporada).
"-Bueno, estoy de vuelta-"

Hellboy: la isla

Hellboy: La isla (Mignola; Norma): Nueva mini firmada por Mignola, esta vez como autor completo, y que se enmarca dentro de la continuidad del personaje, retomando los acontecimientos que tuvieron lugar en el anterior El tercer deseo. Pero con una novedad destacada: la inclusión de información que apunta directamente al origen del protagonista, con lo que ya pueden darse más que satisfechos todos los fans de la serie por ver de dónde sale su cornudo favorito, o al menos esa manita que le cuelga. Origen que por cierto pinta interesante en tanto que presenta un trasfondo mitológico resultante de mezclar tradiciones diversas donde hasta tiene cabida elementos con reminiscencias lovecraftianas y que Mignola concreta plásticamente con unos resultados francamente destacables.

Porque para qué nos vamos a engañar, la principal baza de la serie es su aspecto visual, y este tomo no iba a ser una excepción. Y es que la historia que encontramos aquí se encuentra supeditada en sus inicios a los acontecimientos que ya hemos leído previamente, para luego añadir elementos superfluos pero que ayudan a definir esa atmósfera tan especial y acabar centrándose en el origen de la Mano del Destino que, como todo relato mitológico no podría estar falto de cierta confusión y falta de coherencia. Si me dicen que Mignola le ha dado ese matiz de forma consciente no me quedará otro remedio que admitir su maestría, pero sinceramente diría que la cosa le ha salido por casualidad. Uno, que es un malpensado. Por lo demás, más de lo mismo, un monstruo grandote y bofetadas, aunque no tantas como en otros tebeos suyos.

Lo más positivo es que parece que la serie empieza a ir hacia algún sitio ahora que Mignola le ha dado por retomar cabos que habían quedado sueltos aunque debo reconocer que, una vez sorprendido por la cuestión del origen, la lectura del tomo me ha aburrido un poco.

Ah, se incluye una historia final que reúne la quintaesencia de la historia corta autoconclusiva de Hellboy: bonita e intrascendente.

En resumidas cuentas, material obligado para todo fan de la serie que esté al día de la misma.

Corben is back: Bigfoot

Bigfoot (Steve Niles, Rob Zombie, RICHARD CORBEN; Norma): Sí, niños y niñas, las mayúsculas tienen su sentido, pero no en el que la mayoría de vosotros pensaréis. Pero no nos adelantemos.
El hombre es el único animal que tropieza dos veces en la misma piedra. Sabiduría es lo que se esconde tras esta sentencia. Y por piedra considérese lo que se quiera. En mi caso ese pedrolo es Steve Niles. Una y otra vez acabo estrellándome con los cómics de este tío. ¿Por qué? No tengo ni la más puñetera idea, más teniendo en cuenta que cada vez que acabo uno me entran ganas de sustituir el papel de batalla del baño por las páginas del tebeyo en cuestión. Este tío no hace cómics sino que incurre en delitos de lesa majestad. Pero uno, que es gilipollas y le gusta el género preferido de este perpetrador (uséase, el terror) no para de caer, no una sino las veces que hagan falta. En mi defensa, decir que al menos sus tebeos se leen rapidito, que si no ya haría tiempo que hubiera dejado de hacer el panoli.
Porque sí, una vez más el Niles, esta vez acompañado de un freaky de pro como es Rob Zombi, la ha vuelto a cagar. Sí, he dicho cagar porque más que realización de un cómic estamos ante un ejercicio de evacuación, ruidosa a más no poder.
Imaginad. Niño ve como sus padres son asesinados por una criatura de una maldad inusitada (que al final resulta que mala, lo que se dice mala no lo es tanto, pero eso ya es otra cosa y que no merece que os spoileemos miserablemente). Traumático, vamos. El chaval crece, marcado por las consecuencias de aquel desafortunado suceso y una vez llegado a la edad adulta asume el firme propósito de enfrentarse al demonio que arruinó su vida.
Hasta podría resultar interesante. Si nos ciñéramos a cómo os lo he contado y no de forma superficial e intercalándolo entre escenas varias de asesinatos regados con abundante casquería y que parecen tener el dudoso propósito de hacernos reir. Rob, macho, tu sombra es alargada de cojones. Porque así es como se desarrolla la premisa básica que os había presentado.
Llegados a este punto tenemos una cosa clara: la historia que nos cuentan, de principio a final (por cierto, vaya desenlace), no vale el hecho de haber sacrificado a cuantos árboles hayan hecho falta para que podamos leerla.
Pero entonces aparece CORBEN.
Oh-CORBEN.
Ahora es cuando los seguidores de esta autoridad comiquera se quitarán el sombrero, se bajarán las cremalleras de sus pantalones y, sacándose sus respectivos órganos acometerán el ejercicio masturbatorio.
Corben.
Me encanta la pasión que ejerce este hombre entre sus fans. Es tal que hasta cuando firma un tebeo como el que nos ocupa desencadena torrentes de elogios susceptibles de elevar este cómic a la categoría de entretenimiento. No discutiré la habilidad de este autor en obras pasadas, pero quien me diga que hace un gran trabajo en Bigfoot creo que debería hacérselo mirar.
Dos splash pages dobles. Una impactante pero de ejecución grotesca. Otra innecesaria y confusa. Confuso. Calificativo que podríamos aplicar a un buen número de viñetas, especialmente del principio del cómic. Confuso en tanto no sabes muy bien qué mierdas está pasando ante tus ojos. Sí, se están hostiando. Pero es eso un brazo que agarra de qué forma a...¿qué? O...ese perro ha sido aplastado contra una superficie...¿vertical, horizontal? ¿Porque era un perro, verdad? ¿El mismo de hace unas páginas, no? Porque a mí me parece más un engendro infernal que otra cosa...

