El Gran Libro de Vishanti

FÁBULAS: UNA FANTASIA HECHA REALIDAD

2011-05-20T19:00:00.000+02:00

"Los nombres y las historias tienen poder"

Cuando era pequeño siempre me gustaron los cuentos que me leían y sus historias fantásticas donde todo era posible. Cuando fuí creciendo poco a poco amplié mis horizontes: libros, novelas, cómics, películas, música, ciencia ficción, fantasía... pero siempre buscando la historia como eje principal que ha de cimentar el relato.

Fábulas nació en 2002, en la línea Vertigo, de la mente de Bill Willingham y nos cuenta la vida de las Fábulas (personajes de cuentos de hadas y populares) que están exiliados en nuestro mundo a causa de El Adversario que ha conquistado las Tierras Natales de las Fábulas. Es la historia de personajes como Blancanieves, el Lobo Feroz, el Príncipe Azul.... y como viven en nuestro mundo, los problemas que tienen, los planes para volver a casa.

Es una lectura enriquecedora y amena que nunca decae en su ritmo ni en su calidad gracias a unas historias bien estructuradas, pero sobretodo unos personajes perfectamente caracterízados con unas tramas excelentes e inesperadas.

La primera vez que leí Fábulas me absorbió completamente: una sabia mezcla de los personajes de los cuentos populares pero en nuestro mundo real y donde cualquier cosa puede pasar. Fábulas es la libertad absoluta para contar historias y aprender de donde vienen los cuentos que nos leían de pequeños, pero sobretodo poder investigar la tradición oral y escrita que los vieron nacer.

No se puede olvidar la excelente labor gráfica del dibujante Mark Buckingham que realiza uno de sus mejores trabajos en Fábulas creando unos personajes y entornos creíbles y vivos.

Tampoco se entendería la repercusión de la obra sin la obra del portadista James Jean que gracias a su composición y utilización del color consigue un aspecto único e irrepetible.

Siempre he esperado cada tomo con ilusión y nunca me ha decepcionado, porque los autores siempre se han superado ampliando el mundo, los personajes, las tramas siendo una sorpresa constante.

La llegada de Fábulas a su número 100 demuestra que este tipo de historias tienen cabida en el panorama actual del mundo del cómic y sobretodo su universalidad para todas las edades. Debería ser leido y regalado para toda aquella gente que nunca se ha acercado a un cómic. Porque Fábulas conseguirá conectar con todos ellos o, en su caso, despertar su curiosidad sobre el medio.

Bill Willingham ha creado una obra imperecedera y espero que dure por muchos años.

GRANT MORRISON Y GERARD WAY (CHEMICAL ROMANCE): EL ENFRENTAMIENTO FINAL

2011-03-17T17:00:00.006+01:00

Volvemos con el último videoclip del grupo con la aparición de Grant Morrison.

Muchos se preguntarán porqué Morrison se ha prestado a realizar un videoclip como villano y cuáles son los motivos de la buena relación con Way líder del grupo de música.

Todo empezó hace unos años (1994-2000) durante el transcurso de la estancia de Morrison en DC y concretamente el Sello Vertigo, en el cuál se realizaban obras sin relación directa con los superhéroes, donde los autores podían contar sus historias personales y proyectos especiales con una temática más realista y adulta de diferentes géneros como la fantasía, el terror, la ciencia ficción... (claros ejemplos de aquella época son Predicador de Garth Ennis, Transmetropolitan de Warren Ellis, Sandman de Neil Gaiman).

Morrison estaba realizando su obra más personal y de creación propia (con sus respectivos derechos de autor) : Los Invisibles que nos cuenta la historia de un grupo rebelde que lucha contra una organización que busca el control de todo.

En esos momentos Gerard Way trabajaba como becario en DC Comics, concretamente en Vertigo, conociendo a Morrison y entablando amistad. La fuerte impresión que causó Morrison en Way le inspiró para crear The Umbrella Academy publicada por Dark Horse y ganadora de un premio Eisner (el máximo galardón en la industria del cómic, equivalente a un Oscar o un Grammy).

Way se puso en contacto con Morrison porque había formado en su mente la idea de un nuevo álbum "The Killerjoys" que contaría una historia dentro de éste y quería que Morrison formara parte de los videoclips que iban a rodar. Morrison, interesado en las capacidades del medio audiovisual y trabajar con su creativo amigo, aceptó y obtuvo el papel de villano que siempre había deseado.

De esta forma nació el primer videoclip que iniciaba la historia

http://vishanti.blogspot.com/2010/11/grant-morrison-y-chemical-romance-un.html.

El segundo Videoclip ponía punto y final al enfrentamiento entre los Killerjoys y la malvada organización BL Industries que controla el mundo (el nombre corporativo es un juego de palabras: BLIND es ceguera en cuanto la población vive cegada por esta empresa).

Aquí dejo unas imágenes y el videoclip.

¿Será éste el fin de los Killerjoys? Sólo el tiempo y futuros videoclips lo dirán.

Próximamente en Dark Horse Gerard Way publicará el cómic Killerjoys basado en el albúm.

GRANT MORRISON Y THE CHEMICAL ROMANCE: UN CROSSOVER VERTIGO

2010-11-11T10:15:00.002+01:00

Todos conocemos a Grant Morrison y quien no lo haga aquí una breve referencia: Morrison es un autor inglés que llegó a DC en los años 80 siguiendo la senda que abrió Alan Moore (Swamp Thing, Watchmen, V Vendetta...) para los autores británicos y el desembarco británico (Neil Gaiman, Peter Milligan, Garth Ennis, Warren Ellis y Mark Millar) y empezó en títulos como Animal Man y Doom Patrol que gracias a sus ideas se convirtieron en clásicos y posteriormente creó su obra más personal: Los Invisibles.

Morrison también es el responsable de la actual etapa de Batman y la Crisis Final de DC, los Seven Soldiers, la revitalización de los mutantes en el S.XXI con New X-men y contar lo que muchos consideran la historia de Superman definitiva: ALL STAR SUPERMAN.

Quienes son Chemical Romace: a muchos fans les sonará como un grupo musical de pop punk con unos videoclips de estética gótica y oscura sin pasarse mucho. Pero lo importante es que su cantante Gerard Way decidió escribir un cómic llamado Umbrella Academy bastante entretenido y con una historia interesante.

Pues resulta que Morrison ha colaborado con Way en el último videoclip del grupo apareciendo como el malo de la película y persiguiendo al grupo de jóvenes fugitivos. El videoclip por su estética parece una mezcla de los títulos Vertigo de Morrison. Aquí os dejo una serie de imágenes y los videos.

Ya comentareis. No me extrañaria que de este videoclip surgiera una nueva serie Vertigo co-guionizada por Morrison y Way .

Los Diez Mandamientos de un guionista de Daredevil.

2010-11-04T10:12:00.000+01:00

Amarás la etapa de Frank Miller sobre todas las cosas.

Honrarás la etapa de Brian Bendis y el sacrosanto tomo recopilatorio.

Matt Murdock nunca sufre lo suficiente. ¡NUNCA!

Toda novia o relación sentimental con Matt Murdock sufrirá la desgracia: muerte, suicidio, locura....Menos la Viuda Negra que es una superheroina y siempre puede tener una serie limitada o regular.

No tendrás pensamientos ni deseos impuros : Daredevil nunca puede ser feliz o disfrutar de la vida.

La continuidad no es una herramienta para ser respetada sinó utilizada en tu provecho.

No matarás a Daredevil o a personajes de la serie. Sólamente si sirve para levantar las ventas o crear un misterio para la serie.

No robarás ideas de antiguos guionistas de Daredevil. Exclusivamente las utilizarás y modernizarás en tu provecho y te asignarás el mérito.

Santificarás a Kingpin como el villano exclusivo de Daredevil. Da igual que su conflicto sea cíclico.

No codiciarás bienes ajenos ni levantarás falsos testimonios aunque podrás justificarlo convirtiendo a Daredevil en una franquicia y prometiendo que Daredevil cambiará para siempre.

Si sigues todos estos pasos ten por seguro que Dios (Joe Quesada) te elegirá de entre todos.

HOMENAJE DE GARTH ENNIS A BATMAN DARK KNIGHT RETURNS DE MILLER

2010-08-24T15:07:00.005+02:00

NO TENGO PALABRAS: BUENO SI, SE NOTA QUE ENNIS SABE APRECIAR LOS CLÁSICOS. BWA-HA-HA-HA....

Batman (1966)

2010-08-04T18:18:00.002+02:00

¿Cuál es la mejor película del hombre murciélago? Batman: La Máscara del Fantasma (1993). Indiscutiblemente. Se trata de un largo de animación realizado por el excelente equipo tras la serie de dibujos animados de los 90. Tan excelente que incluso consiguió que la serie fuera mejor que los cómics.

Pero hablando de films de imagen real, ¿con cuál nos quedamos? ¿Con el universo gótico-muerto viviente de Burton? ¿O con el neón-chiripitifláutico de Schumacher? ¿O con las incursiones indies con pretensiones de Nolan?

A favor de Burton, como siempre, lo visual. En su contra, la debilidad argumental y que lo que nos cuenta no tiene nada que ver con Batman. A favor de Schumacher: su cosa se parece algo más a Batman. En su contra: todo degenera en un artefacto visual y conceptual esperpéntico digno de un museo de los horrores. ¿Y la sobrevalorada aportación de Nolan? Su acercamiento es original, de película de superhéroe que intenta no serlo, pero acaba embarrancando en los típicos tópicos del género de una forma vergonzosa y apabullante.

Por eso, nuestro voto a mejor película de Batman va para: Batman (1966). Película basada en la serie de televisión protagonizada por Adam West y que se realizó como tarjeta de presentación de la misma de cara a su exportación al mercado europeo. Al volver a visionarla tantos años después uno tiene la impresión de que una civilización futura desenterró uno de los cómics de Batman de los 60 y pensó que así era como realmente vivía la humanidad en aquellos tiempos, por lo que procedió a filmar una película en la que trasladaba al pie de la letra lo que veían en las páginas del tebeo. Así, la temática infantil de la trama (debido a que principalmente se dirigía a un público joven), los absurdos giros argumentales (motivados por la falta de espacio y por la improvisación en los cómics de la época) son tratados en la película con una seriedad que, unida a la carencia absoluta de autoparodia y distanciamiento irónico, hace que el absurdo de lo que vemos nos resulte aún más grotesco. Sensación a la que contribuye el reparto recitando sus diálogos como si de un texto de Shakespeare se tratara.

Imprescindible.

Sesión de firma de Pau y Alex Fito

2010-07-16T14:44:00.002+02:00

Hoy viernes 16 de julio a las 20:00h, firmarán álbumes los autores Pau y Alex fito en la librería Gotham Comics de Palma de Mallorca.
Estais todos invitados. Habrá para picar y beber.

300 Frank Miller llegó hasta el mundial 2010

2010-07-15T12:00:00.003+02:00

Frank Millar y su cómic y película de 300 caló hondo en la mente colectiva y sobretodo en el mundial de Sudráfica 2010 como podemos ver a continuación:

Los holandeses diciendo: ¡ESTE ES EL JUEGO DE HOLANDA!

Pero España supo vencer porque tenía el espíritu de los espartanos de la película.

http://www.youtube.com/watch?v=oiWVxALVCIA

Gracias Frank por inspirarnos en la victoria.

Estoy seguro que si se hubieran leido Ultimates de Millar también les habría inspirado.

PD: Ya volveré con post más largos. Había que celebrar que España ha ganado por primera vez en su historia un mundial.

Ultimate Avengers 1-6: Mark ha vuelto. Y es para quedarse.

2010-06-19T11:55:00.007+02:00

Cuando el general MacArthur se retiró de Filipinas dijo la célebre frase, "Me voy, pero volveré." Mark Millar dijo que no volvería al Universo Ultimate, Universo que él ayudó a crear. Universo del que bebe más que de ningún otro la Marvel cinematográfica actual. Él nos dio es obra maestra llamada "The Ultimates" y nos hizo soñar, no enseñó en trece entregas la mejor película de los Vengadores que podíamos haber imaginado. Nos regaló escenas, diálogos y frases memorables que ya han quedado en el recuerdo colectivo de los fans del séptimo arte.

Y cuando él se fue, dejó un vacío que no ha sido llenado.

Hasta ahora.

En seis números, vuelve la magia, la acción. EL Capitán. Porque esta miniserie es realmente una historia del Capitan América, su pasado y su presente. El luchador, el infatigable. El Héroe. El Héroe que si es necesario, hace lo que tenga que hacer para arreglar los desaguisados de su gobierno, aún a costa de enfrentarse a su país, a su familia, a Shield, a sus compañeros y a la madre que los parió a todos juntos.

Impagable la escena de los soldados parisinos reprochándole al Capi su afirmación/sugerencia de que los franceses se rinden sin luchar y recordándole la resistencia francesa y al General DeGaulle durante la Segunda Guerra Mundial.

Una pena que el arte de Pacheco se dsinfle en los últimos números.

La serie seguirá, en forma de sucesivas miniseries. Ahí estaré yo para leerlo.

Gracias Mark, no te vuelvas a ir en mucho tiempo.

Felicidades Tito Clint

2010-05-31T19:53:00.004+02:00

Hoy cumple 80 años uno de los más grandes.

Con ocho décadas a las espaldas sigue manteniendo esa mirada penetrante que hace que te cagues en el cine.

Sus películas están llenas de momentos y diálogos memorables. Y hay algo, un "sello" ( en mi humilde opinión) en su forma de entender el cine y narrar que hace que cada vez que haciendo zapping doy con una película suya, no cambio de canal hasta que ha terminado.

Leí una vez que el papel de Harry le llegó porque Sinatra lo rechazó. No sé si se habría convertido en la estrella que sería después, aunque ya había rodado la trilogía del dólar, pero desde luego mi infancia y adolescencia no habrían sido lo mismo sin el Predicador, Rubio, el Sargento Highway, Harry Callahan, El Extraño, Josey Wales, Kelly, Phil Beddoe, Frank Horrigan y Bill Munny entre otros.

Felicidades, tito Clint, sigue así de bien y que nosotros podamos estarlo a tu edad.

VENGADORES OSCUROS : ¡REUNÍOS! (Dark Avengers 1-6)

2010-04-13T17:16:00.005+02:00

Tengo que darle las gracias desde aquí al señor Brian Michael Bendis y a Mike Deodato por el placer que la lectura del primer arco argumental de esta serie me produjo ayer.

Por motivos que se explican en la maxiserie "Invasion Secreta", Norman Osborn es ahora el principal responsable de la defensa de EEUU, ocupando la baja/desaparición/despido de Tony Stark caído en desgracia por no haber hecho bien su trabajo desde la "Civil War". Es recomendable haber leído esta dos miniseries para entender mejor los acontecimientos de esta serie y de la futura "Siege".

La primera misión de Norman será la de crear una nueva formación de Vengadores de cara al público, icónicos, con rostros conocidos a los que nadie tema. Para ello no dudará en contratar (y disfrazar) a verdaderos super criminales sociópatas, psicópatas y homicidas. Vamos, lo que él mismo es. A ellos se sumará un "Poderoso" vengador y un "Nuevo" vengador respectivamente. Lo de "Nuevo y "Poderoso" va por lo del grupo de procedencia. Este primer arco narra la formación del grupo, la interacción, compenetración (nunca mejor utilizada esta expresión) y crecimiento como equipo, así como la conforntación de sus dos primeras grandes amenazas.

Para Bendis, lo importante no son las batallitas, sino los personajes, sus relaciones y su desarrollo. Resbala (y de qué manera) el enfrentamiento contra Morgana Lefay (Bendis no es Busiek) y sin embargo uno disfruta de los diálogos entre Norman y Víctor Von Muerte o la entrevista en TV de Norman emulando en palabras y pose al Presidente anterior de los EE UU (ya sabéis de quien hablo). Uno tiene la sensación de que puede ocurrir cualquier cosa. Estos villanos (¿nuevos heroes? ellos piensan que sí) caminan por la delgada línea que separa la locura y la cordura. Línea que no es sino el haz de luz que el Joker describió en su chiste de "La Broma Asesina". Da igual que la luz se apague o no, caerán al abismo.

El Reinado Oscuro ha comenzado.

VENGADORES "SÓLO PUEDE QUEDAR UNO"

2010-01-28T23:00:00.001+01:00

CON AVENGERS DISSASSEMBLED (2004) NACIÓ NEW AVENGERS (2005)

CON CIVIL WAR(2006) NACIÓ MIGHTY AVENGERS(2007) Y AVENGERS THE INITIATIVE (2007)

CON SECRET INVASION (2008) NACIÓ DARK AVENGERS (2009)

CON SIEGE (2010) SOLO QUEDARÁ UNO:

VUELVEN ¿THE AVENGERS?.

Y TODO GRACIAS A ESTE HOMBRE BRIAN MICHAEL BENDIS O BMD.

Y RECORDAD TODO EMPEZÓ HACE SIETE AÑOS

SENTRY INTERPRETANDO A HAMLET ¿SIETE AÑOS CON BENDIS? ¿ESTIRAR O NO ESTIRAR LA HISTORIA? ESA ES LA CUESTIÓN.

Kitty's Back

2010-01-12T20:19:00.002+01:00

No me resisto a ponerlo.
¿Quien regresa a la ciudad este marzo?

Lo que se quedó en el tintero

2009-11-30T20:59:00.004+01:00

Después de casi dos años escribiendo esta sección a uno se le acaban las ideas. A fin de cuentas, pese a la gran cantidad de adaptaciones al cine de cómics existentes, todas giran en torno a unas pocas categorías (las oportunistas, las que poco o nada tienen que ver con el original, las meramente suficientes, las fieles o las brillantes que además aportan algo al cómic que adaptan) y la mayoría dejan, como películas, bastante que desear.