Pero ojalá nos quedáramos ahí. El ahorro de lápiz es alarmante. Encontramos páginas en las que la norma son las masas de negro. Claro, que dibujando a un bigfoot... es como ponérselo a huevo. Bigfoot que, por cierto, me parece más un gori (¿se llamaban así, no?) de Fraguel Rock. Y claro, el efecto que produce es cómico en más de una escena. Y es que empezar un cómic matando a Bambi no puede augurar nada bueno.

Vale que el menda use enfoques originales (ma o meno) en algunas viñetas, pero la impresión que me da el trabajo de Corben en este cómic es el de mero trabajo secundario, hecho deprisa y pa sacarse unos dólares. Porque tío, es CORBEN, y eso vende. ¿Recuerdo mal o IDW lo publicó originalmente con más de una portada? Si me equivoco que alguien me corrija, por favor.

Pero el cómic, y más concretamente la edición de Norma tiene algo bueno. Leemos en la contraportada: Un cómic destinado a convertirse en un clásico del género. Clásico. Me encanta el palabro. Porque el fan de Corben ama esa palabra, hace que sus entrañas hiervan con pasión y nostalgia al mismo tiempo. Jugada maestra. Lástima que vaya entonces el Carles M. Miralles y nos regale un articulillo final centrado en la figura de CORBEN, en el que decide hacer gala de su gran cultura mentándonos a William Hope Hodgeson (así, en negrita), como autor de La casa en el confín de la tierra, relato adaptado por CORBEN. Sr. Miralles, un poquito de cuidadín al documentarse, especialmente cuando ha de mencionar a un autor famoso, que queda muy mal lo de escribir mal su nombre. O pongan un corrector al menos, que tampoco es muy caro.

En resumidas cuentas, un despropósito más, perpetrado a tres bandas y que desafortunadamente sospecho que no acabe convirtiéndose en el clásico que vaticinan algunos mirando por sus bolsillos.

Si queréis leer otra reseña más benévola, clickad aquí (Álvaro Pons; La Cárcel de Papel; buscad por bigfoot)

Ring Circus 3: Los amantes

Ring Circus 3: Los amantes (Chauvel, Pedrosa; Norma): No sé qué demonios tiene este comic. En serio. Pero sea lo que fuere me hace devorarlo nada más salir, lo cual teniendo en cuenta su dilatada publicación ya tiene su mérito.
Pero la principal incógnita es el porqué. ¿Por qué me gusta Ring Circus?
Reconozco públicamente que le eché el ojo sólo por su dibujo, de calidad más que evidente. ¡Y qué decir del color! Simplemente delicioso.
Pero todos estaremos de acuerdo que si hablamos de cómic europeo a menudo nos encontramos con tebeos que entran por los ojos y que después acaban decepcionándonos por el desarrollo y ejecución de los argumentos planteados. De éstos los hay patadas. Y lo mejor es que se les hace merecedores de galardones varios y reciben mil y un elogios por parte de críticos respetados. Eso es lo más irónico del asunto.
Pero Ring Circus es harina de otro costal. La historia es lo más simple que os podáis echar a la cara. Un par de amigotes deciden cortar por lo sano, abandonar sus vidas y embarcarse en un circo ambulante, donde encontrarán una forma de vida muy distinta a la que hasta entonces habían seguido, todo ello ambientado a finales del siglo XIX (má o meno).
Yaxtá. Ahí tenéis la premisa básica. Respecto al desarrollo de la trama, podríamos decir con propiedad que la cimentan los protagonistas en su relación con los integrantes del circo. Ahí está el principal atractivo del cómic desde mi punto de vista, junto a la evolución de esos dos amigos, como uña y carne al principio de la saga que empezó en Los pringados y ahora mismo casi dos desconocidos para tristeza del lector. Porque los personajes de Ring Circus son reales como la vida misma, por mucho que Pedrosa guste de caricaturizarlos con su dibujo. Y quien dice reales también dice cercanos, uno de los puntazos del cómic. Cuando estos chicos se enamoran el lector acaba sufriendo ante el rechazo, para a continuación esbozar una sonrisa cuando el amor resulta correspondido. ¿Y qué decir de la troupe circense? Se huye del estereotipo en favor de la profundidad humana del personaje retratado, como es el caso de Blanche la amazona, personaje cuya tragedia personal se gana la comprensión del lector y ante la que uno no podría reprimir más de un suspiro.
Que luego haya una trama de fondo casi resulta secundario. ¿Que tal personaje esconde algo? ¿Que exista cierto componente sobrenatural? ¿O sería mejor decir mágico? (después de todo estamos ante el mayor espectáculo del mundo) Casi diría que todo eso son consideraciones secundarias aunque necesarias para aportar al conjunto esa atmósfera mágica a la que ya hemos hecho alusión, y que por encima del hecho de centrarse en la cotidianeidad de la gente que compone un circo itinerante también bebe de una ambientación victoriana contemplada a través de un cristal de feria que le da un tono fantástico.