Por ello, aunque sea un placer haber escrito sobre cómics/películas como American Splendor, Persépolis, Sin City, 300 o Southland Tales, entre otros, o haber hablado de autores de tebeos como Alan Moore, Frank Miller, Harvey Pekar o Mike Mignola, la propia concepción de la sección dejaba ya sólo espacio para la repetición o para hablar de adaptaciones insulsas y/o sin valor cinematográfico.

Como por ejemplo...

Daredevil (2003): que demuestra que la devoción por el cómic adaptado no te convierte en buen guionista, ni en buen director de cine y menos aún si montas la película durante un cuadro convulsivo;

Hulk (2003): que si hubiera sido tan fiel al cómic como aburrida estaríamos sin duda ante la mejor adaptación al cine de un tebeo;

Camino a la Perdición (2002): que siendo una película sobrevalorada, no respeta demasiado al mediocre cómic en el que se basa;

Fantastic Four (2005): que dio pie a una secuela, ambas caramelitos inocentes que incitan más al olvido que a la reflexión;

Spawn (1997): que es la adaptación perfecta, porque el film es tan malo como el cómic;

Spiderman (2001): que consigue narrar el origen del personaje de forma brillante, para dar paso a una segunda parte que es un bodrio y a una tercera a cuya tortura no he querido someterme;

Astérix (1999); de la que tengo recuerdos parciales en los que prefiero no profundizar;

Catwoman (2004) y Elektra (2005): que posiblemente sean dos de las mejores adaptaciones... nah, ¡sólo era para ver si todavía estabais leyendo!

Esperemos que el futuro nos depare adaptaciones de índole más personal y mayor calidad, que atraigan al público de las salas del cine a los cómics y viceversa, reforzando las relaciones que desde siempre ha habido entre estas dos Artes desde sus inicios.

[Texto a publicar en la revista Fancine]

La Liga de los Hombres Extraordinarios (2003)

2009-10-27T09:08:00.001+01:00

La Liga de los Hombre Extraordinarios (2003) de Stephen Norrington, guarda tan poco parecido con el cómic que adapta (The League of Extraordinary Gentlemen), que más que una traducción a la pantalla de la obra de Alan Moore y Kevin O’Neill parece el resultado de un ficticio trabajo de clase. En él, Norrington y James Robinson (el guionista del film), por un lado, y Moore y O’Neill, por el otro, deberían crear, respectivamente, una película y un cómic basándose en un mismo concepto y en cuatro directrices generales comunes. A partir de ahí cualquier parecido sería pura coincidencia.

Y eso es lo que pasa con la Liga. Con la diferencia de que, supuestamente, no se trata de una ficticio trabajo de clase, sino de una adaptación en toda regla.

En la base de ambas, película y tebeo, nos encontramos con personajes de la literatura de intriga, terror y fantasía de fines del siglo XIX (Allan Quatermain, Mina Harker, Henry Jekyll, el Hombre Invisible...) que viven peripecias reunidos en un improbable conglomerado al servicio de Su Majestad la Reina de Inglaterra. Y las similitudes se acaban aquí, aunque algunas diferencias son más obvias que otras.

Lo primero que salta a la vista es el apartado visual. El grafismo personal de O’Neil, que hubiera necesitado de un film de animación o de un Terry Gilliam o un Tim Burton con un presupuesto holgado para poder hacerle justicia, se disuelve en un diseño de producción “moderno” y ya muy visto.

La mayoría de los protagonistas que son, en origen, auténticos monstruos, psicópatas y asesinos, que se avienen a servir al “bien mayor” por sus propias egoístas razones, bajo la dirección de Norrington son dulcificados y elevados al estatus de héroe.

Y en cuanto al juego de referencias literarias que se establece en el cómic con toda la literatura de la época que homenajea, la película no abarca tanto, pero sí capta el espíritu de la obra de Moore añadiendo personajes como Dorian Gray y otros guiños al entendido, aunque sin llegar evidentemente al nivel de The League, del cual existen libros de anotaciones con más páginas que el propio cómic.

Así que, en el balance final, tenemos otra de esas adaptaciones incomprensibles en las que lo que comparten la película y la obra que la inspiró son un concepto y cuatro directrices generales comunes.

[Texto a aparecer en la revista Fancine]

Southland Tales (2006)

2009-10-08T22:17:00.002+02:00

Southland Tales (2006), fue un proyecto inmenso de su guionista y director Richard Kelly (Donnie Darko). Tan inmenso, que, de hecho, sus poco más de dos horas de metraje apenas rascan la superficie de las ideas y conceptos que subyacen en las decenas de historias y personajes que se entrecruzan como cometas en el firmamento durante su proyección.

Consciente de la amplitud de la tarea y la escasez del tiempo de posesión de balón fílmico del que disponía, Kelly orquestó su particular visión del Apocalipsis de forma que comenzara en una serie de cómics que desembocaría y concluiría en el largometraje, dándole cancha para desarrollar aspectos que de otra manera quedarían cojos de existir únicamente el film, sin nada más para apoyarlo.

No es extraño, entonces, que viendo Southland Tales uno posiblemente se quede a medias, además de sinceramente confundido por lo que acaba de ver. Tanto película como cómics tienen tantos protagonistas, hilos argumentales y subtexto que para acercarse siquiera a la experiencia que supone adentrarse en el mundo que sugieren es imprescindible visionar una y leer los otros. Porque lo que consigue el autor es que ambos se confundan en una misma cosa: la manifestación física de su proyecto y su visión interior. Que uno este impreso en papel y otro proyectado en pantalla no tiene la menor importancia, porque estamos leyendo/viendo los mismos lugares, tocando/oyendo los mismos personajes y participando, en definitiva, de lo que Kelly quiere contarnos.

(Si acaso, la única diferencia radica en el apartado visual. Brett Weldele, el dibujante de los tebeos, emplea una paleta cromática muy reducida y un dibujo esquemático. En directo contraste, la película tiene colores vivos y los personajes mucho cuerpo.)

La experiencia de Southland Tales requiere estar dispuesto a ver/leer con los cinco sentidos, asimilar información aparentemente incongruente, para relacionarla después con otra que da solución a las ecuaciones planteadas anteriormente (o en el futuro). La infinidad de tramas (que en realidad sólo son una) casi incita a ir tomando notas y cada personaje suele estar relacionado, de alguna forma u otra, con casi todos los demás, por no mencionar a aquellos que juegan dos, tres o más papeles dentro del guión.

Una película, un cómic, una experiencia.

La fusión total de la visión de un autor en dos medios.

[Texto aparecido en la revista Fancine]

X-Men (2000 y 2003)

2009-09-22T20:38:00.007+02:00

Chris Claremont no creó a los X-Men, pero fue la fuerza creativa que los sacó del limbo comercial y los convirtió en la franquicia más vendida del cómic americano. Una hábil combinación de culebrón, caracterización de personajes, tramas maduras, aventuras sin límite y la identificación de sus protagonistas mutantes con las minorías étnicas, sociales y raciales del mundo real son algunas de las características de la serie durante el tiempo que la escribió.

Adaptar una serie con decenas, incluso cientos, de personajes, con tramas que se han extendido a lo largo de años, y que a los propios guionistas y lectores les cuesta seguir en ocasiones, es una ardua tarea. Y ahí radica la magia que obraron Bryan Singer y su equipo con las dos primeras entregas de X-Men (2000 y 2003, respectivamente).

Aunque, evidentemente, no cupo todo el material acumulado en las miles de páginas de historia mutante, el director se centró en lo importante: el concepto de minoría perseguida, que se ve obligada a defender a una humanidad que no la entiende y que a menudo la odia y pretende destruirla; la idea de una escuela donde los mutantes conviven y aprenden a controlar sus poderes; las ansias de venganza de mutantes misántropos como Magneto; el compañerismo y trabajo en equipo del grupo; y Lobezno, claro, quien se erige en auténtico protagonista del espectáculo.

Más importante, según mi punto de vista, es que todo el material presentado en pantalla no desdice el que queda fuera, dejando que el lector pueda rellenar los huecos con sus propios conocimientos del cómic e incluso en aquellos casos en que la adaptación no es extremadamente fiel tampoco invalida aquellos aspectos del original en los que se inspira.

Además, es significativo el hecho de que las carencias del primer film se tuvieran en cuenta de cara al segundo aprovechando para incluir más personajes, extraer más tramas de los cómics y realizar cientos de guiños ocultos a los aficionados, dando lugar a una secuela muy superior al primer largometraje, cosa que no suele ser demasiado habitual. Como tampoco lo es que los responsables de una adaptación al cómic se esfuercen con cada entrega por hacerla más fiel aún al original.

Quizás por eso X-Men y X-Men 2 son dos de las mejores adaptaciones de cómics de superhéroes al cine. Y X-Men 2 una de las mejores películas de superhéroes a secas.

[Texto a aparecer en la revista Fancine]

Wanted (2008)

2009-08-25T16:46:00.007+02:00

Mark Millar es uno de los guionistas más consentidos del panorama norteamericano de los últimos años. Sus diálogos cortantes, situaciones chocantes y su inventiva a la hora de tratar el género de superhéroes le han granjeado una reputación de autor rompedor entre aficionados y crítica.

Tras servir las franquicias habituales de Marvel y DC, Millar se embarcó en una serie de proyectos personales, aunque dentro del género, en los que volcó toda una serie de inquietudes que le perseguían desde joven. Entre ellos nos encontramos con Wanted, la historia de Wesley Gibson, un pringado con un trabajo cutre, afectado de enfermedades varias y cuyo mejor amigo se beneficia a su novia. En el curso del argumento, Wesley descubre que ha heredado las habilidades para el asesinato de su desconocido padre y la posición de éste en una sociedad de supervillanos que controla la Tierra de forma clandestina.

Wanted (2008), de Timur Bekmambetov, sigue casi al pie de la letra la transformación de Wesley desde un ciudadano de a pie hasta llegar a convertirse en un súper asesino imparable. De hecho, el proceso en la película se muestra con algo más de lógica y coherencia que en el original. Sin embargo, hay una traición al espíritu del tebeo que muestra hasta que punto Hollywood no puede llevar según qué historias a la pantalla. El cómic es una historia de supervillanos, en la que estos son los protagonistas, dominando el mundo en secreto y dando rienda suelta a sus más bajos instintos, matando, mutilando y violando según les viene en gana. La película los troca por una sociedad oculta de asesinos que eliminan objetivos puntuales para impedir que el caos se apodere de la existencia.

El matiz es evidente. Por muchas salvajadas que aparezcan en la película (y no son nada en comparación con las que aparecen en el cómic) siempre se ven justificadas por el papel de policía kármica que juegan Wesley y sus colegas.

¿La razón? No sé. Falta de presupuesto, tal vez. Llevar el mundo de supervillanos de Wanted al cine hubiera requerido un presupuesto 50 veces mayor del que se disponía. Pero creo que la audiencia no estaría preparada para encontrarse con el nihilismo y mala baba que destila el cómic. Por lo menos no la audiencia americana.

[Texto a aparecer en la revista Fancine]

ULTIMATE AVENGERS 1 DE PACHECO Y MILLAR: EL QUE TUVO RETUVO

2009-08-21T10:40:00.004+02:00

A mis manos ha llegado y recién leído lo tengo.

Es pronto para hablar, pero como aperitivo, es una pasada. Acción a raudales, con saltos, volteretas, puñetazos del Ultimate Capi que recuerdan al primer número de la serie de Brubaker.

Presentación de un personaje que no habíamos visto hasta ahora en este Universo (y que ya era hora apareciese) que le da una cura de humildad al Capi.

Pacheco se sale (a ver si no se retrasa) y Millar danado lo mejor de sí mismo (qué cagada lo del final de la primera familia, Mark no lo vuelvas a hacer).

Espero con ganas el siguiente.

30 Días de Noche (2007)

2009-07-19T23:10:00.002+02:00

Cansado de que se lo rechazaran durante años como propuesta de película, Steve Niles finalmente escribió 30 Días de Noche como un guión para que lo dibujara su amigo Ben Templesmith. Irónicamente los mismos productores que no mostraron interés alguno en el proyecto acabarían pujando más tarde los unos contra los otros por hacerse con los derechos para adaptarlo al cine. Del paso de propuesta de guión rechazada por los estudios a tebeo por el que se paga mucho dinero a sus autores por ser llevado a la pantalla, hay un punto intermedio clave para entender el proceso: la obra resultó ser un gran éxito y supuso el renacer comercial del género de vampiros y de terror en la industria del cómic. Ahí es nada.

La premisa, aunque resultona, no puede ser más simple: un grupo de vampiros viaja a Barrow, población donde durante un mes al año no sale el sol, situación que aprovechan los no-muertos para campar a sus anchas y darse un festín de aúpa con sangre y carne humana.

El equipo de 30 Días de Oscuridad (2007) respeta al máximo el libreto original, trasladando además su estética característica a nivel de puesta en escena, decorados, colores, fotografía y la particular caracterización de los sanguinarios vampiros.

Donde la cosa hace aguas es en el apartado argumental. Si el original ya tiene problemas en justificar con su curioso argumento las setenta páginas de las que se compone y no hace más que avanzar la trama mediante inconexos golpes de efecto, la hora y media de metraje pone aún más de relieve las incoherencias del material que adapta. Se intenta paliar este problema, con muy buen juicio, introduciendo personajes e hilos narrativos inexistentes en el cómic, pero por desgracia aún así no es suficiente, tal vez porque se respeta demasiado la fuente y no se quiere diferir demasiado de ella, y el film se tambalea de un lado a otro como un sonámbulo que no encuentra el camino de regreso a la cama.

Así que nos encontramos, curiosamente, con una adaptación que fracasa como película, precisamente por ser fiel al original. Y es que, cuando se adapta fielmente un producto mediocre, el resultado no puede ser otro.

[Texto a aparecer en la revista Fancine]

The Punisher (2004)

2009-07-19T10:56:00.005+02:00

Cuando uno se pone manos a la obra con un guión para cualquier arte (cómic, cine, teatro...) no se tiene que enfrentar únicamente con la pantalla o la hoja de papel en blanco. Existen toda una serie de circunstancias que dificultan la ejecución de cualquier producción artística: fechas de entrega, imposiciones editoriales, financiación, etc. En el caso de las adaptaciones al cine de tebeos, además nos encontramos, entre otras cosas, con la necesidad de ser fiel al material original, captando su espíritu y trasladando al lenguaje cinematográfico aquellos elementos gráficos y narrativos que lo hagan único.

Todo esto no es moco de pavo. Y sin embargo...

Cuando lo que uno tiene entre manos no es una obra maestra del Noveno Arte, sino una historia de venganza digna de una película de acción de serie Z, ¿puede todo lo anterior ser obstáculo para realizar una buena adaptación? El Castigador (2004) demuestra que a veces cuanto más fáciles son los retos a los que se enfrentan los realizadores, peores son los resultados. No es que se trate de una perversión de la historia original. Tanto en el film como en cualquiera de los cómics, el protagonista, Frank Castle, ve morir a su familia bajo una lluvia de plomo y desde entonces dedica su vida a erradicar el crimen en una guerra sin cuartel, en la que progresivamente va perdiendo la razón y todo contacto con la realidad que no le sea de utilidad en su “sagrada cruzada”.

La película se queda en esta breve sinopsis y no investiga ninguno de los temas que han ido surgiendo en las décadas de apariciones del personaje en el papel: la violencia brutal de la sociedad que hace que criaturas como Castle existan; la indefensión ante la agresión criminal; la montaña rusa de asesinatos que le hace plantearse a uno si al Castigador todavía le queda algún delincuente al que castigar... En la película apenas hay un reconocimiento a la etapa del guionista Garth Ennis en la serie, con la inclusión de una escena levemente humorística. Y si se puede disculpar que no se tengan grandes objetivos en mente (la mayoría de los cómics del personaje son bastante planos), lo que sí es imperdonable es la falta de adrenalina, sangre y acción de la que adolece el largometraje, aspectos definitorios que hacen del Castigador lo que es. Una historia de venganza.

[Texto aparecido en la revista Fancine]

Norma, los Chapuceros de Umbrella Academy

2009-06-24T12:16:00.008+02:00

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Todavía no salgo de mi asombro.

La editorial que no solía publicar miniseries, sino en tomo, publica la magnífica miniserie "The Umbrella Academy" en tres prestigios.

Bueno, pues vale.

Pero señores, dejar de publicar las excelentes portadas de James Jean es una chapuza delas gordas. Para que luego nos quejemos de las cagadas los Planetarios.

Que es el portadista de FABULAS!

No pasa nada.

Aquí las tenéis.

Y yo me voy a pillar el tomo americano, que encima sale más barato.

ENTREVISTA A DAVID LÓPEZ Y CONVERSACIÓN EN EL SEGUNDO COMIC NOSTRUM PALMA DE MALLORCA

2009-06-02T08:00:00.010+02:00

David López es un dibujante, al que conocía principalmente por Fallen Angel que me fascinó y por Espiral, un cómic suyo muy original.

La entrevista se realizó en el escenario del patio de la Misericòrdia. La duración fue aproximádamente de 45 minutos, más el tiempo de las preguntas. Asistí y tomé apuntes pero alguna parte no me quedó clara y para no llevar a equivocaciones será resaltado en rojo.

David López es una persona divertida y con humor. Al final de la entrevista se puso a dar palmas y a cantar flamenco, el escenario eran dos sillas, un micrófono de pie y parecía un tablao flamenco, produciendo carcajadas en el público por la sorpresa.

ENTREVISTA

P: ¿Cómo empezaste a dibujar?
DL: Empecé de pequeño, poco a poco y me gustaba experimentar con el dibujo. Espiral es un poco de eso. Empecé haciendo cosas para el fanzine 450, también contacté con Hernán Migoya redactor de la Cúpula y hablamos de hacer Books con formato underground.

P: Hiciste de todo. Recuerdo cierto cómic con frutas: frutagirl (risas entrevistador)
DL: Si (risas López). Era un proyecto de frutas y hortalizas para la Comunidad Autónoma de Aragón para fomentar la comida sana entre los más pequeños, Era un trabajo alimenticio (risas López). Tenía que estar al pie del cañon y hacer muchos trabajos para llegar donde quería.

P: ¿Cómo llegaste al mercado americano?
DL: Primero entra un dedo del pie, después la pierna y por último todo el cuerpo. Entré gracias a Bobbie Chase que me dio trabajo. Igual que a Pulido y los dos somos canarios (risas López).
Todo empezó con David Macho, que era representante de muchos dibujantes españoles. En el mercado americano estaban Javier Pulido, Marcos Martín y que iban abriendo el camino. David tenía que irse a Estados Unidos y le llevé un book en el último momento con algunas cosas de Espiral, también páginas y bocetos. Seguro que en el avión cuando lo abrió pensó: ¿cómo narices voy a vender esto a los americanos?. Mi estilo no era muy superheroico.
A Bobbie Chase le interesaron mis dibujos y quería hacer un proyecto parecido al que hice en España: dos chicas que viven juntas en un piso. A mi me gustaba dibujar chicas y esas situaciones (risas López). Pero el proyecto no pudo ser y Bobbie Chase dejo de ser editora.

P: ¿Qué fuiste haciendo?
DL: Hice muchos one-shots y series menores. Lo importante era ir cumpliendo y además con las personas que trabajé me iban explicando todo.

P:¿Era difícil trabajar con los estadounidenses y compenetrarse?
DL: Me salvaba distanciarme; hacía el trabajo, lo entregaba y después me hacían la crítica o sugerencia.

P: Para DC ¿qué empezaste a hacer?
DL: Un número de JLA Adventures y otro de Batman.

P: Pasas a Fallen Angel una serie con derechos de autor.
DL: Me sorprendió porque eso no era muy normal. Yo venía de hacer Espiral y otras cosas.
En DC antes me dijeron hacer un proyecto tipo Sexo en Nueva York: ciudad y chicas y sería uno de los guionistas de la serie de televisión. Me encantaba porque era volver a hacer lo que hacía en España, pero no pudo ser, porque el guionista estaba muy ocupado con la serie de televisión.
Dc me ofreció contrato y con derechos de autor para Fallen Angel junto el guionista Peter David. Empezaba desde el techo: una serie con derechos de autor . Los siete primeros números vendieron bien y fueron bienvenidos por el público y con buenas críticas. Mi dibujo tuvo errores al principio (risas López) y durante los veinte números que duró la serie, pero fui mejorando.
Pulido y yo también estamos relacionados por Nacho Castro, un editor que sabe mucho. Sabía qué decir para aprender y ayudar a forjar un estilo.

P: ¿Cómo pasaste a dibujar Catwoman?
DL: Nacho Castro pasó a ser editor de Catwoman y me llamó. Estaba en la misma colección donde Javier Pulido dibujó unos números (risas López por las conexiones entre los dos: canarios, Bobbie Chase y Catwoman).

P: ¿Cómo afrontaste la nueva colección?
DL: Después de Fallen Angel fue difícil adaptarme de un control creativo y con derechos de autor a una serie con cánones establecidos. Era como una flor en el culo(risas López): has de hacerte cargo de la herencia, intentar mantener al principio cierto estilo para contentar a los lectores que estaban en la colección y ya después ir poniendo tu estilo.
Era un principiante cuando la historia se puso interesante con la maternidad. Selina es un icono sexual (risas López) y pasaba a ser madre. Tuve que esforzarme para que fuera creíble.

P: ¿Metieron crossovers en la colección?
DL: Si, uno era con las amazonas que atacaban Washington. Es el problema con los crossovers pero el guionista consiguió coger todo eso y contar algo interesante.

P:Catwoman fue cancelada pero siempre se ha reinventado a sí misma como la llegada de Brubaker. ¿Volverías a hacer una serie regular con ella? ¿Querrías tener más control?
DL: Me encantaría volver con el personaje pero no como serie regular sinó como miniserie. Una Catwoman Año Uno.

P: Esa ya se hizo y creo que había otra.
DL: Ah (risas López). O algo parecido al proyecto Catwoman si vas a Roma.

P: ¿Cómo es dibujar una colección si no conoces los estilos, los personajes? ¿Hay directrices editoriales?
DL: Hacer cómics no es dibujar sinó contar historias. Cuando hay lazos emocionales con superheroes se queda en ti.
En el cómic se tiene que entender que hace el personaje y comprenderlo. Actualmente estoy haciendo The Reunion con Ojo de Halcón , un arquero de Marvel, que ha recuperado a su esposa Pájaro Burlón que murió quince años antes; en el Universo Marvel sólo han pasado cinco años, y hay que conseguir transmitir emociones. Has de sentir al personaje para que el dibujo transmita.
Cuando empecé a dibujar me interesaba dibujar más que las proporciones ylos trajes, las historias. Ahora les doy importancia, aunque Miller no era un dibujante académico pero transmitía bien.
Tuve que coger la historia, desentrañar sus emociones y sentirlas. En Avilés mientras dibujaba daba la impresión que cantaba y ponía caras. Pero en este trabajo estás mucho tiempo trabajando y has de exteriorizarlo.

P: ¿Es difícil trabajar en el mercado americano?
DL: Es complicado. Ellos tienen claro todo y son profesionales. Saben qué producto hacer. Cuanto más adultos son los lectores más quieren historias adultas, pero superhéroes están dirigidos a preadolescentes o postadolescentes de catorce a veinte años. Después están los que seguimos comprando cómics después de esas edades (risas López).

Un ejemplo: Ojo de Halcón tiene un arco y lanza flechas. Si le atacan es normal que flechas maten a los malos pero el guión dice que no puede matar pero si herir. Dibujo una escena en la cual Ojo de Halcon desarma a uno con una flecha que se clava en la mano. Recibo una notita del editor (risas López) y me dice: “a mí me gusta, pero no creo que para un niño de doce años sea correcto”.
Hay muchos standars: Deadman está muerto y es superhéroe (risas López). Otra vez dibujé a una monja realista: mayor y con pelusilla en el labio y... notita del editor (risas López) y me decía que la hiciera más guapa. Tienes que asumir esos estandars: los chicos son guapos y cachas, las mujeres están muy buenas. Es muy raro que después de 70 años de historias sólo hayan matado a seis malos muy malos ¿no? (risas López).

P:¿Qué otras cosas te chocan?
DL:El entintado. En Avilés con el dibujante Benoit hablamos y teníamos un entintador que nos cambiaba mucho. No funciona con entintador americano porque utilizan la mancha de tinta y nosotros nos basamos sobretodo en la línea.
También es difícil el trabajo de documentación porque si no te gusta o no lo conoces has de aprender. Si te encargan dibujar a Mapache Cohete has de hacerlo.

P: Llevas ocho años dibujando cómics ¿te apetece hacer cosas por ti mismo?
DL: Hombre, saqué un álbum en 2008. He de comer y no puedo permitirme abandonar los cómics americanos. Voy haciendo mis cosas. Poder vivir de esto me permite ir haciendo un álbum poco a poco y si me lo publican me irán pagando algo. Si no eres un superartista con mucho público no te puedes permitir dedicarte exclusivamente a un proyecto. Si viene el casero a cobrar el alquiler y le dices que estás con un proyecto personal que venderá mucho seguirá queriendo cobrarte el alquiler (risas López).
Yo hago cómics porque me gustan. Hay gente que le gustan los superhéroes y hacen muchos y otros que no les gustan pero lo hacen por dinero. A mí su me gustan.

P: ¿Qué diferencias ves entre el mercado americano y el europeo?
DL: El cómic americano me permite sin ser famoso llegar a 107.000 lectores. Creo que se mitifica la libertad del cómic europeo. Hay editor que sabe del mercado y te pide cambios en el dibujo: poner más escote o el planteamiento: más escenarios....
Ha habido Watchmen, Batman Dark Knight. Sinestro Corps es muy superhéroes y no es muy novedoso pero está bien hecho. Los Ultimates de Millar y Hitch: la temática y las historias adultas, ese Capitán América fuera de su tiempo y el abrazo con su amigo ya anciano...
El único límite de los cómics americanos es que haya pijamas (risas López).

P: ¿Qué proyectos actuales tienes y cómo ves tu carrera y el trabajo en equipo?
DL: No quiero dejar superhéroes sin hacer Spider-man o Batman. Ahora estoy trabajando con un buen entintador Álvaro y el colorista Rudoni que hace un uso espectacular del color y da un resultado a mis lápices que no me esperaba.
Aprender a trabajar en equipo es bueno. Fastidia que a veces tu trabajo se estropee por entintadores: éste tío que le ha hecho a mis lápices, con las horas que me tiré con esa página. Pero tiendo a ponerme en el lugar del otro,comprender que todos somos humanos y podemos equivocarnos y así perdonar.
Hay que sacar lo mejor de uno mismo y dejárselo fácil a la otra persona. Hay cosas que no puedes hacer por límites editoriales y de tiempo pero algún día los haré.

PREGUNTAS PÚBLICO

P: ¿Qué diferencia hay en trabajar con un agente o hacerlo sin él?
DL: Depende del agente, el acuerda con la forma de trabajar y de ti. Te permite dibujar y olvidarte de qué harás después de acabar tus cómics porque el agente se ocupa de todo y te lo busca.
La ventaja de no tener agente es que no has de pagar (risas López) y haces lo que quieres. Pero con agente tienes la tranquilidad de qué harás mañana y no preocuparte de tener que gestionar todo.
A él le puedes llamar diciendo ¿DÓNDE ESTÁ MI DINERO? Que aún no me ha llegado el cheque (risas López), te prepara facturas y procura que no cobres tarde, por la cuenta que le tiene.

P: ¿Cómo cambias de colección?¿Y si quieres hacer un superhéroe concreto?
DL: Antes se lo decía al agente y él se movía. Ahora que estoy solo cuando acabo un proyecto hablo con la gente para tener el mail y poder preguntar yo mismo al editor de Spider-man.
Soy una persona conciliadora y lo intento. He de decirle a mi editora Jeanine que quiero hacer tal colección o número y prometer que volveré (risas López) .
Si algún día consigo contactar con el editor de Spider-man intentaré convencer a la editora para que me de tiempo. Además es trabajar para una franquicia y el editor es el señor encargado de dar rumbo. Las franquicias son potentes y el objetivo es dar una rentabilidad. No te van a decir venga hazlo, tienes que convencerlo.
Estuve treinta meses en Catwoman y el editor valoraba no tener que llamar por las fechas de entrega. Te comprometes y ellos lo valoran y te conocen. Por eso es difícil que entre alguien nuevo:
puedes hacerlo muy bien tú solo con tus historias pero a ellos les interesa saber si puedes trabajar en equipo como una cadena de montaje porque es muy diferente.

P: ¿Y si no te da tiempo a acabar?
DL: Lo normal es recibir el guión pronto porque el guionista quiere comer (risas López) entrega a tiempo y tú tienes uno o dos meses para hacerlo. Si el señor tarda intentas ir rápido porque la máquina no se para. Si se entrega el día catorce y no puedes se ponen otros dibujantes para acabarlo a tiempo. Lo ideal sería un equipo perfecto y compenetrado.

CONVERSACIÓN CON LÓPEZ

Después de la entrevista fui a hablar con David López para ver si podía firmarme Fallen Angel que es una serie que me encantaba por su dibujo y al final me hizo un dibujo.

Al principio le traté de usted y me dijo que no hacía falta. Le comenté cómo me había impresionado Espiral tanto por historia como por dibujo y su originalidad. Él me dijo que el álbum que había sacado el año pasado incluía esa historia, más otras que había ido haciendo.

Le pregunté si había pensado hacer un proyecto para Francia como Roger y Raulé de Jazz Maynard. Me contestó que había estado en la anterior Fira Còmic Nostrum y que esos proyectos los hará cuando tenga tiempo y finalice sus trabajos. Lo mismo pasaba con Spider-man y le comenté que había una colección llamada Amazing Spider-man Family donde había diversas historias como Spider-girl de Tom DeFalco y me dijo que ahora Amazing Spider-man era la única serie regular y tenía diferentes equipos creativos y le interesaría trabajar en un arco.

Le comenté que leí el prólogo de The Reunion en el especial Dark Reign New Nation y que el uso del color daba a sus lápices un tono especial interesante. Me dijo que debía salir este año con Panini en un tomo y que en Estados Unidos estaba a punto de acabar.

Mientras hablábamos me preguntó qué dibujo me gustaría y le pedí Fallen Angel. Fue increíble ver el proceso porque lo hizo con rotuladores directamente, que nunca había visto en directo. Primero empezó con un rotulador naranja, después uno negro y por último con un bolígrafo profesional terminó los detalles de la cara y el pelo.

Le agradecí mucho el dibujo y tengo ganas de leer The Reunion cuando salga en España.

ENTREVISTA A JAVIER PULIDO Y CONVERSACIÓN EN EL SEGUNDO COMIC NOSTRUM PALMA DE MALLORCA

2009-05-27T15:15:00.001+02:00

Javier Pulido es un dibujante que siempre me ha gustado y con el que disfrute mucho en Hulk, Blanco Humano, Robin y especiales como Starbrand. Tiene un estilo único y personal. Para mi era uno de los motivos para asistir a Cómic Nostrum y escuchar a este gran dibujante.

La entrevista a Javier Pulido se realizó en una sala de conferencias del primer piso de la Misericordia.

Duró aproximadamente 45 minutos, más el tiempo de las preguntas. Fué bastante amena y divertida con un repaso de la carrera de Pulido, su evolución gráfica.....

La entrevista la transcribo de los apuntes que fui tomando. No soy una grabadora humana y puede que me haya perdido alguna cosa.

ENTREVISTA

P: Naciste en Canarias. Tu primer trabajo fue una historia para Careto.
JP: Si , soy de Canarias, estudié Bellas Artes y me trasladé a Barcelona y fui enseñando mis dibujos.

P: Has dibujado muchos guiones. ¿Has pensado algún día hacer tus propias historias?
JP: Si, algún día.

P: Trabajaste en Mentat con Pérez Navarro en la línea Laberinto.
JP: Si, ya había hecho anteriormente cosas para Forum y éste fue uno de mis primeros trabajos.

P: ¿Pensabas en el mercado americano?
JP: Siempre lo tuve en mente, había acabado la carrera de Bellas Artes o estaba a punto, porque no se puede vivir haciendo cómics en España exclusivamente.
Decidí moverme,mientras estaba con un número de Tess Tinieblas y existía la posibilidad de hacer una segunda parte de Mentat, fui a las Jornadas de Avilés para ver cómo era porque había oído buenas críticas y podría relacionarme y hablar con otros artistas.
Allí conocí a Larry Hama, que para quienes no lo conozcan era un guionista de cómics y estaba haciendo Lobezno, y le mostré el cómic de Mentat. Le gustó, pero me dijo que había ciertas cosas que necesitaban mejorar. Me pidió mi número e hice unas muestras de prueba y se las envié. Hama las fue moviendo en Marvel y le interesaron a la editora Bobbie Chase.

P: Tu primer trabajo fue Star Trek Early Voyages ¿Fue complicado? ¿Tuviste restricciones?
JP: La dificultad de la serie fue que se basaba en un piloto y yo sólo conocía a Spock porque era el único personaje clásico que mantenían. Tenía fotos que me proporcionaban para dibujar las caras. Pero la serie seguía con el piloto y la colección cómic canceló poco después. Iba cancelando colecciones (risa Pulido).

P: Después pasaste a dibujar Hulk.
JP: Si, el guionista era Joe Casey. Nos tocaba sustituir a Peter David y su larga etapa en la colección
La reacción de la gente al principio fue muy dura en los foros. Recibía el guión de Casey y lo dibujaba. No estaba muy contento con el entintador ni con el colorista porque no estaba acostumbrado al trabajo en equipo y el resultado final no era igual a cómo lo dibujaba.

P: ¿Cómo llevabas tu relación con los entintadores?
JP: Me gusta entintarme a mí mismo. Menos Robin Año Uno que no me he entintado pero ha sido el que más me ha gustado.

P: ¿Y con los coloristas?
JP: Con los coloristas depende. El colorista de Catwoman estuvo muy bien y hacía caso de las indicaciones. Con el colorista de Robin Año Uno tuve mala relación porque le enviaba las indicaciones y él después hacía lo que quería.

P: Después pasaste a DC Comics.
JP: Intentaba hacer proyectos que me gustasen. Fui a Dc a hablar y pasé de Marvel a Dc. Tuve que volver a hacer muestras para Dc como cuando empecé (risas Pulido) y los editores miraban estilo.

P: Has trabajado principalmente guiones Vertigo. ¿Era porque te gustaban y lo elegías o había otros motivos?
JP: A los editores de Vertigo como Axel Alonso les gustaba mi estilo y por eso fui por ese camino. Si me hubiera llamado otra gente para dibujar otra cosa lo hubiera hecho. No estaba para elegir guionistas (risas Pulido) y decir: elijo a este u otro. Aunque Azzarrello me dijo que le gustó Flinch.

P: También hiciste un número de Batman Chronicles donde se notaba la influencia de Mazzuchelli.
JP: La verdad que Mazzuchelli me gustaba y también otros autores pero no lo hice conscientemente.
Un día me dijeron que tenía cierta influencia de Steve Ditko por como estructuraba todo. Un día lo miré y era cierto que se parecía a como estructuraba yo pero no me pongo a estudiar a los autores y hacerlo igual.

P: Pasas a dibujar Robin Año Uno ¿cómo fue la experiencia?
JP: Pasé a hacer un proyecto de cuatro prestigios, cuarenta y ocho páginas cada uno, que nunca antes había hecho en el que además de dibujar ponía el color (decidía qué poner). Era mucho trabajo porque debía cuidar mucho el trabajo a lápiz para pasárselo luego al entintador. Las fechas se me echaron encima y sugerí a Marcos Martín para acabar lo que quedaba del último prestigio. En una noche hice siete páginas y fue estresante, no sé si Kirby también lo hizo (risa Pulido).