Otro de los aciertos del tebeo es el cambio de tono que se ha podido observar después de tres álbumes y a la espera del cuarto que, cierra la serie. Desde el tono jocoso del primer álbum a éste que tenemos entre manos y donde se observa un matiz desencantado, casi un preludio de lo que bien podría ser un desenlace trágico todavía por acontecer (suposición personal y que confío no suceda), los personajes han evolucionado significativamente.

Por lo demás, día a día del periplo de esta comitiva que en el cuarto volumen alcanzará Ruskovia, y poco más. Pero hasta ésto está bien. ¿Que en un paso de montaña uno de los carromatos se precipita al vacío con la bestia enjaulada y su caballo de tiro? Pues la aparentemente anecdótica escena está contada de forma que el lector acaba compadeciéndose de los pobres animales.

¿Y del dibujo qué puede contarse? Que Cyril Pedrosa proviene del ámbito de la animación (trabajó para Disney en Hércules y El Jorobado de Notre Dame), lo cual se nota tanto en su trazo como en el color. Vamos, una pasada.

Que sí, que ahí queda. Que mola mucho.

Se acabaron las vacaciones...

...motivo por el cual volvemos por estos foros.

Sí, ya sé que puede sonar paradógico que teniendo más tiempo libre no postee más. Yo tampoco lo comprendo, ¡qué os voy a decir!

Así que no. No hemos cerrado por problema alguno, ni por falta de visitas, ni por haber sido escasamente votados en la convocatoria de los últimos premios de La Cárcel de Papel, hecho que según quién parece tomarse muy a pecho por lo que puede leerse últimamente en la blogosfera comiquera, ni por chuminadas varias de esas de las que nos gusta reirnos en la cara.

Seguimos gritando al viento, y con fuerzas renovadas.

V de Vendetta en El Mundo

El martes pasado, día 14 de febrero, El Mundo le dedicó una amplia noticia a la proyección de V de Vendetta en la Berlinale.
La reseña que podía leerse en caracteres descatados por encima del titular era la siguiente:
Festival de Berlín / El debutante James Mc Teigue viste con talento cinematográfico la angustia política creada por el dibujante Alan Moore (...).
Imaginad que con semejante introducción uno no podía más que relamerse a la espera de lo que podría leer a continuación. Pero no, no fue así. Carlos Boyero, responsable del primer artículo dedicado al film obviaba detenerse en el cómic, limitándose a mencionar que tan sólo adaptaba un cómic del perturbador Alan Moore, y se centraba en la impresión que le había causado su planteamiento y ejecución. Al respecto las siguientes líneas:
(...) resulta imposible negar el virtuosismo de su narración, la modélica combinación de épica y lírica que posee esta fábula, la inteligencia con la que están construídos los diálogos y los personajes, su poderío visual, su fascinación.
Es una película que se hace muy corta, abarrotada de talento. Y , evidentemente, me hacen pensar durante un rato si lo que nos plantean sólo tiene vocación de ficción, si en nombre de la salvación de Occidente los pobiernos pueden degenerar en ese Gran Hermano que nos vigila y nos tritura, si la frontera entre democracia y fascismopuede llegar con el tiempo a ser inexistente.
Ahí es nada.
Silvia Román, a continuación, se detiene en la polémica creada por la película por vagones de metro con explosivos y edificios simbólicos de la capital británica que vuelan por los aires, similitudes con penosos hechos acecidos recientemente y que el director, Mc Teigue se apresura a desmentir aunque con la boca pequeña después de las siguientes palabras: Por supuesto que estoy deseando que cree controversia. Todos los del equipo esperamos que produzca discusión. Ese es su objetivo (...).
A todo ello incluir el siguiente enlace al blog Casiopea, en el que Guillermo Zapata analiza otra noticia aparecida en El Mundo, esta vez en su página digital y que dista de lo que había leído en papel.

Lean, comparen y extraigan sus propias conclusiones.

No, si al final resultará que habrá que ir a ver la peli cuando la estrenen aquí el 31 de marzo.

Totoros Mallorca: reunión puertas abiertas

Nos informa la asociación Totoros Mallorca de lo siguiente: El día 18 de febrero, a las 18:00h en la sala de prensa de la Misericordia (vía Roma 4), se llevará a cabo una reunión abierta a todo el público interesado, con la finalidad de colaborar en común entre todos, comentándose varios temas referentes a la mecánica y al estado actual de la asociación. Lo que se tratará es de hablar entre todos sobre sugerencias, ideas, el inicio de una lista de socios y el planning de actividades de los siguientes meses, etc...

Para aquellos que desconozcan el emplazamiento exacto de la sala, se dará una concentración previa en los jardines del edificio, a las 17:45.

Más Risas con Planeta

Observad este fragmento extraído de la sección de Consultas de la página web de Planeta.

Kamikaze kaito jeanne

Fecha: 27/01/2006

Nombre: Eva

Consulta: Llevais más de un año diciendo que lo estais estudiando, despúes de todo este tiempo. 1.¿Habeis decidido ya reeditar el número 13 o directamente no lo vais a hacer?