P: Hablando de Marcos Martín ¿colaboráis juntos en estudio?
JP: No, cada uno va por su lado. Como hemos coincido en ocasiones en diversos proyectos da esa impresión. En Robin, Marcos dibujó él solo lo que quedaba del último prestigio. Yo no le hice bocetos ni nada.

P: ¿Cómo acabaste dibujando la novela gráfica de Blanco Humano? ¿El estilo del anterior dibujante Biukovich era muy diferente?
JP: Había acabado Robin y Axel Alonso se iba a trabajar a Marvel. Hablamos de hacer algún proyecto juntos en Marvel pero Tony Bedard editor Vertigo me propuso Blanco Humano. La primera opción había sido Dave Taylor pero parece ser que tuvo una depresión o alguna otra cosa. Yo era la segunda opción y pedí hacerlo todo (entintado y coloreado).

P: Entre la novela gráfica y la serie regular de Blanco Humano dibujaste Catwoman. Pasaste de un dibujo detallado a uno más suelto.
JP: Catwoman había tenido a Darwin Cooke que dibujaba con un estilo cartoon animated. No existía serie regular en esa época en Dc con ese estilo. Catwoman era un dibujo muy alternativo y no seguía el modelo de DC. En Catwoman hice bastante experimentación.

Con Blanco Humano era un planteamiento gráfico y narrativo muy diferente: como el personaje se disfrazaba y cambiaba de cara pude probar muchas cosas nuevas. Pero siempre busqué que estuviese adecuado a la historia y tuviera sentido.
Ahora reflexiono sobre todo lo que he hecho y estoy buscando un estilo más construido como en Robin o el especial Capitán América 65 Aniversario. La innovación la haré para proyectos propios.

P: El mercado americano afecta a tu ritmo de trabajo. ¿Puedes hacer una serie mensual?
JP: Me es imposible hacer una serie mensual. Puedo aguantar seis meses pero es agotador porque además de dibujar me entinto y coloreo porque me gusta trabajar así. Con Robin acabé quemado y cuando cogí Blanco Humano tardé bastante en dibujarlo.

P: ¿Has pensado hacer algo para europeo?
JP: Estoy acostumbrado al mercado americano y el europeo es muy diferente. En América presentas muestras y te dan guiones. En Francia quieren un proyecto y sobretodo crear un personaje para que haya continuación en próximos álbumes. Al final todo es producto comercial. El mercado americano es más sencillo y lo conozco mejor pero no dejo la puerta cerrada y si encuentro guionista plantearme un proyecto para Francia.

P: Has hecho después de estas colecciones números sueltos y especiales como Capitán América 65 Aniversario ¿Tienes otros proyectos?
JP: Estoy acabando número especial 70 Aniversario Marvel con un personaje clásico. Tengo otros proyectos para Marvel pero por ahora no tengo proyectos largos. He estado estos años dedicándome a pensar proyectos propios, apuntar ideas, pensando cómo llevarlos a cabo y ahora he vuelto otra vez mercado americano.

P: En el tercer piso hay una exposición con originales tuyos ¿los elegiste tú?
JP:Si, escogí varias etapas según la narración como Hulk, la composición, Blanco Humano para ver evolución y una historia inédita con Spider-man que ha de salir dentro de poco.

P: ¿Qué personajes te gustaría dibujar o tratar?
JP: Con Spider-man que leía de pequeño junto a otros. Pero también quiero dibujarlos por su historia y el guionista.

P: Por último ¿como dibujas y hacía donde evolucionas?
JP: Utilizo lápiz azul y lápiz normal y la luz que es un método que descubrí hace un tiempo y me va bien para que se vea bien el lápiz y no se pierdan detalles. En la exposición de arriba puede verse como son las páginas y el uso del lápiz azul.

PREGUNTAS PÚBLICO

P: ¿Cómo recuerdas la experiencia en Hulk y tu relación con Joe Casey?
JP: La relación con Casey fue muy buena y nos comunicábamos a través fax. Teníamos ilusión porque eramos jóvenes y era uno de nuestros primeros trabajos.

P: ¿Por qué hizo Mcguiness dos números de Hulk? ¿Las fechas de entrega eran ajustadas?
JP: Cuando entré a trabajar en Hulk Bobbie Chase era la editora. Ella me encargó los dos primeros números y a Mcguiness otros dos. Cuando Bobbie dejó de ser la editora ya había asignado los números. Cuando llegó Iddelson me dio los tres restantes.

P: Catwoman era muy retro, ¿como fue trabajar con Brubaker? ¿No te decían nada los editores?
JP: El estilo retro era porque Cooke tenía ese estilo. El guión de Brubaker estaba muy estructurado pero me dejaba mucha libertad para componer la página y jugué con el color según el momento de la historia y los sentimientos de los personajes. Si a Cooke le habían dejado innovar y arriesgar, ¿por qué yo no? (risa Pulido). No siempre enviaba las páginas al editor para revisar pero le solía gustar bastante porque Iddelson era así. Poco después de dejar la colección llegó Dan Didio como editor DC y marcó una línea estílistica dura y ya no se podían hacer determinadas cosas.
Viendo mi trabajo en el pasado y lo que hice, estoy contento con muchas cosas y algunas no sé cómo me dejaron seguir (risa Pulido). He hecho lo que quería y lo que me gustaría comprar como lector. Hoy día algunas cosas no las haría.

P: ¿Se pueden hacer cosas nuevas ?
JP: Sí, creo que se puede innovar pero dentro de un margen.

P: Steranko innovaba
JP: Sí, pero Steranko era comercial en cierto sentido.
Ahora quiero tener un cómic estructurado y estandar como fue Robin aunque también quiero crear cosas nuevas, hacer cosas experimentales y a ver cómo sale. Quiero llegar al lector medio y que le guste mi trabajo. Ahora es como volver a empezar.

CONVERSACIÓN CON PULIDO
Después de la entrevista me atreví a ir a hablar con Pulido y si me podía firmar uno de los Hulk dibujados por él. Nos pusimos a hablar un rato y me contaba que el único momento en que pudo entintarse fue en la portada del penúltimo número. Me contó que los foros y particularmente hubo una persona muy crítica con su trabajo. Yo le dije que era fan de la etapa de Peter David y me gustó mucho su dibujo y los guiones de Casey. Le decía en broma que no hiciera caso de las críticas al menos de las destructivas.

Hablamos sobre Blanco Humano y cómo me impresionó su dibujo y sobretodo el resultado gráfico y narrativo que era innovador y cómo conseguía hacer comprensible el guión de Milligan. La miniserie original la había guionizado con estilo fragmentario y el dibujante Biukovich lo hacía bien pero en ocasiones era complicado de seguir. Me parecía que la novela gráfica Montaje Final y los números de la serie regular dibujados por él estaban muy bien y le pregunté si colaboró con Milligan y si hablaban. Me sorprendió saber que no: Javier recibía el guión, lo estudiaba y plasmaba. Para mí saber eso era genial porque sus números ya de por si eran excelentes gráficamente y narrativamente y saber que conseguía interiorizar un gui.

Me contó que su número favorito fue el último que se llamaba “carta desde el frente”. Yo no lo ubicaba porque Pulido no dibujó todo Blanco Humano y había otro dibujante Cliff Chiang y Pulido dijo que también estaba Cameron Stewart. Fuimos a ver ese número que estaba en un tomo de Planeta. Pulido hace un espléndido uso del color y un dibujo excelente, con una historia que recordándola fue una de las más duras pero de las mejores. Le dije que no comprendía cómo en el mercado americano su estilo no podía gustar: es claro, impactante, coherente... A mí me gustan los cómics de superhéroes pero no creo en los cánones estrictos del género porque innovar es bueno y Pulido lo hace. Además esas innovaciones son comprensibles y siempre las pone al servicio de la historia no como otros dibujantes. Le dije que entre Brian Hitch y él me quedaba con él, sin decir que Hitch sea malo. Pulido me dijo que Hitch era bueno y es un enfoque diferente.
Me contó que su hermano Rayko Pulido también dibujaba y me enseño dos álbumes que había dibujado: Sordo y Final feliz. Tiene un estilo que recuerda a Javier pero el de Rayko sigue siendo muy personal.

Después Javier Pulido se puso a dibujar y firmar. Verle dibujar es una gozada, como empieza abocetando utilizando el lápiz como si fuera carboncillo en lienzo y después detallar con un rotulador de punta fina profesional. Pulido se esforzó con todos los asistentes y era impresionante ver lo que iba saliendo. Cuando llegó mi turno me preguntó qué quería y le dije que me haría ilusión Christopher Chance el protagonista de Blanco Humano. Pulido lo dibujó como en la pose de la portada Blanco Humano: Montaje Final.

El dibujo me encantó y le agradecí mucho haber podido conversar con él.

Espero ver más trabajos y proyectos de Javier porque vale la pena. Es un dibujante muy personal que merece mayor reconocimiento. Y como le dije a ver si algún día se publica un tomo con todo su trabajo: un Pulido´s Visionaries.

Se me olvidó hablar de Starbrand con guiones de Jeff Parker en el cual su planificación de página es genial y el uso del color muy bueno. En otra ocasión.

La próxima semana publicaré la entrevista y conversación con David López. Martes 2 Junio.

The Spirit (2008) de Frank Miller

2009-05-19T09:21:00.001+02:00

Will Eisner se pasó décadas ampliando, renovando y estableciendo el vocabulario del cómic tal y como lo conocemos hoy en día. Su trabajo dignificó un medio considerado infantil y justificó con obras porqué el cómic debía ser considerado un Arte con mayúsculas. El tebeo por el que es principalmente conocido es The Spirit, aunque con el tiempo abandonó las historias de Denny Colt para centrarse en tebeos como Contrato con Dios, en los que el patetismo, el costumbrismo y la miseria y esperanza urbana de la que había hecho gala en The Spirit, pasaban a primer plano dejando a un lado por siempre jamás a las mujeres fatales y al detective infalible, que no eran sino reclamos comerciales y pretextos argumentales.

The Spirit (2008) de Frank Miller parte con la ventaja de que su guionista y director es un discípulo aventajado de Eisner y revolucionario del cómic por méritos propios, pero aún así falla al adaptar la obra de Eisner con éxito.

Primero, porque The Spirit es un horror cinematográfico, visualmente incoherente, alternando planos fantásticos con otros dignos de drama de sobremesa, con un guión prácticamente inexistente, con diálogos hipertrofiados que se transforman en escenas de diez minutos, aderezado todo ello con unos irritantes e incomprensibles intentos de humor que caen en el más puro histrionismo.

Segundo, porque es una mala adaptación: donde Eisner empleaba los recursos visuales para contar mejor una historia, Miller se queda en lo visual y prescinde de contar algo, sea lo que sea; ante la concisión de Eisner, nos encontramos con la hinchazón purulenta de Miller; frente al protagonismo de los ciudadanos de Central City y a la humanidad que la puebla, tenemos una historia maniquea de superseres absurdos, chillones y sin profundidad y en la que The Spirit se convierte en protagonista absoluto.

Luego están las libertades que se ha tomado Miller con algunos personajes (un Dolan y un Octopus irreconocibles), de como en el fondo no ha podido evitar pasarlo todo por su tamiz y ha convertido Central City (una ciudad real y en color) en Sin City (una ciudad abstracta y en blanco y negro) y ha reducido todos los temas del original al mínimo común denominador inyectándolos de esteroides hasta reventar.

Parco favor le ha hecho Miller a su maestro con este trabajo. Pero, por favor, no confundan esta cosa con el cómic. Nunca sabrían lo que se han perdido.

[Texto a aparecer en la revista gratuita Fancine]

X-Men Annual 11 o Patrulla-X Especial Verano 1988

2009-05-17T19:30:00.005+02:00

El X-Men Annual 11 es un tebeo excepcional.

En 40 páginas la humanidad se enfrenta no sólo a su destrucción, sino a su viabilidad o no como especie. Se nos presenta a casi una decena de personajes in media res y se les hace evolucionar sin que en ningún momento tengamos dudas acerca de quiénes son y porqué actúan de la forma en que lo hacen. Y es un cómic especial, una aventura autoconclusiva al margen de la serie mensual, cuyo objetivo es dar un “algo más” adicional a la oferta regular. Como tal, la historia es memorable y profunda y al mismo tiempo no resulta imprescindible para la compresión de las andanzas de los mutantes si alguien no puede o no quiere leer dicho Annual. Un curioso, y difícil de conseguir, equilibrio.

Los textos y los diálogos de Claremont, son concisos, llenos de información y van directos al grano. Tom Orzechowski los engarza en la página como joyas en la diadema diseñada por un Alan Davis pletórico, que dibuja lo que le da la gana y bien, sean escenas de época, ruinas de un palacio de cristal, la ascensión a la omnipotencia de Lobezno, una mansión en Westchester, gente vestida de calle, de superhéroe, a la moda japonesa, de samurai o de conquistador intergaláctico. Por no mencionar la gestualidad de los personajes, la composición de página, la espectacularidad, los planos, la acción, la ambientación...

Y la narrativa. Dios, la narrativa que te permite seguir la historia sin necesidad de leerla, porque Davis es un dibujante de cómics, no un ilustrador o un pintor y por tanto un historietista de primera categoría que con sus imágenes te traslada los sentimientos, emociones, mensajes e información que la historia pretende transmitir.

Por todo eso, el X-Men Annual 11 es un tebeo excepcional.

Y tendría que estar en las mesas de trabajo de toda la gente que escribe y dibuja superhéroes hoy en día.

Y en las de las personas que los editan.

Distant Fires de Chaykin, Kane y Knowlan

2009-05-17T17:07:00.003+02:00

¿No estáis tan cansados como yo de soportar la definitiva última historia de tal o cual héroe? ¿Cansados de ver morir a todos sus amigos y familiares? ¿Cansados de verle en un entorno apocalíptico y/o alternativo en el que hasta él podría morir y, usualmente, muere? ¿Cansados de que los autores desaprovechen la oportunidad que les brinda esta premisa fuera de continuidad para explotar al máximo las características de esos personajes y devolverles la chispa que a menudo han perdido durante la explotación de sus aventuras a un ritmo mensual?

Todo aficionado que se precie ha vibrado con este subgénero dentro del cómic de superhéroes ya que en él se les enfrenta con su desafío definitivo y, por tanto, se multiplican las posibilidades de que actúen acorde a su auténtica y heróica personalidad, dando lugar a una, posiblemente, épica, emotiva e, incluso a veces, definitoria y definitiva historia. Sin embargo, tras los primeros Días del Futuro Pasado, Dark Knight, El Hombre que lo Tenía Todo y otras (pocas), la espontaneidad, alegría y emoción han ido esfumándose casi con la misma rapidez en que estas historias han devenido subgénero sujeto a todos los tópicos que han ido acumulándose con el tiempo y la sucesiva aparición de historias de futuros alternativos, Otros Mundos y Kingdom Come varios. Parece que, con el mero uso de esta premisa (brillante en su concepto, es cierto, y original, aunque ya cada vez menos), los autores de estas historias ya lo tienen todo hecho y se limitan a repetir el esquema una y otra vez. Como ejemplo tenemos, a vuela pluma, La Última Historia de los Vengadores, Kingdom Come y, aunque un tanto de refilón, este Distant Fires, pese a que cada mes se suele apuntar alguna más a la lista, ya sea vía What if…, Elseworlds o la nueva realidad alternativa vía lavado de cerebro que sus enemigos quieren imponerle a la LJA mes sí, mes también en su serie regular (en un número Batman incluso propone que deberían pensar una defensa contra este tipo de ataques porque ya van…).

Así, se nos suele presentar un futuro más o menos lejano en el que algo grave ha sucedido (algo que normalmente va asociado a la muerte de muchos superhéroes) y que ha obligado a los héroes a replantearse su papel. Sin embargo, surge una amenaza que hace que los personajes, poco a poco, vuelvan a salir de debajo de su orgullo herido al tiempo que se nos informa con mayor detalle de qué fue lo que pasó realmente para que tiraran la toalla. Al final, ganan al malo, el héroe que no las tiene todas consigo vence sus miedos y participa en el combate y los héroes reasumen su posición en el statu quo, pese a lo sufrido y a las nuevas bajas que la contienda ha generado. Y, habitualmente, hay chiste final y muchos guiños estúpidos a los lectores que están algo puestos en materia superheroica.

Este Distant Fires se apunta a la tendencia presentándonos la Tierra tras el Holocausto nuclear. Un Superman sin poderes vaga por ella replanteándose su cordura hasta hallar una comunidad de supervivientes compuesta por antiguos aliados que también han perdido sus habilidades especiales (y el Joker su locura). A partir de aquí la cosa se pone, no sé, un poco Kingdom Come y el Capitán Marvel, dolido por que Wonder Woman ha preferido al kriptoniano en lugar de a él, se monta una comuna alternativa con los partidarios de exterminar a la humanidad para que ésta no vuelva a cagarla y acaba provocando el fin del mundo tras la consabida batalla entre los dos bandos. El chiste final: Superman envía a su hijo (y de Diana) al espacio, tal y como hicieron sus padres con él, rememorando la destrucción de Krypton. El guiño: lo hace en una nave espacial que fabrica con el anillo de poder de Linterna Verde (que se han encontrado porque sí en el transcurso de la historia).

¿Que con este argumento se podría conseguir una historia épica, vibrante y emotiva como hemos dicho? Sí, pero lamentablemente en las 64 páginas que ocupa no se va más allá de lo dicho. El argumento lo resume todo. Eso es todo lo que pasa y poco más es lo que el lector que aborde la lectura del cómic se encontrará a nivel de guión. Ni tan siquiera el desarrollo es interesante, ni las escenas son trepidantes, ni hay emoción, ni humor. El tono en general es bastante apagado. El apartado gráfico es otra cosa: Kane y Knowlan, con eso todo está dicho. Lástima que Chaykin no se aprovechara de ellos y les diera tan poca cosa que contar[1]. Y eso por no hablar de la premisa argumental en que se sustenta la historia: los supervivientes han perdido sus poderes como efecto del Holocausto (¿) y el Joker su locura (¿). Como efecto de las invocaciones del Capitán Marvel para recuperar su poder y vengarse de Superman todos empiezan a recobrar el suyo (¿) y la Tierra, aún resentida por el Holocausto, empieza a partirse como una cáscara de nuez (¿)[2].

En pocas palabras, una historia un poco vista, en demasiadas páginas y sin demasiada gracia.

+++

[1] Aunque la otra opción es que Howard les proporcionara un argumento al estilo Marvel y luego dialogara las páginas que le entregaron, cosa que, conociendo la obra de Chaykin, parece más probable y disculparía algo su parte de culpa en esta historia.

[2] Todo ello tal vez se deba, si la teoría de la anterior nota es correcta, a los esfuerzos de Chaykin por dar una mínima explicación (sic) a la forma en que Kane y Knowlan escogieron para contar la historia en imágenes, coherente con ella misma, pero tal vez no desde un punto de vista lógico.

Final Crisis: Una Conversación

2009-05-08T20:12:00.007+02:00

Felipe: Morrison ha querido hacer con este cómic un homenaje al Cuarto Mundo de Kirby y hacerlo evolucionar utilizando ideas previas de su colección Seven Soldiers: Mister Miracle y, en parte, su saga JLA: Rock of Ages donde dio su particular visión de la Ecuación de la Antivida y el Control de Darkseid.

Jaume: En efecto.

F: Pero creo que en algún momento en la creación del guión recurrió a las drogas caducadas de Arkham Asylum, el peyote de Animal Man y tuvo un delirio en el que creyó escuchar a Kirby.

En ese preciso instante se produce una división en Morrison: en su delirio de escritura automática cree haber hecho un cómic-homenaje a Kirby y sus creaciones pero lo que hace es pervertirlas y convertir Final Crisis en una historia autoreferencial de la cual el mismo Mark Waid se sentiría orgulloso.

J: No estoy de acuerdo. Creo que es un tópico utilizar el tema de las drogas en cualquier análisis de la obra de Morrison, cuando al final sus obras suelen ser igual de cerradas que las de Moore, aunque a veces no lo parezcan. Moore es más claro a la hora de atar los cabos sueltos y no te suele dejar ninguna duda al respecto. Morrison te deja a veces, no siempre, dudando, con la cabeza en las nubes, pero las relecturas ponen las cosas en su sitio (aunque también tiene tebeos que son un delirio sin sentido y una gilipollez, pese a que sean los menos).

Por otro lado, no creo que pervierta la obra de Kirby. En todo caso hace una nueva versión del Cuarto Mundo, que total sólo dura lo que dura Final Crisis y de la que sólo vemos a los malos (los dioses de Nueva Génesis sólo aparecen en una viñeta final). Habría que esperar a ver a los Nuevos Dioses del 5º Mundo para ver como se desarrolla la cosa. Y el gran homenaje está en la viñeta con Kamandi, los hombres tigre y la capa de Superman.

Y sí, es una historia autoreferencial, porque al igual que su Batman, es un cómic en el que se nota que él es el guionista y no cualquier asalariado, pero no es imprescindible haber leído cosas de Morrison para entenderlo, pero está claro que remite a todo su trabajo superheróico desde Animal Man, pasando por Seven Soldiers, etc. A mi esto ya me aburre un poco porque ya conozco sus temas de fondo y empieza a repetirse con el tema de la exaltación del ideal superheróico. Preferiría que volviera a sus trabajos más personales y dejara los superhéroes por una larga temporada.

F: La utilización de las drogas era una broma. Me baso en sus declaraciones sobre Arkham Asylum, que guionizó bajo efecto de las drogas, y una entrevista de hace poco donde dijo que mediante drogas contactó con Kirby y el Cuarto Muro. Esta broma se relaciona con la estructuración del cómic.

De acuerdo que hace una nueva versión, pero los personajes se desvirtúan mucho respecto el original de Kirby y es muy difícil en ocasiones conocer todas las referencias ralentizando en ocasiones la lectura (por ponerte un ejemplo lejano: Avengers Forever de Busiek, aunque éste si se explica mucho todo). No me refería a Morrison y sus cómics y estilo de escritura, sino las referencias Kirby. Yo también quiero al viejo Morrison.

¿Qué referencias hace a su propia obra Morrison? Te falta el homenaje a Omac de Kirby cuando Renee Montoya (Question) se convierte en la primera policía de la paz del futuro.

F: FC es una historia potencialmente interesante en sus ideas pero con grandísimos errores de planificación: la historia se va dispersando a cada número, no se conocen a los personajes, algunos aparecen y desaparecen, los superhéroes son genéricos, aúna mitología clásica con superhéroes, de una viñeta a otra cambia la situación sin explicaciones...

J: ¿Es en todo lo que dices diferente de cualquier otro crossover que hayas leído (Fire from Heaven, Infinite Crisis, etc)? Por lo menos aquí, la narración de estilo fragmentario es marca de fábrica de Morrison (creo que hay etapas de su JLA que son más complicadas de entender) y está justificada porque la corriente temporal se va fragmentando debido a la caída del 4º Mundo en el nuestro (por eso las escenas son cada vez más cortas y pasan a ser sucesiones de viñeta a viñeta).

F: Los crossovers a los que te refieres sí se entienden: From Heaven mal guionizado y Infinite Crisis se entiende aunque no te guste el guión. El estilo fragmentario es bueno cuando superficialmente da esa impresión, pero interiormente está estructurado, pero en este caso se va dispersando. La JLA de Morrison que sufre este tipo de problemas era One Million y World War Three. Creo que la explicación que das es el proceso de tu reflexión más que la impresión en los cómics (no se percibe en la lectura ni parece existir esfuerzo consciente de explicación).

Otro punto importante es que la serie no es una crisis, por una vez dan ganas de leerse las series previas como la Muerte de los Nuevos Dioses (bastante caro por cierto) para entender FC y no como Infinite Crisis que creó miniseries que no tuvieron impacto en la principal y para solucionarlo publicaron especiales, sino el ascenso de unos Nuevos Dioses y Darkseid como el Dios absoluto.

J: Hombre, supongo que puedes leerlo, pero tampoco hace mucha falta. Pero es un megacrossover, es decir, realmente para entenderlo todo bien y saber lo que estás viendo no sólo te tendrías que comprar la Muerte de los Nuevos Dioses, también Infinite Crisis, la Batalla de Bludhaven, Countdown, Jaquemate, etc. Pero eso no es culpa de Morrison, los megacrossovers "críticos (de Crisis)" afectan a todo el Universo y exigen un conocimiento previo del mismo. Un conocimiento extenso además.

F: Final Crisis, como ya escribí anteriormente, es homenaje a Kirby y obvia parcialmente elementos e historias del actual Universo DC, por lo tanto no es necesario leer los cómics que has escrito. La muerte Nuevos Dioses sí porque podría considerarse un prólogo verdadero a la colección. Esta vez los crossovers no han afectado al Universo DC y Morrison ha tenido bastante libertad, en teoría.

J: Sí, no es necesario leerlos, a menos que quieras saber quién son Jaquemate, qué ha pasado en y qué es Bludhaven, por qué es mala Mary Marvel, quiénes son los Monitores, de dónde han salido los Alpha Lanterns, etc. Por extraño que parezca la gente no tiene un conocimiento intuitivo de estas cosas, necesita que se las expliquen o leerlas antes. Además, como dijo el sabio: “no se conoce a los personajes” ;)

F: El plan de Darkseid es confuso y estúpido: el personaje negro de Dark Side era Darkseid y convertir a Turpin en su portador no tiene sentido porque el Cuarto Mundo siempre tuvo contacto con tierra DC mediante Boom Tunel.

J: En esto no te entiendo. Me parece que los Nuevos Dioses se reencarnan en humanos porque Apokolips y Nueva Génesis y en general el plano de existencia que los albergan han sido destruidos y por eso huyen (se "descargan" en cuerpos humanos). Y es la tensión del 4º mundo descargándose en el nuestro lo que causa la crisis, la fragmentación temporal, etc.

F: Seven Soldiers: Mister Miracle, escrita por Morrison, es la miniserie donde se descubre la llegada de Darkseid y compañía en cuerpos humanos y fue muchísimo antes que Final Crisis y la Muerte de los Nuevos Dioses. Si el Cuarto Mundo fue destruido no tendría sentido la tensión espaciotemporal porque anteriormente ya habían llegado. Es una pequeña incongruencia argumental.

F: El plan de Libra para convencer a la Sociedad Injustícia es absurdo porque podrían hacerlo ellos mismos. Luthor está lobotomizado y es una veleta.

J: No puedes hacer un megacrossover sin que aparezcan los villanos del universo DC ni sin explicar qué pasa con el Espectro. Es tradición.

F: ¿Aparecía el Espectro?

J: No, pero creo que explican el porqué de su no intervención en el asunto, que es a lo que me refería.

F: La aparición de Barry Allen es bastante gratuita.

J: La reaparición no me quedó claro ni si la explicaban, mira tú por donde. Pero la verdad es que me la suda. Que hagan lo que quieran. Es de estas cosas que estás viendo como Dan DiDio mete la figura de acción de Barry Allen dentro del cómic tan claramente que ni te importa que te lo justifiquen a nivel de historia, porque sabes que es un puro movimiento de marketing.

F: La reaparición de Barry Allen es visto y no visto y con una explicación de su papel bastante confuso. Parecía el as en la manga para precipitar el final de la miniserie.

F: La marca de Metron como salvación contra la antivida.

J: Esto funciona a nivel alegórico, mitológico. Metrón como dador del fuego, inventiva humana, etc. y de hecho el fuego tiene un papel importante durante toda la serie. Pero no sé muy bien cuál es el interés de Metrón a nivel personal en esto. Supongo que salvar la existencia. Eso sí, durante toda la serie no es que la marca les sirva para mucho a los héroes.

F: Como siempre ha demostrado Metron tiene sus propias metas.

F: Final Crisis 7 es una tomadura de pelo porque son viñetas que no están conectadas argumentalmente ni narrativamente.

J: Ver mi explicación en párrafos anteriores.

F: Superman y la historia del vampiro no se entiende (no he leido Beyond por 3-D, pero pienso que un cómic ha de entenderse por sí mismo y no comprándose especiales, aunque el origen de Libra de Len Wein me gustó) y es un final deus ex machina para justificar la salvación del universo mediante una máquina que supuestamente es del futuro y que Superman crea como un Prometeo moderno.

J: Te guste o no Superman Beyond es parte indispensable de Final Crisis, aunque los gilipollas de DC no lo anunciaran así ni fueran a meterlo en principio en el recopilatorio!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!
Y sí, lo de la máquina milagrosa es un deus ex machina con todas las de la ley.

F: Después de haber leído Final Crisis me dieron ganas de tirarlo por la ventana o reciclarlo pero como eran de Victor no lo hice.

J: Víctor seguramente te lo agradece.

F: Morrison con éste cómic ha conseguido que se me quite, en parte, las ganas de leer cómics suyos o de DC.
Incluso Marvel con sus bluffs y blockbusters es más coherente argumentalmente.

J: Lo que has dicho!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!! ;)

F: Hablo de coherencia argumental no de calidad argumental. Marvel tiene coherencia (presentación-nudo-desenlace) pero no calidad (House of M, Civil War, World War Hulk, Secret Invasion). Las pocas ganas de leer DC las sigo manteniendo pero en descenso y a Morrison siempre le daré una oportunidad.
Ya me contestarás. Que Kirby te acompañe.

J: Está aquí al lado, conmigo. Siempre.
Talueg!

LOBEZNO LA PELÍCULA

2009-05-01T14:00:00.003+02:00

"Mis ojos han visto la gloria"

Ayer fui a ver Lobezno: Orígenes. Tenía ciertas reservas: el personaje no es uno de mis favoritos, muchos personajes en el cartel, cierto pájaro que me había dicho que todo eran peleas y malas críticas... Pero siempre he seguido una máxima: comprobar las cosas por uno mismo.

Cuando digo que el personaje no es uno de mis favoritos me refiero a que no hago la colección pero sí me he leído unos cuantos números en el pasado (regular, novelas gráficas..), su estancia en la colección X-men, la serie de animación de los 90 que consiguió captar la esencia del equipo mutante y de Logan, muchos resúmenes sobre la historia del personaje, etc...

Empieza la película con un buen principio y la presentación de los títulos de crédito bastante original, con unos personajes bien definidos y el guión es sólido (no es una obra maestra y seguro que cualquiera descubrirá ciertos errores pero es superior en algunos aspectos a X-men 2), con escenas de acción que sirven a la historia y no al revés siendo afortunadamente equilibradas y escasas (no son todo el tiempo y en ocasiones cortas).

Termina la película (aconsejo quedarse hasta al final porque la costumbre películas Marvel actuales es poner las escenas en ese tiempo)

La sensación al terminar la película es: HE VISTO A LOBEZNO no una película que tenga a los personajes con guiones y frases forzadas sino creíbles, Hugh Jackman es Lobezno no un tipo con patillas... Y sobretodo va mucho más allá del origen porque cuenta una historia. Lobezno es el personaje principal y el resto secundarios que cumplen bien su papel.

Han captado la esencia del personaje y han conseguido introducir casi 40 años de continuidad de una forma magistral y con respeto (habrá fans de Lobezno y no fans que dirán que ciertas cosas no concuerdan pero recomiendo releer los cómics y lo verán), accesible tanto para los no seguidores del personaje como los fans que pasarán buenos ratos recordando las referencias.

Sólo puedo aconsejar que vayáis a verla y disfrutéis. He procurado no desvelar nada porque Lobezno: Orígenes es una película que se ha de experimentar y vivir.

Yo he disfrutado mucho y espero que continúe la franquicia.

Por último recomendar que si os interesa saber más de Lobezno, después de ver la película y con relación a ésta, leáis los siguientes cómics publicados por Panini:

Lobezno Origen de Paul Jenkins y Andy Kubert.

Lobezno Arma X de Barry Windsor-Smith.

La muerte del Capitán America Actos 2 y 3. Leal al Sueño.

2009-04-30T17:22:00.005+02:00

"El primero en la paz, el primero en la guerra, el primero en el corazón de sus compatriotas"General Henry Lee (Elogio Fúnebre de George Washington)

Pero qué tío más listo es Ed Brubaker.

Yo de mayor quiero ser como él.

Desde que empezó la serie y hasta que ocurrió lo que ocurrió en el número 25, tuvimos dos grandes sagas en dos partes cada una: “El soldado de Invierno” partes 1 y 2 y “La Amenaza Roja” partes 1 y 2.

Después tuvimos la saga “Civil War” cuatro números y ATENCIÓN SPOILER el Capitán America Steve Rogers, muere asesinado vilmente cual JFK, Luther King o Lincoln. Marvel aprovecha ese momento y saca un tocho en tapa dura con los 25 primeros números de la serie hasta el momento. Se vende como churros.
Ahora llevamos dieciocho números (un año y medio) en los que hemos visto cómo un personaje importante dentro de la mitología del Capitan America, toma el relevo de Steve Rogers. Con siete números más ya tenemos un nuevo ómnibus con otros veinticinco números donde la cosa ha dado vueltas y vueltas sin cesar. Leer esta serie mes a mes debe ser un suplicio. Yo lo hago por sagas. Y me lo paso pipa.Reconozco que todo está muy bien escrito y dibujado. Tiene un tono oscuro, con un dibujo realista y ese tono gráfico se mantiene, venga quien venga a ilustrar la serie. Pero pasar un número entero para ver como el nuevo Capi se pone el traje, tiene un poco de guasa. Esperemos que se anime.
Bromas e ironías aparte, Steve no ha dejado la serie. Su espíritu sigue sigue ahí, en el corazón de su sucesor, Bucky Barnes, que vive a la sombra del ejemplo de su mentor y (a todos los efectos) hermano mayor, Steve Roger, consciente de la responsabilidad que le ha sido encomendada por el propio Capitán y en el corazón de todos los que le amaban, Sharon Carter y Sam Wilson el Halcón.

La serie ha dado un giro convirtiéndose en una historia sobre la Responsabilidad y el Legado de un Héroe. Pura Marvel.
Los fans acudimos a las páginas del comic convencidos mes tras mes de que en cualquier momento el anterior Capitán America regresará de la muerte o de su exilio o de donde quiera que esté, pero eso no sucede. Y sin embargo, Barnes está siendo un buen Capitán America, ganándose golpe a golpe, batalla a batalla el puesto, la misión que le ha sido encomendada. Y aunque quisiera renunciar a ello y llevar una vida normal, no puede, no se lo permite. Como decía JFK, citando a Robert Frost:"¡Qué hermosos son los bosques, sombríos y profundos!, pero tengo muchas promesas que cumplir, y mucho que andar antes de dormir, y mucho que andar antes de dormir!"

Aquí estaremos para verlo.

JLA Titanes de Devin Grayson y Phil Jiménez

2009-04-30T17:10:00.000+02:00

Hay momentos durante la lectura de The Technis Imperative en los que uno no sabe si está leyendo un Who’s Who de los Titanes, un libro de referencia de su juego de rol detallando sus bases de operaciones y lugares comunes de la colección o un parco remedo de Crisis en Tierras Infinitas.

Grayson y, especialmente Jiménez, con un estilo más que deudor del de George Pérez, se dejan llevar por su adoración por el grupo y por su interés en convertir la miniserie en un vademécum para (¿los profesionales que trabajen en?) el futuro título mensual de los Titanes. Estos loables objetivos se traducen en la virtual aparición en escena de TODOS aquellos que alguna vez fueron Titanes y sus respectivas fichas en medio de la historia. Así, el escueto argumento se hincha en exceso y se ve lastrado por la cantidad de personajes que, en su mayor parte, apenas tienen una línea de diálogo y escenas que serían igualmente efectivas desarrolladas en un par de páginas se extienden durante casi veinte, agotando la paciencia y diluyendo el interés del lector. Esto conlleva problemas de ritmo y minimiza el impacto de los puntos de interés dramático que se pierden entre tanta página innecesaria (todas, por cierto, con casi quince mil viñetas, tanto si son escenas de pelea, como si en ellas se produce alguna revelación pretendidamente sorprendente).