Respuesta: Está ya en marcha la reedición.

2.¿Vais a contestar de nuevo con Ver respuestas anteriores? Porque después de un año podiais decir algo más.

Respuesta: Ver respuestas anteriores.

3.¿O directamente no publicareis mis preguntas como otras tantas veces?

Respuesta: Lo estamos considerando.

¡Festival del Humor!

Omar el navegante 1: Jinn-el-Rais

-Omar el navegante 1: Jinn-el-Rais (Pedro Rodríguez, Ariadna editorial): Tebeo de aventuras ambientado en el Mediterráneo del siglo XVII y que tiene por protagonistas a un marino cretense, Omar, y a Djinn-el-Rais, un feroz pirata que antaño había sido compañero de infancia del primero hasta verse separados a raiz de una razzia berberisca efectuada sobre las costas de su isla natal. Entre ambos, un casco rescatado de un naufragio y que esconde un mapa que detalla la fórmula mágica necesaria para llegar a San Borondón, la mítica isla flotante oculta detrás de un manto de niebla y que guarda la anhelada fuente de la eterna juventud.
La temática del cómic, aunque enmarcado dentro del género de aventuras, gira en torno a la amistad, el sentido de lo maravilloso ligado a la infancia, y a cómo puede la vida cambiar a las personas.
La acción del cómic sigue un desarrollo cronológico, iniciándose en la infancia de los protagonistas y de cómo encontraron el mapa que marcaría posteriormente sus andanzas, para luego saltar a su madurez. Y es que el tiempo posee un papel destacado en el desarrollo de la trama, abundando los saltos temporales y las elipsis, quizás uno de los rasgos menos afortunados del cómic en tanto que puede llegar a confundir al lector y le priva de escenas que parece que íbamos, en la medida que el autor parece preparar su escenificación, cuando en realidad no acaban por acontecer. Vale que quizás esas escenas no aportarían nada a la trama, pero la decepción, al menos en mi caso, es un hecho. Por otro lado, el ritmo de la historia es desigual: empieza muy bien para luego descender en la parte de la historia que alude a la búsqueda del amigo perdido y su relación con el mapa, para finalmente aumentar de nuevo en el desenlace de la historia. Desenlace que todo sea dicho de paso deja buen sabor de boca y supone no sólo la síntesis de los principales temas tratados sino que se conecta con el comienzo de la historia, reportando una evidente sensación de unidad.
La narración es correcta y los dibujos expresivos. El color, sobrio, casa con el ambiente mediterráneo retratado.

Finalmente destacar la cuidadosa edición a cargo de Ariadna editorial, que junto a la fantástica portada de Pedro Rodríguez confieren al cómic un aspecto atractivo.

Crítica Dreamers

Crítica Álvaro Pons

Y los lectores de La Cárcel de Papel han elegido...

...clicka aquí encima y sabrás el resultado de la última convocatoria de los Premios de dicha página, de la que ya os informábamos hace unos días. Enhorabuena a los premiados.
Y por la parte que nos toca a nosotros...¿a quién de entre vosotr@s tengo que invitarle a una birrita? Venga-venga! Que levante la mano la única persona que con su voto ha creído en este blog!
Ah, y que si no te van las birritas...¡a lo que sea, eh?

Yo también soy un chico del siglo XX

And it's plain to see you were meant for me, yeah

I'm your toy, your twentieth century boy

He esperado 13 números para escribir sobre el que, para mí, es EL cómic del año pasado, pero creo que ya es hora.

20th Century Boys es un thriller lleno de clichés, como he leido por ahí, pero ojalá cualquier historia que los utilizara fuera tan interesante, divertida e intrigante como la que nos ocupa. Yo no leí Monster en su día (reconozco que me llamó la atención, pero no lo compré... lo estoy haciendo ahora, pero eso igual será otro post), pero sí escuché y leí como muchos alababan ese manga de Urasawa. Como ya hacía tiempo que había empezado no empecé la colección, pero al empezar la publicación de la serie que nos ocupa dudé más bien poco, y, respecto a cómics, ha sido una de las decisiones mejor tomadas de mi vida.

Advierto: a partir de aquí voy a soltar spoilers a mansalva. Si no habéis leido algún número os ordeno que os saltéis el resumen. NADIE debería saber nada de este cómic hasta que lo haya leido.

La historia, al menos en un principio, se centra en Kenji, un treintaañero que pasa los últimos años del siglo XX llevando la tienda familiar con su madre y cuidando de Kanna, la hija de su hermana desaparecida. Su vida transcurre en el mayor aburrimiento hasta que en su ciudad empiezan a suceder una serie de extraños sucesos -crímenes y desapariciones- con un denominador común: un símbolo extrañamente familiar.