Teniendo esto en cuenta, lo cierto es que estas ciento y pico páginas de conflicto continuo, tanto físico como emocional, no me parecerían tan insípidas si por lo menos la acción estuviera bien llevada, pero Grayson y Jiménez juegan a la JLA de Grant Morrison, dividiendo a los grupos por todo el mundo y manteniéndolos en contacto telepático, y se estrellan estrepitosamente, copiando sólo la forma y no la adrenalina, ofreciendo unas Crisis a nivel reducido en las que todas las situaciones se resuelven con incesante verborrea y de forma burocrática y plana. Si ambos hubieran conocido de algo llamado síntesis, a lo mejor en esta historia hubiera cabido la palabra emoción.

Orquídea Negra de Neil Gaiman y Dave McKean

2009-04-30T17:00:00.000+02:00

Escrita siguiendo la moda de revitalizar personajes desconocidos del pasado de la DC (inaugurada a raíz del éxito del Swamp Thing de Moore), Orquídea Negra resulta un producto aparentemente maduro, bonito e intelectual que un mínimo análisis coloca en una posición no tan ventajosa desde el punto de vista del mero entretenimiento.

La historia se desarrolla de forma morosa y paulatina (una de las constantes de muchos trabajos de Gaiman), sin altercados, con un ritmo que, aunque lento, se nos antoja constante. Ello, por otra parte algo nada fácil de conseguir, es uno de los principales handicaps de la obra, ya que esa forma de desarrollar una arquetípica trama de persecuciones, asesinatos e investigación es realmente anticlimática y, según cuáles sean tus gustos, aburrida. El poco hincapié que se hace en los sucesos importantes los desdibuja y los pone a la altura de cualquier detalle sin importancia de la trama, amen de que la poca sangre, y carisma, de los protagonistas no invita a preocuparse mucho por su destino y, ay, por el desarrollo del resto del cómic. Gaiman (no) aborda de la misma manera todos los planteamientos ecológicos y digamos profundos que están presentes en la historia: enunciándolos, a veces de forma burda, y sin profundizar en ellos, contribuyendo a que el interés de la historia se diluya aún más y justificando que el último ejemplar se cierre con un sonoro ¿y qué? por parte del lector.

El estilo fotográfico de McKean contribuye a ese alejamiento del lector ya que aunque todo el mundo parece real, en realidad, lo que parecen son perfectos desconocidos reales (por no hablar de lo tediosos que llegan a ser esos constantes planos medios de la misma gente).

Pese a ello la historia está bien escrita, perfectamente estructurada (casi a la manera de un guión cinematográfico, con un abundante uso del raccord visual para enlazar escenas) y su desarrollo lento y paulatino está bien conseguido (a pesar de no ser en absoluto adecuado para la historia que se nos cuenta). El apartado gráfico es brillante, aunque el último número se nota hecho con prisas.

Un cómic algo ñoño, suave, aburrido, sin garra.

Constantine es... ¿Hellblazer?

2009-04-24T22:51:00.008+02:00

Hellblazer narra las peripecias de John Constantine, un “mago” inglés, antiguo cantante del grupo punk Membrana Mucosa, en un submundo ocultista sucio, gris, lleno de basura tanto sobrenatural como humana, donde los políticos mortales no se diferencian en mucho de los jerifaltes del Cielo o del Infierno.

Originalmente creado por Alan Moore en su etapa como guionista de la serie La Cosa del Pantano (literalmente como respuesta a la petición de sus dibujantes de tener un personaje que se pareciera a Sting porque les apetecía dibujarlo), este cínico personaje, que no se casa con nadie, que lucha contra ángeles y demonios por igual y cuyos amigos tienen una peligrosa tendencia a morir y a perseguirle en forma de fantasma, no tardó en volar de forma independiente en su propia colección.

Y años más tarde en tener su propia adaptación cinematográfica.

Constantine (2005) es agradable y entretenida. Lo que ya de por sí no refleja demasiado bien el espíritu del cómic. El film es más bien de intriga y suspense con cierto trasfondo de horror y está diseñado de forma muy correcta y limpia. El tebeo es terrorífico, asqueroso, lleno de bilis y mala baba, aunque no exento de cierto sentido del humor negro, negrísimo. Supongo que esa es la concesión que se debe hacer de cara a la galería, para llegar a la mayor audiencia posible. Pero no es la única. Porque en la película, Constantine cambia Londres por Los Ángeles, trueca su nacionalidad y tiene otro color de pelo. Hay que dar gracias a alguna divinidad pagana, sin embargo, ya que, como en el tebeo, sigue fumando un cigarrillo detrás de otro.

Se mantienen otros aspectos del cómic, pero retorciéndolos hasta hacerlos irreconocibles (por ejemplo, los secundarios Chas y Papa Midnite) o dándoles otro significado distinto al original (el papel de Constantine en el entorno mágico o el papel del ángel Gabriel).

Se trata de un trabajo curioso porque con la misma facilidad un poco de presión en un sentido podría haber conseguido una adaptación harto fidedigna, pero la misma presión en otro hubiera tenido como resultado algo sin ninguna relación con el cómic.

Tal y como están las cosas, y habida cuenta que los cambios mencionados consiguen integrarse en una historia completamente coherente, se le puede perdonar casi todo.

Excepto que John no sea inglés.

Ni rubio.

Ni se parezca a Sting.

[Texto a aparecer en la revista gratuita Fancine]

Cómo Diseñar Portadas Para Novelas de Vampiros (II)

2009-04-24T22:39:00.002+02:00

En una palabra: CONFUNDE.

Porque si alguien que no haya leído los libros es capaz de ponerlos en orden de lectura guiándose exclusivamente por el diseño de portada me descubro ante él/ella (aclaro que el lomo de las novelas tampoco va numerado).

Cómo Diseñar Portadas Para Novelas de Vampiros

2009-04-23T22:54:00.008+02:00

En una palabra: COPIA.

Ángela de Neil Gaiman y Greg Capullo

2009-04-19T18:53:00.002+02:00

Si hay una característica común en todos los trabajos de Gaiman, ésta es sin duda que, independientemente de si se trata de aquellos que podríamos calificar de más personales (Violent Cases, Sandman, Signal to Noise...) o de los directamente alimenticios (Alice Cooper, Los Libros de la Magia, Orquídea Negra...), en todos ellos se nota que los ha escrito él. Esto, que parece una perogrullada, no lo es tanto si pensamos en los casos de otros escritores que cuando deben afrontar un trabajo de encargo varían enormemente su registro habitual. Gaiman mantiene sus constantes estilísticas (haciendo uso de ellas de forma más o menos afortunada, pero eso ya es otra cuestión) sea lo que sea lo que produzca.

Excepto en este Ángela, un tebeo de superhéroes (¿superheroinas?) del montón, eficaz, aunque no tanto, y, en definitiva, perfecta y debidamente olvidable, que hubiera podido firmar casi cualquiera y que únicamente presenta la novedad de ver a Gaiman escribiendo diálogos del tipo “Cuchi, cuchi, bastardo”.

Vivir para ver.

Superman Paz en la Tierra de Paul Dini y Alex Ross

2009-04-19T18:36:00.003+02:00

[Rescato un breve comentario sobre el cuento ilustrado aparecido en 1999]

Si bien el especial de Batman realizado por los mismos autores merecía el apelativo de correcto, en su primera colaboración Dini y Ross no se “lucieron” tanto.

Superman intentando acabar con el hambre en el mundo es una premisa argumental que destruye el interés por el relato que motiva, porque desde el momento en que conocemos la intención del superhombre sabemos que está condenada al fracaso. La falta de interés producida por la inevitabilidad de la derrota podría haberse solventado con un desarrollo narrado con garra, pero en cambio tenemos una sucesión sin fin de ilustraciones (brillantes, eso sí) que no hacen sino acentuar la previsibilidad del relato y la obviedad de todas las situaciones en las que el kryptoniano se encuentra.

Personalmente, desearía que Ross escogiera buenos guionistas para que le escribieran buenas historias, no para obligarles a pegar textos encima de sus maravillosas páginas unidas únicamente por endebles argumentos.

Power & Glory de Howard Chaykin

2009-04-19T18:18:00.003+02:00

[Reseña sobre una miniserie de Chaykin publicada en 1994]

Con ritmo de vodevil y con bastante cachondeo a cuestas, nos presenta Chaykin esta parodia sarcástica sobre los cómics de superhéroes. Hay pechos enormes y medias ajustadas (cómo no), hay prota judío (cómo no), hay malo con canas blancas (cómo no), hay caña para el estado y las instituciones, hay incluso trama policíaca y líos amorosos, hay… en fin, lo de siempre, con un dibujo espectacular, con pocas viñetas, pero sin desmerecer en nada la narración.

A nivel de crítica del género, Chaykin tampoco lo desmenuza y lo destruye como, por ejemplo, Mills en Marshall Law. Su crítica/parodia es bastante soft y al final, no sé si conscientemente o no, cae en los defectos típicos del genero, con un final a gusto de todos que deja las cosas como estaban al principio y con una (mil) puerta(s) abierta(s) a posibles continuaciones de la saga, algo bastante poco usual en Chaykin, que suele dedicarse a alguna mini de cuatro números y a otra cosa mariposa.

Sin ser nada innovador si tiene algo de gracia y el alto nivel al que nos tiene acostumbrado Chaykin tanto a nivel gráfico, como literario.

Contest of Champions

2009-04-13T12:15:00.002+02:00

[Dos reseñas sacadas del baúl de los recuerdos]

Contest of Champions [1982] Primer Combate
Bill Mantlo, John Romita Jr, Pablo Marcos

En su afán actual de poner al alcance del lector TODO lo que Marvel ha publicado en su dilatada historia, Forum no se anda con chiquitas y llega incluso a reeditar cómics que habían visto la luz en España bajo su propia égida hace ya algunos años. Ésta y la comercial de aprovechar el posible tirón de la publicación de la más reciente Contest of Champions: Combate Final, son las únicas razones que se me ocurren para imprimir de nuevo un tebeo tan pobre, a todos los niveles, como éste.

Los diálogos son de auténtica pena (véanse especialmente los del primer número) y aunque hay un esfuerzo por transmitir la personalidad de cada uno de los personajes involucrados y de que se relacionen entre ellos según su historia pasada común (esto ya no se hace ahora, ¿verdad? ¡Ay, qué tiempos los de la continuidad y la lógica inherente del universo marveliano!) toda la historia no es más que una sucesión de luchas insulsas. Además, en el recuento de las victorias de cada grupo de héroes se mete la pata garrafalmente. Ni tan siquiera el misterio de la identidad de uno de los entes cósmicos que manipula a los personajes tiene atractivo alguno (¿no os habíais dado cuenta de que era la Muerte?).

En el apartado gráfico un algo más que bisoño Romita Jr a años luz de su calidad actual. A muchos años luz, me atrevería a decir.

Contest of Champions [1999] Combate Final
Chris Claremont, Oscar Jiménez, Michael Ryan, Eduardo Alpuente

Para mí lo único destacable de esta miniserie es que abre una puerta a la esperanza: Claremont, sin dar pie con bola en casi una década (desde mucho antes de abandonar las colecciones de la Patrulla-X, por cierto) y atosigarnos con historias y diálogos insoportables en sus recientes Cuatro Fantásticos, parece, repito, parece estar recuperando su toque.

No os engañéis, este Contest of Champions, aunque mejor que su predecesor, no es un cómic memorable: la historia está hinchada en exceso (cinco son demasiados números para tan poca chicha), sobran mogollón de páginas que tan sólo muestran resultados de combates que no hemos presenciado y la trama principal, protagonizada principalmente por Iron Man, se ve innecesaria y frustrantemente demorada entre tanta página de pelea. Leerse de un tirón este tebeo es un auténtico contest of champions para el lector. Sin embargo… Claremont vuelve a dialogar caracterizando a sus personajes sin ponerse pesado e incidiendo en una temática tan cara suya como la de las elecciones personales y los riesgos que éstas conllevan y todo esto incluso en las frecuentes escenas de lucha. Claro está que este hecho llamará a la ilusión a muchos y cansará a tantos otros que opinarán que resulta muy aburrido que Claremont siga escribiendo igual que hace veinte años, pero el caso es que ahí queda eso. Lástima que la historia, que hubiera podido ser interesante, aunque meramente entretenida, quede sepultada entre la estirada longitud y las continuas escenas de combate.

Kingdom Come de Mark Waid y Alex Ross

2009-04-12T20:08:00.001+02:00

Bajo su apariencia apocalíptica y trascendente, Kingdom Come es una historieta más bien plana, lineal y con la profundidad revisora del género superheroico de un What if… cualquiera. Las acuarelas de Ross engañan, pero no consiguen ocultar que la historia no es más que un enlazado poco apañado de escenas inconexas varias que justifican su aparición en el tebeo únicamente porque a Ross le apetecía dibujarlas. Por varias razones, resulta tristísimo que ese sea el balance final de algo como Kingdom Come.

Primero, porque una historia que se pretende crepuscular y épica como ésta hubiera podido representar para el Universo DC lo que Dark Knight para Batman. Segundo, porque la explotación de las dos concepciones de superhéroe que aparecen en el libro (la tradicional y la abanderada por los metahumanos de la primera época Image) hubiera podido dar pie a un ejercicio metalingüístico y reflexivo de lo más interesante. Tercero, porque Alex Ross dibuja muy bien y emociona ver a los superhéroes de toda la vida tan bien caracterizados gráficamente.

Por desgracia, Ross y Waid, primero: confunden épica crepuscular con dramatismo plomizo y agobiante; segundo: el enfrentamiento entre ambas concepciones es meramente físico y no ético y; tercero: Ross se dedica a dibujar decenas de personajes que no aportan absolutamente nada a la historia. A ello habría que añadir la gratuidad de la inclusión del personaje del reverendo McKay (¡Y eso que es uno de los protagonistas principales!) actuando como enlace innecesario entre escena y escena y el estúpido conflicto moral superhéroes-humanidad que Waid desarrolla cansinamente en los textos de apoyo hasta su conclusión en la absurda escena final en las Naciones Unidas.

Eso sí, la historia corta que sirve de epílogo al volúmen es una de las mejores historias jamás escritas de Batman, Superman y Wonder Woman.

The Losers de Jack Kirby

2009-04-12T12:37:00.000+02:00

Es una alegría que DC se haya puesto las pilas y se dedique a recopilar la obra de Kirby en estos fabulosos tomos en tapa dura y papel pulposo. Al Cuarto Mundo, que abrió la “serie”, le siguieron OMAC, Demon y, ahora, estos Losers.

Se podría decir que este es un Kirby ligero, menor, pero también podría argumentarse que nada en Kirby es “menor”. Lo que sí reflejan las páginas de este recopilatorio de todas las historias de los Losers de Kirby aparecidas en Our Fighting Forces, es una escala más humana y “real” que las epopeyas cósmicas a las que Jack dedicó la mayor parte de su producción. Por lo demás, todas sus constantes permanecen inalteradas: los personajes protagonistas son, en este caso, meros estereotipos, vehículos a través de los cuales contar las historias, recayendo toda la importancia en los secundarios, que son los que otorgan a cada episodio la diferencia argumental y temática; un ritmo narrativo endiablado; y un alto nivel gráfico (pese a que aquí no encontremos conceptos visuales o estéticos nuevos, o dicho de otro modo, la arqueología/tecnología de Kirby brilla por su ausencia).

The Losers no cambiará la opinión que uno tenga de Kirby en un sentido u otro, pero es un cómic muy entretenido.

Y se agradece su reedición en condiciones para que los que no habíamos nacido cuando se publicó por vez primera podamos tener la oportunidad de leerlo y apreciarlo por fin.

Heartland [1997] de Garth Ennis y Steve Dillon

2009-04-11T22:24:00.008+02:00

Probablemente sea éste uno de los spin-off más curiosos de la historia de los cómics.

Protagonizado por Kit, la novia oficial de John Constantine durante la etapa de Garth Ennis en Hellblazer, nada tiene que ver temáticamente con esta última y sí mucho con las obsesiones particulares de su guionista. Así, no hay aquí entidades demoníacas ni sucesos paranormales, ni tan siquiera mención directa a Constantine, sino una narración impecable (con Steve Dillon a los lápices) de las vivencias de la protagonista y su familia, con conversaciones bien planificadas, anécdotas curiosas y reflexiones acerca de la situación en Irlanda del Norte, todo ello aderezado con el consabido cisma familiar pretérito que se nos desvela gradualmente alcanzando su clímax en las páginas finales.

Se trata de un relato agradecido, un pedazo en la vida de sus protagonistas, contado de forma natural, sin trompicones ni sobresaltos, con una temática poco usual en una compañía como DC, incluso dentro de su sello Vértigo, y en el que Ennis aprovecha para dar rienda suelta a sus opiniones sobre la conflictiva situación en su país natal, de forma mucho más inspirada que en sus absurdas y ambiguas diatribas sobre la vida y sus aledaños en las últimas entregas de Predicador.

La única pega es la conclusión, algo deslucida dentro del conjunto, quizá por el poco mordiente que tiene finalmente el motivo por el que Kit está peleada con su hermana pequeña, y el hecho de que ésta en ningún momento llegue a hacerle sombra en las escenas que en se encuentran enfrentadas.