Al poco tiempo, hablando con sus antiguos compañeros de clase (cada uno de los cuales ha seguido un camino diferente y de lo más variopinto) recuerda que era un símbolo creado por ellos cuando eran pequeños como símbolo de su peculiar "club de salvadores de la humanidad", un grupito de niños con mucha imaginación que escribían en un cuaderno una serie de hipotéticas futuras catástrofes a las cuales sólo ellos hallarían la solución (gracias a soluciones infantiles como robots gigantes) y se erigirían en auténticos salvadores de la humanidad. Pues bien, pese a las reticencias de la mayoría, se unen y descubren que alguien, a quien todo el mundo llama simplemente Amigo, ha usurpado su símbolo de la infancia y, con un grupo cada vez mayor de seguidores que le adoran cual líder sectario, se ha tomado el "Libro de las Profecías" (el cuaderno de Kenji y sus amigos) como algo real y ha decidido provocar él mismo todos los desastres que aquellos niños imaginaron... para convertirse después él mismo en el único salvador de la humanidad. Como era de esperar, Kenji y sus amigos se unen para acabar con el cada vez más poderoso (políticamente hablando) Amigo y sus seguidores.

Esta rebelión tiene su punto culminante en la Nochevieja Sangrienta, la nochevieja del 2000, en la que Kenji y sus amigos se las ven con un auténtico robot gigante (o la versión realista de uno) que va expandiendo un virus. Todo muy interesante, sí... ¡pero es que sólo he contado los primeros tomos!

Y es que, cuando la Nochevieja Sangrienta llega a su punto culminante... pasan 15 años y el mundo ha cambiado totalmente. Amigo y los suyos gobiernan ahora Japón, y además tienen gran influencia en todo el mundo puesto que fueron ellos quienes detuvieron el ataque bacteriológico que intentaba propagar el grupo terrorista conocido como la brigada de Kenji...

Primer gran giro argumental.

Ahora lo interesante está en ver qué ha sido de los miembros supervivientes de la "brigada" y, sobre todo, qué tiene de especial Kanna, la sobrina de Kenji que ya está crecidita. Por supuesto, hay muchas más subtramas, muchos más personajes, incluso se descubre quien es Amigo, y, cuando parece que va a terminar... ¡continúa!

No, no contaré más detalles.

¿Que qué tiene de especial? Pues más bien todo: tramas interesantes que van a más en lugar de ir a menos, personajes para todos los gustos con los que te encariñas rápidamente y a los que vas conociendo poco a poco, humor, drama, emotividad, giros argumentales... incluso banda sonora, porque ¿a quién no le ha parecido oír los acordes de T-Rex cuando Kenji toca la guitarra con la escoba de niño?

Sí, es cierto que usa y abusa del tópico de que hasta los personajes secundarios y terciarios están relacionados por algún elemento común, pero hay que ver cómo lo hace el señor Urasawa. También es cierto que está contado todo de forma muy pausada, pero no lo querría de otra forma.

¿No lo estáis leyendo? Pues hay dos opciones: o no habéis oído hablar de él o es que no sois chicos del siglo XX...

Concurso dibujo Harry Potter

Nos informan desde la librería Born de Llibres (C/ Sta. Catalina de Sena 6, Els Geranis, Palma de Mallorca) del Concurso de Dibujos sobre Harry Potter que acaba de convocar.

Las bases son simples: cualquiera puede participar, sin importar límite alguno de edad, habiéndose sólo fijado la fecha límite de recepción de originales, el día 22 de febrero.

Los dibujos se expondrán en la librería a partir del día siguiente, y como premio os podréis hacer, como no podría ser de otra forma, con un ejemplar de Harry Potter y el misterio del Príncipe.

Ese día, el 23 de febrero, se pone a la venta a las 18:30 dicho libro, el sexto de la saga, hora en la que, por cierto, también dará comienzo una Fiesta de Disfraces en la librería.

Ah, por ahí me soplan que el disfraz de Snape ya está pillao. Luego no me vengáis con que os han copiao.

Emperador Océano

Emperador Océano 1 y 2 (Baranko; Norma): Primera y segunda parte de una trilogía de ciencia-ficción de sugerente trasfondo y ambientación.
La acción se desarrolla en el complejo entramado de ex-repúblicas soviéticas, reconvertidas ahora en piezas del puzzle que conforma la nueva dictadura rusa, en manos de un ex-escritor de ciencia-ficción que ansía la inmortalidad que puede reportarle la invocación del espíritu de Gengis Khan, señor de la Horda de Oro. Ante él, un derviche checheno, el último de los suyos con vida tras el bombardeo atómico de que fue objeto su pueblo por parte del imperio, e iluminado después de conocer la verdad escondida tras el concepto teológico de la Ichkeria Celeste (sí, para fliparlo), revelación que dicho sea de paso no sólo le privó de todo apego hacia la vida sino que a partir de entonces la muerte sería su único ideal. Pero la cosa no queda ahí, no, sino que por en medio tenemos a una monje, la encarnación ni más ni menos de la princesa que acabó con la vida del gran khan, y cuyo papel en la trama general todavía se encuentra sumido en las sombras.
¿Lo habéis pillado? ¿No? Pues todavía ni os había hablado de los OVNIS. Rollo Jiménez del Oso. Tope años 80. En serio. Por no hablar del clon de Newton. Vale, no os lío más.
Leer el Emperador Océano es un auténtico viaje, hablando en términos de Fear and Loathing in Las Vegas, algo de lo que por cierto también encontramos algo en la trama. Pero no tanto como para no enterarte de qué va todo. Es más, la historia se sigue perfectamente, y el ritmo aunque muy pausado en el primer volumen va in crescendo hasta lo que parece que va a ser un tercer tomo apoteósico. Veremos.