JLA Created Equal de Fabian Nicieza y Kevin McGuire

2009-04-10T20:06:00.007+02:00

[Rescatamos una reseña antigua e inédita de una miniserie prestigio en dos números aparecida en Estados Unidos en el año 2000, durante la etapa de Grant Morrison al frente de la serie regular de la JLA]

El éxito del trabajo de Grant Morrison en la última (hasta el momento) andadura mensual de la serie de la Liga de la Justicia ha abierto la veda a toda una serie de proyectos que pretenden subirse al carro del grupo de superhéroes de moda. Created Equal tiene la peculiaridad de reunir a Fabian Nicieza (que junto a Mark Waid abrió a su vez las puertas a la LJA de Morrison con su miniserie JLA: A Midsummer’s Nightmare) y su compinche Kevin McGuire, compañero de fatigas en la, primero irregular y luego pésima, miniserie prestigio del Capitán América. Y más destacable es, en el caso que nos ocupa, el reencuentro de McGuire con el título que le dió fama cuando aún era un desconocido, antes de sumirse en un estado de narcolepsia artística consistente en embarcarse en un proyecto inacabado detrás de otro. Exceptuando la miniserie Strikeback!, creo que lo único suyo completo que hemos podido leer desde hace 12 años es este Created Equal. Para hacer la fiesta más completa se apuntan Joe Rubinstein (uno de los principales entintadores de McGuire en la Liga y de ésta en general durante toda la época Giffen-DeMatteis) y el rotulista Bob Lappam (ídem).

Todos estos antecedentes no deben llevar a engaño: esta miniserie de dos prestigios es mala con ganas. Nicieza desaprovecha uno tras otro todos los temas interesantes que plantea la premisa argumental (la muerte de todos los varones del planeta) y no los desarrolla más que superficialmente. Hay, incluso, una clara indecisión acerca de qué personajes deben tener protagonismo de un prestigio al siguiente. Así, en el primero, se hace especial hincapié en Zatanna y Hawkwoman en sendas páginas individuales que las presentan con destacado interés para la historia. Sin embargo, Zatanna no aparece en el segundo prestigio y Hawkwoman forma parte del mobiliario. Para colmo la historia está contada con muy poca gracia (véase la triste manera de “contar” el regreso de Superman) y los diálogos son planos con ganas.

Un desperdicio inútil de 100 páginas de cómic.

FELIZ CUMPLEAÑOS MILLARFAN

2009-04-06T19:00:00.001+02:00

Nuestro ilustre miembro Millarfan, no es su verdadero nombre, ha cumplido hoy 34 años.
Debemos agradecer a Millar su vuelta al mundo de los cómics porque perdió la fe: Mark Millar ha hecho algo bien.

Millarfan tiene la cualidad de contarte un cómic o historia y conseguir hacerla emocionante e interesante. Lo único malo es cuando lees el cómic y preferieres como la ha contado él.

Es capaz de recitar un cómic entero o serie de televisión y lo vive.

A continuación voy a compartir con todos ustedes grandes frases dichas por Millarfan que atesoran sabiduría o producen risas y alegrías en ocasiones.

1 Los Ultimates pueden mirar a Watchmen a los ojos y aguantarle la mirada.

2 El recopilatorio es para las personas que no estuvieron allí (momento de publicación). Yo si estuve ahí (con la grapa).

3 Dan Didio tendría que salir y pedir perdón públicamente por lo que está
haciendo con Dc.

4 Millarfan: Felipe, me lo ha explicado todo: Smallville sería una de las 52
tierras.
Voltorine: ¿Hay 52 tierras?
Millarfan: Mierda, soy spoiler-man.
......

Existen muchas frases y ocurrencias de Millarfan. Los que le conozcais podeis ir poniendo en comentarios las que falten.

Una vez más, feliz cumpleaños brother in arms.

UN AÑO SIN CHUCK (HESTON)

2009-04-05T20:49:00.008+02:00

No era un hombre simpático, nunca lo fue. No era un hombre perfecto, pero nadie lo es.

John Charles Carter, conocido como Charlton Heston no sólo fue un gran actor que creó personajes icónicos, nobles y austeros, como Bogart o Wayne. Fue el mejor Robert Neville del cine (los siento Vincent). Cuando nosotros no estemos ya, aún se recordarán sus gritos frente a la Estatua de la Libertad o esa mirada acero azul del "número 41", que juró volver de las galeras de la nave romana y lo conseguirá.

Triunfó en todos los géneros, dejando verdaderas joyas como "El Planeta de los Simios", "El Cid", "Horizontes de Grandeza", "Cuando ruge la marabunta" o "Sed de Mal".

Luchó siempre por defender el trabajo de los directores en sus películas contra los productores manipuladores. Y se manifestó (cuando el acto no era nada popular) por los Derechos Civiles en 1961.

Hoy hace una año que murió.

Nylon Road de Parsua Bashi

2009-04-05T19:21:00.006+02:00

No creo que la expresión “la sombra de Persépolis es alargada” haya sido nunca más aplicable que en este caso.

Soy el primero en defender que la historieta necesita voces, que cada cual cuente la historia que lleva dentro, independientemente de que esa historia sea de corte autobiográfico, legendario o lírico y también siendo indiferente la forma en que se decida a plasmarla en imágenes y palabras. Necesitamos, como medio, que cada cual haga su cosa, no repetir lo mismo una y otra vez. Cuantos más intentos en ese sentido, a más público llegaremos, más rico y variado nuestro repertorio y más gente empleará el cómic como medio de expresión.

Siguiendo este razonamiento no se puede criticar a Bashi, porque decididamente se centra en contar lo suyo. El problema viene cuando cuentas tu vida y tienes el mismo sexo, nacionalidad y parecida historia vital que Marjane Satrapi. Entonces tu tebeo autobiográfico se convierte en un reflejo de otro, en la sombra de la vida de otra persona, en, como si dijéramos, una nueva versión más pobre de otro superhéroe cuyas aventuras ya conocemos. Porque sin entrar a valorar, evidentemente, las vivencias de la autora, Bashi no es una buena historietista (como sí lo es Satrapi) y ni siquiera tiene un dibujo “curioso” y que al menos da el pego (como Satrapi), sino que es directamente malo, aunque perfectamente claro y transparente respecto a lo que pretende contar. Su principal logro es el mecanismo narrativo por el que trae a la palestra sus recuerdos y que consiste en hacer que su yo actual (en el momento de escribir la historia) entable conversación con las Parsua pasadas en una discusión continua sobre lo acontecido en su vida.

La narración es tan fotográfica como el dibujo y se limita a contar lo que sucedió sin aderezos dramáticos de ningún tipo, atreviéndose a que sea el lector el que juzgue cuándo y si debe emocionarse, aprender o cabrearse. Esta elección en el tipo de enfoque acaba volviéndose en contra del tebeo cuando se incluyen anécdotas que no tienen ningún tipo de sentido en el contexto del discurso (ni ningún tipo de gracia, tampoco) y llega a su punto álgido en un final digno de película de los Monty Python, en el que la autora literalmente ya ha acabado de contar su vida y no sabe cómo concluir satisfactoriamente el libro.

No es, per se, un mal cómic, en general, ni un mal cómic autobiográfico, en particular, pero no resiste la comparación con su más inmediato referente.

1985: UNA CARTA DE AMOR A LA MARVEL DE LOS 80

2009-04-02T18:05:00.008+02:00

“En 1961 Stan Lee y Jack Kirby crearon el Universo Marvel. O eso creían.”

Estamos en el año 1985. Un niño llamado Toby descubre en los comics una vía de escape al divorcio de sus padres (“cualquier problema de la vida podía resolverse en 24 páginas”). Un nuevo universo se abre ante él: Spider-man está saliendo con la Gata Negra, Hulk es inteligente, John Byrne está al mando de los 4F, Tormenta ha cambiado de peinado y actitud, hay una Miss Marvel negra y por si fuera poco, los héroes y villanos más importantes del Universo Marvel han sido trasladados a un planeta artificial por un ser llamado “Beyonder” y obligados a enfrentarse hasta que sólo quede en pie uno de los bandos en una batalla que se ha denominado “Secret Wars”.

Pero…¿y si el Universo Marvel existiera de verdad? Más aún ¿y si los villanos de ese Universo encontrasen una puerta al nuestro y decidieran cruzarla? ¿Quién se opondría a ellos? ¿Quién les impediría que tomasen el control de nuestro mundo o lo destruyesen?

En lo que a mi respecta, los años 80 fueron los mejores en cuanto a cultura popular: los comics, la música y el cine dieron verdaderas maravillas y obras maestras en sus diversos géneros.

¿Os acordáis de esas películas de los 80 como “Los Goonies”, “La Historia Interminable”, “Noche de Miedo”, “Aguila de Acero”, ”El vuelo del navegante” o “Juegos de Guerra” o “Starfighter”?

¿O aquellas películas de terror ochenteras memorables que nos dejaron como la saga de Freddy, o las inolvidables “La Niebla”, “La Cosa” o “Miedo Azul” en las que un terror de otro mundo entraba en el nuestro?

Eran películas algunas originales, otras basadas en libros en los que un joven o grupo de jóvenes cualquiera como tú o yo, se veían envueltos sin comerlo ni beberlo en un gran peligro que a la vez se constituía una amenaza para su vida, su familia, sus amigos, su barrio, su país en una conspiración interdimensional. El joven, con su esfuerzo y destreza no exenta de sufrimiento por el camino conseguía enfrentarse la amenaza y convertirse en un verdadero héroe.

Pues de esa premisa parte 1985.

Todos sabemos que hubo un antes y un después en el mundo del cómic americano en el año 1986. No hace falta expliquemos aquí lo que suspuso Watchmen y/o The Dark Knight Returns. 1985 abarca ese momento previo, pero con la oscuridad y realismo del final de esa década. Mención especial para Tommy Lee Edwards. Su trabajo aquí es una maravilla, y como curiosidad deciros que físicamente, él es el padre de Toby en el comic.

Hasta Siempre, Lorne

2009-04-01T10:04:00.005+02:00

Hace varios años, A3 terminó de emitir (tarde y mal) la primera temporada de Angel los sábados noche. Pasaron los meses y no se supo más. Yo no tenía canal FOX, ni había noticias de que fueran a editar más temporadas en DVD.

Conseguí hacerme con la edición alemana de la segunda temporada, con subtítulos en inglés. Llegué a casa corriendo, emocionado desprecinté el pack, abrí la caja coloqué el dvd en la bandejilla, entró y pulsé play al primer episodio, se titulaba “Judgement”. Y lo primero que aparece en pantalla es un demonio verde, con micrófono en la mano y con una voz hipnótica cantando “I Will Survive”.

Se llamaba Lorne, era un personaje lleno de carisma, estilo y sensibilidad. Se convirtió en lo mejor de la serie, junto con Wesley, sin desmerecer al gran elenco de personajes. Se mantuvo en una zona de luz mientras el resto de los personajes fueron cruzando líneas de oscuridad insospechadas e inesperadas para los héroes de ficción. Sin lugar a dudas el éxito del personaje se debió a la soberbia y fascinante interpretación del actor Andy Hallet.

Andy Hallet nos ha dejado. Su corazón ha fallado a los 33 años. Parece ser tenía una enfermedad que ya le costó un buen susto en 2004, durante el rodaje de la última temporada de Angel.

Descanse en Paz.

http://www.youtube.com/watch?v=glLWdVlWsUM&feature=related

Spectacular Spider-Man Animated Series [¡Actualizado!]

2009-03-29T20:00:00.007+02:00

Acabo de ver los tres primeros episodios de la temporada inicial de Spectacular Spiderman Animated Series. Cosas curiosas:

-Está basada predominantemente en la etapa Lee-Ditko del personaje (con algunos toques de la versión peliculera y de la Ultimate). Aparecen, por ejemplo, Betty Brant, Liz Allen (¡incluso llama a Parker Petey!), los Enforcers... Los episodios acaban con la telaraña sobre fondo rojo proyectada sobre la última imagen del capítulo.

-Las caras de los personajes, especialmente los ojos, les dan una feeling de, no sé, figura de... ¿Lego? ¿Playmobil? Al mismo tiempo, algunos perfiles me recuerdan a algún dibujante de estilo sencillo y autobiográfico francés. Y otros a Humberto Ramos. Ah, the mind wanders...

-Los villanos suelen ser presentados en grupo o por situación. Así, los Enforcers obedecen a Cabeza de Martillo, que sigue las órdenes de un jefe en la sombra (presumiblemente Kingpin), en cuyas operaciones también está implicado el futuro Sandman. Por otro lado tenemos a Osborn, que es el responsable indirecto de que el Buitre emplee sus alas para el “mal”. Y por último, el laboratorio de Curtis Connors es el escenario del accidente que convierte a Max Dillon en Electro y posibilita la transformación de Connors en el Lagarto. ¿El ayudante del buen doctor? Un tal Eddie Brock. Grandes cosas en el futuro de este chico, seguro.

-La interpretación del personaje de Gwen Stacy, alejado del tradicional acercamiento al mismo.

-La cantidad de cosas y situaciones que se presentan en tan sólo 20 minutos, cosa que se echa de menos en los tebeos de superhéroes actuales (bueno, que echaría de menos si los leyera).

A ver cómo sigue la cosa.

[Actualización]

Pues la cosa, sigue, y acaba, muy, muy bien.

-Al final del cuarto episodio los realizadores incluso toman prestada una idea del Marvel Knights Spiderman de Millar, lo que acaba redundando en la creación de aún más cantidad de supervillanos y, de paso, en un oscurecimiento del tono general de la serie.

-A partir de ahí, la serie es toda una concatenación de tramas y aventuras que lleva hasta unos emocionantes capítulos finales, jugando con todo el bagaje historietístico del trepamuros (Veneno, el traje simbionte, Felicia Hardy, además de todo lo que ya comentamos en la primera parte de este post), pero sin caer en el homenaje salivoso, la reinterpretación irreverente o la repetición rutinaria y monótona, demostrando que se puede contar la historia (o historias) de siempre por enésima vez si uno tiene el interés, el talento y los medios disponible para ello.

-El equipo de Spectacular Spider-Man, al igual que el de las aventuras animadas de personajes de la DC, no "adapta" cómics en el sentido literal del término y aunque tampoco esté creando material original, sí que está claro que, por lo menos, consigue hacer "su propia cosa" en referencia al mito del Hombre Araña, generando un producto de entretenimiento impecable que a uno ya le gustaría haber visto cuando fue al cine a tragarse cosas como los dos Hulks, Daredevil y toda la pesca.

¡Felicitaciones a todos los implicados!

Watchmen: Adaptando lo Imposible

2009-03-26T10:18:00.008+01:00

Para que incluso los que no hayan leído el cómic tengan una idea más o menos fidedigna de las dificultades que entraña llevar a la pantalla una obra como Watchmen, vamos a poner un ejemplo bastante esclarecedor. ¿Se imaginan lo complicado que sería condensar una temporada completa de una serie de televisión en una película de tan solo dos horas y media? Teniendo esa imagen en mente, ahora están en mejor disposición de comprender los defectos y virtudes del Watchmen (2009) de Zack Snyder.

En tales condiciones, era imposible hacer justicia al original, pero opino que Snyder y su equipo han hecho la mejor adaptación que era humanamente posible. Su respeto y fidelidad por el cómic de Alan Moore y Dave Gibbons es innegable y la recreación visual y la elección del reparto y su trabajo (con la excepción de Matthew Goode) se merecen un 10 (como mínimo). Todo lo que vemos en pantalla, a excepción de parte del desenlace, sigue al pie de la letra la obra de los británicos y pese a que buena parte de la misma queda fuera del metraje por razones logísticas (en caso contrario el film duraría 20 horas), nada de lo que se incluye contradice el material que se ha decidido “extirpar”.

Estos son sus merecidísimos logros. Los peros: esta fidelidad, a nivel fílmico, acaba ahogando la película. Se incluye tanto tebeo, que tengo la impresión que no se deja respirar ni a los personajes ni a la historia, de forma que esta fluye de forma desigual, incluyendo tal acumulación de información que es capaz de aturdir al espectador. Es una buena adaptación, pero no sé si es una buena película.

Y como adaptación también tiene sus puntos discutibles: la eliminación de los personajes que no llevan mallas, que en el tebeo eran tan o más importantes que los otros y que le daban una dimensión aún más humana a la obra; y la utilización de la violencia para fines puramente comerciales. En el cómic, las escenas de acción siempre operan dentro de los límites de la realidad. En la película, tenemos a gente corriente y moliente destrozando muros a puñetazos y pegando patadas que proyectan a sus oponentes a cinco metros de distancia.

En cualquier caso, háganse un favor a sí mismos, tanto si les gustó la película como si no: lean el cómic. Vale mucho la pena.

[Texto a aparecer en la revista gratuita Fancine]

Guillem March, dibujante regular de la nueva serie "Gotham City Sirens".

2009-03-24T16:22:00.005+01:00

Menudo pedazo de caramelo acaba de anunciar DC para Junio 2009.

Guillem March, ilustrador mallorquín y autor de maravillas como "Laura" y "Días Grises" será el dibujante de regular de la nueva serie ambientada en el batverso pero centrada en las féminas de la ciudad de Gotham: Gotham City Sirens.

El guión estará a cargo de Paul Dini (de quien sobra presentaciones), escritor de muchos episodios de la serie animada de Batman así como de la serie madre regular del Murciélago, Detective Comics, en los últimos dos años.

Aún no se han publicado en nuestro país los primeros trabajos del dibujante mallorquín para DC, que han consistido en una historia en dos partes en Detective Comics escrita por Dennis o´Neill y un especial centrado en Poison Ivy con guión de J.T. Krul, pero aquellos que los hemos leído podemos augurar grandes días a la franquicia del Murciélago.

Desde aquí nuestra más sincera felicitación.

Watchmen ha recuperado el dinero que costó su producción.

2009-03-23T11:23:00.006+01:00

Con un presupuesto de 150 millones de dólares (sin incluir campaña de publicidad) la película de Zack Snyder ya ha recaudado a nivel mundial unos 158 ,2 millones.

En las últimas semanas se ha desinflado en el Box Office quedando relegada al 5º puesto.

No obstante aún queda Watchmen para rato, tanto en la comercialización del DVD cinematográfico como el/los montaje/s del Director.

GREEN ARROW Y CANARIO NEGRO 1-2. DESPUÉS DE LA BODA.