Sin embargo los principales aciertos a mi modo de ver las cosas es por un lado la ambientación, conseguida y documentada, donde se puede rastrear la procedencia ucraniana del autor. Por otro lado, la mezcla tan heterogénea de elementos que confiere una especial originalidad al conjunto. Quizás me recordaría, por hacer alguna comparación, a algo de lo que han podido hacer Jodorowsky o Moebius, pero lo cierto es que de Emperador Océano sólo hay uno. Y menudo es el cabrón...

En el aspecto gráfico Baranko nos ofrece páginas planificadas de forma que invitan a la lectura, con pocas viñetas en cada una de ellas y de buen tamaño, donde el peso recae en los personajes retratados, sin descuidar los fondos cuando resultan necesarios para la narración. Por lo que respecta a la figura humana, destacar el expresionismo facial cercano a la caricatura. El color, sobrio, sin estridencias, parece corresponderse con el marco de esa Rusia desestructurada que sirve de telón de fondo a la acción.

En definitiva, un lectura original, divertida por momentos y, sobre todo, extraña.

Aeon Flux, el cómic

Aeon Flux (Mike Kennedy y Timothy Green II; Norma): Juguemos a las suposiciones. Imaginad que nunca en vuestra vida habéis visto un episodio de Aeon Flux, la serie de animación de ci-fi que adquirió cierta popularidad en la Mtv. Imaginad que tampoco habéis visto lo buena que está Charlize Theron en la peli de homónimo título estrenada recientemente. Acabad por imaginar que os hacéis con este cómic. ¿Que por qué? Pues porque os ha molao la portada. O porque la prota es una tía buena. O porque la ciencia-ficción os gusta. Lo-que-sea.

Bien, ahora lo leéis.

Sucesión de peleítas mal narradas. Personajes rollo yo-soy-lo-mejor-en-lo-que-hago (lo siento Logan, hace tiempo que caíste del pedestal) y aunque seamos tías eso no significa que no podamos tener aceptables niveles de testosterona. Algo de trama política, o eso parece. Umm... ¿por qué le dedican tan poca importancia? ¿Por qué me parece que algunos de los personajes presuntamente importantes en su calidad de antagonistas están meramente abocetados? ¿Por qué no hacen nada realmente interesante? ¿Por qué las escenas que teóricamente tendrían que llegarme me parecen sosas? Soso. Buen calificativo para el cómic en su totalidad. Y ya puestos... ¿por qué me empieza a importar una mierda lo que le pase a la pareja protagonista? Jo tío, qué chungo. ¿Y ese rollo matrix? ¿Y ese argumento, original donde los haya, de sociedad presuntamente utópica donde el totalitarismo imperante obliga a la acción a un grupo rebelde? ¿Y quién coño es esta tía que aparece como en un universo psicotrópico? ¡Ésto lo he visto ya en Vertigo! ¿Por qué me da la sensación de que se me escapa algo?

Y sobre todo, después de leértelo... ¡¿Por qué me he olvidado ya de este cómic que me leí hace menos de 24 horas?!

Confuso, aburrido, soso. Todo éso es Aeon Flux, el cómic.

Así no es de extrañar que en la página de Norma te pongan fotogramas de la peli y te incluyan el historial cinematográfico de la Theron (a santo de qué ya es otro cantar), habiéndoseles sólo olvidado el hecho de incluir una advertencia a modo de prospecto médico: Para apreciar en su totalidad, visionar previamente la película. En los mejores cines.

Lenore

-Crítica para gente estresada:

Vomitivo

-Crítica para gente con 5 minutos:

Leer un cómic como el que tenemos entre manos me lleva a la reflexión. ¿Qué hace que algo se convierta en una moda? Y es que la publicación de Lenore por estos lares ha sido precedida por un fenómeno de merchandising de importación, no tan importante como el centrado en Emily, sí, pero lo cierto es que la disponibilidad de prendas de vestir y otros complementos de este personaje a través del catálogo americano ha servido para generar espectación sobre dicha serie. Y yo me pregunto...¿qué hace que algo adquiera una importancia tal que halle su reflejo en todo ese stuff? Algo debe tener el producto para que se convierta en atractivo para una porción significativa de clientes potenciales, digo yo.
Leo Lenore. Historias cortas, destacando sobre ellas la anécdota-chiste que apenas ocupa una página, centradas en las andanzas de una niña muerta que precisamente se dedica a lo que sería de esperar en alguien en su estado (es un suponer, no conozco a mucha gente muerta), léase torturar y asesinar animalitos indefensos, dejar morir a bebés puestos a su cargo por inconscientes padres y hacerle la vida imposible y la muerte lo más fácil posible a cualquiera que se cruce en su camino y que no se acomode a su forma de ser. Lo que se dice una niña adorable.
Es imposible evitar la comparación con la imaginería de Tim Burton y su Chico Ostra, y aún más atrás con las obras de Edward St. John Gorey (sus Amphigorey que podemos encontrar publicados en Valdemar). Es más, es precisamente esta comparación quien resta originalidad al planteamiento propuesto por Roman Dirge, creador de Leonore quien reconoce haber dado forma a su idea ante la necesidad de rellenar unas páginas en blanco de un fanzine y tras haber contemplado,bajo los efectos del alcohol (inestimable ayuda para el artista!), unos garabatos que dibujara su sobrina de tres años. Y es que en Amphigorey encontramos la esencia de lo que Dirge nos presenta en su Leonore, macabras escenas protagonizadas por tiernos niños que a menudo se precipitan a muertes horrorosas, resaltando un humor negro que llega incluso a cuotas enfermizas; en definitiva, la esencia de lo que Dirge hace a su manera. Vale, de acuerdo que no cabe comparar obras tan diferentes pero lo cierto es que un espíritu muy similar guía a ambos autores, en medios diferentes y con un salto generacional importante, comparación ante la cual, como ya avanzábamos un poco más arriba, Dirge sale perdiendo.
Pero por encima de todo ello, Lenore supone mirar a ese lado oscuro que todos poseemos. Porque para qué nos vamos a engañar, reirse de según qué, por muy lícito que pudiera parecerle a cualquier Monty Phyton, no deja de provocar remordimientos a algunos de nosotros: ¿cómo me puedo estar riendo de ésto? En mi caso, que no simpatizo con esta versión retorcida de humor negro, me sucedió en un par (contadas) de ocasiones mientras leía este Lenore. Horrorizado, vamos.

Pero por encima del humor ocasional que puede provocar el cómic, el problema es que quizás no busca nada más. No existe nada debajo, salvo acaso quizás una voluntad de afirmar la individualidad de la protagonista, dentro de su anormalidad, en el contexto en que se desenvuelve. Sin embargo y en mi opinión todo se queda en mero intento, infructuoso en tanto se contenta tan sólo con arañar la superficie de un sistema. O quizás el problema está en mí, empeñado en encontrar lo racional, lo crítico, dentro del más absoluto de los absurdos.
En fin, saltando al aspecto gráfico Lenore nos presenta un dibujo infantil, en blanco y negro, funcional, con similitudes más que evidentes con el estilo e iconografía ya mencionados de Burton en La melancólica muerte de chico ostra, sólo que más basto, carente del encanto (si encontráis que puede usarse esta palabra) de este último. Una perversión de una perversión.

Y ante tal panorama me remito a la reflexión inicial. ¿Qué hace que un producto tan mediocre adquiera esa popularidad? Caso similar, como ya decíamos un poco más arriba, al ofrecido por Emily, ya tratado en esta página, cuyos dos libritos publicados en castellano hasta la fecha son dignos de entrar en la sección de Autoayuda de cualquier librería.

No sé, quizás al final resulte que lo más interesante de este Lenore sea la gente que disfrute con su lectura, más que el propio cómic en sí. Seguro.

Homunculus 2

Homunculus 2 (Hideo Yamamoto, Ponent): Antes de nada, podéis encontrar una reseña de la primera entrega de este manga, que reseñamos hace ya un tiempo, clickando aquí.

Nuestro protagonista, Susumu, decide ahondar un poco más en sus visiones surrealistas y comprobar si realmente se ha vuelto loco o si, por el contrario, detrás de ellas se esconde una explicación racional que le devuelva la tranquilidad. Para ello no se le ocurre otra cosa que buscar al jefe yakuza con el que tuvo un desafortunado encontronazo en el primer número.
Y poco más os puedo contar. Primero porque la cosa no es spoilearos el cómic y segundo porque realmente apenas pasa algo más de consideración. Y casi diría que ni falta que hace ya que, una vez finalizado el tebeo me dí cuenta que había conseguido emocionarme, algo difícil de conseguir hoy en día.
Yamamoto nos desvela un pequeño asunto sobre el pasado de Susumu, no de forma gratuíta, ni mucho menos, ya que lo enlaza con la infancia del jefe yakuza, y es precisamente esta pequeña revelación y cómo nos la cuenta los dos elementos que confieren una carga dramática considerable a la trama desarrollada en este volumen. Y lo bueno es que Yamamoto no necesita ni tan siquiera texto para transmitirnos ese dramatismo que culmina en la parte final del tomo, demostrándonos así su valía como dibujante y narrador.
Y encima sigues quedándote con ganas de más. Porque claro, todavía no sabemos a qué se refiere el título del manga, algo que nos prometen desvelar en la siguiente entrega.

Quizás puestos a encontrar algo que censurar deberíamos mencionar el hecho de que en ocasiones la acción se dilata demasiado. Al respecto, gran parte de ese encuentro entre Susumu y el capo mafioso obedece a ese principio, llegando a resultar hilarante. Que ése fuera el objetivo de Yamamoto antes de entrar en materia, puede ser, pero lo cierto es que el cómic adolece de un ritmo pausado que no necesariamente tiene porqué ser negativo.

En definitiva, una lectura que engancha y que se desmarca un poco de lo habitual respecto a lo que estamos acostumbrados a ver publicado en este país y dentro del manga.

Dark Water

-Dark water (Suzuki y Meimu; Ivrea): Menos mal que los chicos de Ivrea nos aclaran que este manga inaugura su nueva colección de terror, porque el resultado de esta serie de historias de Meimu adaptando relatos del que parece ser el escritor japonés más famoso dentro de este género en la actualidad (o al menos así nos lo venden en la editorial), Koji Suzuki, deja bastante que desear.
Y es que si uno pretende encontrar historias de esas capaces de absorberte en su lectura, de desasosegarte e impedirte conciliar el sueño mucho me temo que no va a encontrarlas aquí.
El manga nos presenta cuatro relatos que tienen en común un lugar, la bahía de Tokio y sus aguas, capaces de esconder tenebrosos secretos y con los que puede establecerse alguna ocasional analogía con la oscuridad que guarda el hombre en su interior.
Interesante punto de partida del novelista Suzuki y que posiblemente obtenga mejores resultados en su formato literario original que en su adaptación al manga por Meimu, carente de fuerza o capacidad de asombrar al lector. Es más, se acaba encontrando al tebeo aburrido por momentos, lo cual supone uno de los rasgos más imperdonables en un cómic encuadrado supuestamente en el género de terror.
Si a eso sumamos una narrativa no todo lo acerdada que sería de desear y un dibujo poco afortunado en expresiones faciales, donde llegamos incluso a encontrar desproporciones corporales y que casa a la perfección con el tono aburrido general del cómic, la impresión resultante es clara: decepcionante.

Gwen precedió a Dana Scully

Leo lo siguiente en el Diario de Mallorca, en una noticia relativa a la tercera peli de Spiderman:

(...) Como saben los seguidores del cómic, Gwen fue el primer amor del Hombre Araña, pero en el cuaderno 121 es abducida por el Duende Verde y muere al caer de un puente (...)

A eso le llamo yo un buen traductor conocedor del cómic.

Runaways, Invencible: Auténticos Desconocidos

-Runaways 1-9 (Brian K.Vaughan, Adrian Alphona; Panini): Acabado el primer volumen USA de esta colección, uno acaba con un buen regusto en la boca y no es para menos, ya que el cómic nos ha ido ofreciendo mes a mes una sorpresa detrás de la otra que hacía que permaneciéramos enganchados a la serie. Una serie fresca, protagonizada por adolescentes que descubren no sólo que sus vidas hasta el momento han sido un simple engaño urdido por unos padres que en realidad resultan ser villanos con ínfulas de grandeza, sino que también ellos son poseedores de poderes que ocasionalmente les identifican como metahumanos y con los que deberán familiarizarse si quieren seguir con vida ante la implacable persecución a la que serán sometidos por sus progenitores. Y por otro lado, como cualquier buena serie de adolescentes, es lógico que las relaciones entre los componentes del grupo sean las correspondientes a cualquier chico y chica de sus edades, lo que confiere una buena dosis de diversión que sabe alternarse con el inevitable drama de su situación.
Que quizás no estaba a la altura de las excelsas críticas que precedieron a su edición por Panini... puede, en efecto, pero eso no significa que no podamos constatar sus virtudes, que son muchas. Y es que pocas veces me lo he pasado tan bien leyendo un cómic de superhéroes.Porque todo lo que se puede esperar de un cómic de este género lo encontraréis en Runaways. ¿Son superhéroes, no? Pues no les pidáis nada más. Y nada menos.
-Invencible: Auténticos desconocidos (Robert Kirkman, Ryan Ottley; Aleta): Parece que hoy toca rollo monotemático-superheroico. Lo siento.
Cuando me leí el anterior material publicado por Aleta y correspondiente al inicio de la colección americana me dio la impresión que no estábamos ante un cómic de superhéroes más. Aquello era como leerse a una especie de Peter Parker que no sólo descubría que con la pubertad acababa adquiriendo superpoderes sino que siempre había sabido que su padre era una especie de Superman. Y lo mejorcito del asunto es que aquello lo escribía un tío que hacía que te rieras con el resultado. Kirkman me parecía un friki de pro, uno de esos que se han mamado un montón de cómics y de repente se descubren como esponjas capaces de sintetizar todo ese bagaje y materializarlo en una serie que casi diría que podía darle la mano a la Buffy de Whedon. Y joder, era divertido, sí. Ahora que también reconozco que los primeros números, concretamente los primeros cuatro prestigios publicados por Aleta, me parecieron una sucesión de historias donde lo mejor residía en los chistes y en lo divertido que podías encontrar que te presentaran el tema superheroico mezclado con la más absoluta cotidianeidad de una familia media americana.
Pero uno va y se lee este tomo, Auténticos Desconocidos. Y todo cambia. Un giro argumental que si bien no te coje completamente desprevenido sí que te golpea como un martillo. El tono humorístico, aún presente en el comienzo del tomo, se desvanece de un soplo para plantearnos una situación trágica a todas luces. Una de esas cosas que cambia radicalmente la vida del protagonista y de todos los que le rodean. Nuestro protagonista ya no volverá a ser nunca el mismo. Nadie lo sería en su pellejo.
Y ahora tengo más ganas que nunca de ver más cosas publicadas de esta serie, posiblemente una de las más interesantes dentro de este manido género dentro de nuestro panorama comiquero.
Además, ese tono fresco que desprende la serie se refleja en su dibujo, de un trazo delicado pero elegante, y dotado de cierto matiz caricaturesco en ocasiones.
En definitiva, si siempre has dicho que te gustan los superhéroes...¿qué haces que todavía no te estás leyendo esta serie?