2009-03-17T10:39:00.004+01:00

Relanzamiento desde el número 1 de Green Arrow, esta vez compartiendo cabecera de título con Canario Negro. Personalmente creo innecesario este reinicio, ya que podría haber sido perfectamente el número 76 de la serie regular que acabó tras 75 números de andadura en USA. Para la edición española, preguntad mejor a vuestro librero, porque es complicada la cosa.

Esta saga continúa la historia en el mismo punto en que lo dejó la colección anterior. El guionista es el mismo y el dibujante, un brillante Cliff Chiang, que dudo esté aquí muchos números puesto que su carrera es muy itinerante, saltando de una serie a otra. Qué curiosas son las “Didiadas”. A la serie Hawkman le cambia el título, guionistas y dibujantes y pasa a titularla Hawkgirl (con la numeración de Hawkman!). A Green Arrow le mantiene el guionista, personajes y tramas y lo renumera. Sigh.

Como es normal en estos días se estira la saga cuatro números, se lee bien y los personajes están bien caracterizados. Hay una serie de sucesos en la historia, que producirán cambios en la vida de los personajes, y nos dejarán con ganas de ver qué va a pasar ahora. A pesar de intentarlo, la historia no llega a emocionar todo lo que podría haberlo hechoo y presenta una subtrama con villanos que nada tienen que ver con Green Arrow, pero que tal vez puedan dar lugar a una historia interesante en el futuro.

Lo mejor es el dibujo de Chiang sin ninguna duda.

Aquéllos que queráis subiros a la serie ahora, deberíais pillaros el número 9 de la anterior serie y estaréis perfectamente ubicados (y además está dibujado por Amanda Conner), pero sabed que toda la etapa que comprenden esos nueve números previa al actual y situada un año después de la “Crisis Infinita” es muy recomendable.

La última vez que leí Watchmen

2009-03-15T11:31:00.005+01:00

-Pensé que no era un cómic de superhéroes. Es un misterio del asesinato, una distopia, una reunión de viejos conocidos, la magdalena de Proust (¿el terrón de azúcar de Proust?), pero no es un cómic de superhéroes. Por lo menos hasta que... Laurie y Dreiberg se ponen los trajes para salvar a la gente del incendio y, sobre todo, van al rescate de Rorschach. A partir de ese momento no sólo se desliza abiertamente en el género sino que, guau, menuda historia de superhéroes (la escena de la prisión es donde acelero el ritmo de lectura de Watchmen siempre que lo releo). Después del tono no heróico de los primeros números, de la impresión de realidad, del costumbrismo imperante, cuando finalmente actúan como héroes enmascarados el contraste da mucho más valor a sus heroicidades y hazañas, por que todo lo anterior nos dice que lo que ahora vemos no es cabal: ¡los héroes no son posibles! ¡Sus acrobacias científicamente imposibles! No sólo son héroes por los valores que defienden, son SUPERhéroes porque vencen el paradigma de realidad imperante, lo que imbuye sus acciones con un sense of wonder inherente al género cuando está bien hecho (y cuando lo leíamos de niños y no nos habíamos vuelto unos cínicos empedernidos), remitiéndonos a aquellos días de infancia/juventud (Nostalgia by Veidt) en los que volábamos con nuestra imaginación.

-Pese a que sólo existan un puñado de enmascarados en activo, parece que es suficiente para provocar una multitudinaria protesta que lleva a la promulgación del Acta Keene. ¿Acaso existen más vigilantes de los que aparecen en Watchmen, de manera que pueda justificarse este hecho? Creo que si hubiera más héroes encapuchados, teniendo en cuenta lo meticuloso del trabajo de Moore, aparecerían en la obra o como mínimo se referiría a ellos de algún modo en la misma, por lo que creo que esto es un error en el trabajo de construcción del mundo que lleva a cabo el guionista. Aunque...
Tal vez se pueda racionalizar este “punto flaco” suponiendo que los héroes no son más que los chivos expiatorios de toda una serie de inquietudes y desazones sociales, civiles y económicas en el seno del país, por lo que su número en realidad no importa. Son el “enemigo”, el hombre del saco, el catalizador de todo un conglomerado de situaciones que nada tiene que ver con ellos, pero por las que acaban pagando el pato.

-El trabajo de Moore ha sido definido como el de un relojero, pero el de Gibbons es el de un arquitecto en el sentido literal del término. La edición Absolute da una nueva dimensión a la obra y abre la puerta, aún más, a que el lector se introduzca en los escenarios visualizados, delineados, construidos por el dibujante. Me daba la impresión de que podía entrar en su Nueva York alternativo y recorrerlo como si fuera una ciudad real.

-Es un sortilegio, un acto de adivinación. Moore nos dice lo que pasará en el género de superhéroes después de la publicación de la obra: la línea entre héroes y villanos se volverá difusa, hasta desaparecer, imperará el cuero, las armas, el asesinato y la sangre corriendo por las sucias calles, para al final desembocar todo en una nueva edad de inocencia, una vuelta a la golden age superheróica (ejemplificada por el inicio de la nueva carrera contra el delito de Laurie y Dreiberg al final del cómic). Es el paso del prototipo de superhéroe asesino de los inicios de Image al regreso del arquetipo de superhéroe abanderado por guionistas como Busiek o Waid.

¿Qué nuevas cosas descubriré la próxima vez que lea Watchmen?

Magneto Testament: Greg Pak y Carmine de Giandomenico

2009-03-12T14:00:00.000+01:00

"La historia de un joven judio llamado Max Eisenhardt
(Eric Magnus Lehnsherr)"

La finalización de la lectura de este cómic demuestra la capacidad de este medio para narrar historias que sirven para denunciar las atrocidades de nuestra historia pasada y reciente: el S XX y el holocausto nazi contra los judios.
Los lectores que esperen ver a Magneto y el uso de sus poderes no encontraran satisfechas sus expectativas, pero si deciden permanecer descubrirán los hechos que llevaron a Magneto a convertirse en uno de los personajes más interesantes.
Realmente el cómic narra la historia de un joven judío que vivió y padeció el ascenso nazi con la represión y posterior exterminio de su cultura y religión así como su comunidad. Es un viaje oscuro a la condición humana que muestra la barbarie y la monstruosidad que asoló Europa.

Resaltar la realización de este trabajo creativo, gestado durante varios años y consultando a Mark Weitzman y the Simon Wiesenthal Center además de abundante bibliografía , por parte de dos autores bastante nuevos como son Greg Park (autor de la interesante etapa de Planet Hulk y la macrosaga World War Hulk) y Carmine de Giandomenico (dibujante que ilustró la última historia de Jack Batallador Murdock de forma soberbia) que han dado lo mejor de si mismos, sorprendiendo mediante palabras y dibujos que transmiten el pesar, la incomprensión y la desnaturalización del ser humano en el sentido más literal. No existen pretensiones de banalizar la situación ni crear acontencimientos espectaculares sino mostrar la realidad de la época, los hechos acaecidos así como sus causas y consecuencias.

Por último destacar el buen guión de Greg Pak, consiguiendo unificar historia personal y general de manera orgánica y la habilidad para mostrarnos la evolución del personaje de una forma directa. La labor de Carmine de Giandomenico es impecable realizando una buena adaptación a la época, unos rostros que pese a la poca variedad transmiten los sentimientos e intenciones de los personajes y sobretodo una atmósfera creíble con el paso de la luz de la juventud a las tinieblas de la adolescencia y los campos. Su estilo es muy personal y muy difícil de encontrar parecido en el actual panorama estadounidense. Acompañado en el color de Matt Hollingsworth el cómic consigue transmitir y crear la atmósfera anteriormente mencionada. Las portadas de Marko Djurdjevic son impactantes y efectivas mediante la evolución de cada una que es la del personaje y su situación.

Magneto Testament es una lectura recomendable y apta para ser leida y estudiada en colegios e Institutos como material didáctico como el caso de Maus de Art Spiegelmann.

Panini publicará este año el cómic en un tomo y también puede pedirse en el Previews de este mes.

The Nevermen de Phil Amara y Guy Davis

2009-03-04T11:20:00.001+01:00

"LOS GRANDES HÉROES QUE NUNCA EXISTIERON"

La editorial Dark Horse conocida por albergar diversas colecciones y temáticas publicó durante el año 2000 la miniserie The Nevermen.

La serie está enmarcada en los años 30 con edificios monumentales, aviones de hélice y varios elementos más que crean la atmósfera perfecta para esta historia que pertenece al género de detectives pero combinados con ciertos elementos futuristas y pulp: robots, científicos locos, científico sabio que dirige la ciudad desde el edificio más alto...

La historia trata sobre un misterio que los Nevermen, vigilantes de la ciudad que actuan en secreto y visten gabardinas con sombrero y gafas nocturnas, deben descubrir y que les llevará a descubrir un secreto que les cambiará la vida para siempre. La serie alberga bastantes personajes: una cabeza andante, un maniquí robótico, un Nevermen inhumano, un muerto muy vivo... que se integran perfectamente en el relato y aportan riqueza argumental porque todos están interconectados en una conspiración.

El dibujo de Guy Davis es excelente logrando unos escenarios detallados y unos personajes bien diseñados con una narrativa gráfica muy buena y por último una utilización del color bastante acertada y que realza el dibujo.

La serie contó con una continuación en 2003, Nevermen Streets of Blood, que relata las consecuencias y descubre secretos del pasado de cierto personaje convirtiendose en el motor de la miniserie de tres números que cuenta con el mismo equipo creativo repitiendo las virtudes de la miniserie anterior. Es la conclusión perfecta para estos personajes.

Darkhorse recopiló la serie en sendos tomos. Si podeis leerlos pasareis un rato divertido y disfrutareis de un buen dibujo.

Se va Pepe...

2009-03-01T21:37:00.002+01:00

... y yo sin enterarme.

Pepe Rubianes, el inigualable, ha muerto a los 61 años víctima de un cáncer de pulmón que anunció hace unos meses que padecía.

Para mí, Rubianes era el Maki, era el entrevistado de la entrevista más larga de la TV, era Rubianes solamente.

Aún habrá quien se alegre porque todo lo que sabe o quiere recordar de él son unas declaraciones que muchos no tienen ningún interés en contextualizar. A ésos, a quienes se alegran (la de cosas que he leído en un momento por internet), a quienes no consienten otra cosa que lo que les gusta, a quienes les importa más la idea abstracta de un país que una persona, les digo que se metan sus retrógradas ideas en el puto culo a ver si les explota dentro y les quedan los huevos colgando del campanario.

Primeras Impresiones: Batman de Grant Morrison

2009-03-01T12:09:00.006+01:00

Le tenía bastante miedo al Batman de Morrison. Como escribí aquí, su trabajo en los últimos años me ha decepcionado bastante. Pero leída de un tirón, que es como mejor se disfruta, su etapa para la serie del Hombre Murciélago me ha dejado con buen sabor de boca. Es una lectura compleja, que requiere de segundas lecturas, así que después de una lectura rápida y superficial, tan sólo unos apuntes rápidos:

-El primer arco argumental es aceptable, no hay nada que indique que lo esté escribiendo Morrison (aparte de su nombre en los créditos), con la posible excepción del juego narrativo-gráfico con los cuadros de pop-art que ejecuta en el enfrentamiento de Batman con los Man-Bat en la galería de arte. El dibujo de Kubert es espectacular y, como siempre, normalmente arrítmico y, a veces, confuso, por no hablar de cuando dibuja a chavales con cara de adulto, o a Bruce Wayne como si tuviera 60 años.
-Poco a poco la cosa va entrando en calor, con la saga de los policía-Batman y el número 666 de la serie americana. Tony Daniel es un artista mediocre, que a veces se muestra influido por Jim Lee, a veces no y a veces le plagia splash-pages directamente.

-Ah, me salté el número que no es un cómic, el del relato en prosa con atroces ilustraciones (o algo parecido) de John Van Fleet, o sea que no tengo nada que aportar al respecto.
-El apartado gráfico mejora en la saga dibujada por J.H.Williams III, lo que no extrañará a cualquiera que conozca el trabajo de este magnífico ilustrador y dibujante, lo que no salva, en ocasiones, a sus originales puestas en escena y diagramaciones de página de ser algo difíciles de leer. La saga en sí está bien, introduciendo personajes vitales en el desarrollo de futuros (y pasados) acontecimientos, pero la introducción de héroes olvidados y toda la pesca, tan cara a Morrison, ya hace tiempo que dejó de sorprenderme y lo acepto como uno de sus tics, pero me cansa bastante.
-Los números integrados en el cross-over de la Resurrección de Ra’s al Ghul, no tienen ninguna traza de la maestría del guionista y no se distinguen de un guión malo de Chuck Dixon perpetrado en cinco minutos (añado lo de malo, porque estoy seguro de que Dixon ha escrito guiones buenos en cinco minutos o menos). Serían perfectamente obviables de no ser porque incluyen sucesos que serán clave más adelante.

-El resto, concluyendo con la saga Batman R.I.P., añade los elementos restantes y recoge todos los ya presentados para enlazarlos de forma coherente, como suele hacer siempre Morrison, y los lleva a su lógica conclusión. Aún así, quedan cabos sueltos, hay cosas que quedan demasiado ambiguas para ser consideradas una conclusión satisfactoria y la propia concepción de la etapa tiene un alto componente metafórico y un enfoque estilo puzzle acerca de lo que realmente sucede como para que todo se pueda interpretar de forma literal, pero la experiencia es lo suficientemente entretenida como para prepararse para un relectura en el futuro. Además, para el que no lo supiera, se nos aclara que Tony Daniel es malo, pero no tanto como Ryan Benjamin.
-En resumen: esperando una serie de aventuras estúpidas de Batman luchando contra Man-Bat ninja (como me habían hecho esperar algunos comentarios), me he encontrado con un tebeo entretenido, bien pensado y que hace que tus neuronas se entretengan siguiéndole el juego a Morrison hasta el último número. Ahora me toca enfrentarme con su Final Crisis. Veremos.

Tales of The Black Freighter en DVD en España el 24 de Abril.

2009-02-27T10:10:00.004+01:00

Leemos en la prestigiosa web Zonadvd que el día 24 de Abril, un mes después que en USA, estará disponible en alquiler en nuestro país en dvd "Relatos del Navío Negro", la historia de piratas que se desarrolla en las páginas de Watchmen como un "comic dentro de otro comic". El dvd también incluirá "Bajo la Máscara" la historia de Hollis mason, el primer Búho Nocturno.

Una gran notica sin duda.

Watching the Watchmen de Dave Gibbons

2009-02-26T10:37:00.003+01:00

Echar un vistazo al proceso creativo tras Watchmen es todo un lujo. Después de los interesantes apuntes de Moore en el material adicional que aparece en la edición Absolute del cómic, es interesante ver los pensamientos de Gibbons sobre temas como el color, el proceso de producción, la recepción de la obra cuando se publicó y, en general, el ambiente de trabajo y el marco temporal/editorial en el que estaba inmerso cuando dibujaba lo que se convertiría en su tebeo cumbre.
Las anécdotas se suceden y algunas hay que leerlas para creerlas, como la bolsa de supermercado con un smiley que Archie Goodwin les envió camuflada como la carta de un aficionado o las anotaciones de Alan Moore a una carta de agradecimiento enviada por Jenette Kahn. Otras historias tienen más miga, como las de las personas a las que Gibbons accidentalmente enganchó a Watchmen o su decisión de no volver a pensar en que ya había vendido todos los originales del cómic antes incluso de empezar a dibujar el último número (lo que en su momento fue un chollo, porque, claro, ¿cómo se iban a cotizar al alza páginas sin acción, de gente hablando sin parar y paseándose de un lado a otro?).
El resto del discurso del dibujante se centra, por supuesto, más en los aspectos artísticos, donde nos muestra su repertorio de telas con manchas aleatorias de Rorschach preparadas para copiar en la máscara del personaje cuando éste apareciera (para favorecer la aleatoriedad de las manchas), los diseños de los escenarios donde transcurre la obra (con especial énfasis en las cuatro esquinas más famosas de la historia de los cómics), el diagrama de aparición de la “amenaza final” en Nueva York (de forma que le permitiera saber en qué formas exactas penetraba en los edificios circundantes, para hacerse una idea de cómo tenía que dibujar las splash pages correspondientes) y un largo etc.

El texto está escrito con humor y soltura (excepto la página donde nos habla de los tipos de lápices que empleaba, que es un coñazo) y se lee de una sentada. El libro está impecablemente diseñado, maquetado e incluye un apéndice final donde se incluyen traducciones a todos los textos en inglés. Al ser una visión exhaustiva de todo el material original restante en posesión de Gibbons, lo que el denomina jocósamente “Watchcrap”, hay una decisión de edición un tanto discutible y es la inclusión de absolutamente todos los bocetos en miniatura de todas las páginas de todos los números de la maxiserie. Esto multiplica el tamaño del libro más de lo deseable, porque son páginas que se acaban pasando sin más, pero se suele aliviar con una elección de diseño que intercala versiones alternativas de portadas abandonadas, bocetos de situaciones y textos adicionales que aligeran una carga que se sabe pesada, pero al tiempo necesaria, porque se considera que el libro es la última palabra al respecto de la reproducción de ese material (Gibbons bromea con que ahora que ha compartido su Watchcrap, la volverá a guardar en su caja o la venderá en ebay).
De la traducción casi mejor no hablar, porque no tengo Watching the Watchmen delante cuando escribo esto, ni tampoco fui subrayando los errores mientras lo leía, pero, por poner el ejemplo que recuerdo, he de decir que cuando en inglés “the authors meet the deadlines”, significa que los autores “cumplen” la fecha de entrega, no que se “encuentran” con ella.
Y como último apunte: Gibbons no habla de los problemas que Moore y él tuvieron con respecto a los derechos de la obra ni de las discusiones sobre los porcentajes que les correspondían sobre el poco merchandising que llegó a aparecer a finales de los 80 (aunque eso sí, aprovecha para desquitarse a gusto acerca de que John Higgins no cobrara royalties por Watchmen hasta que colaboró en el recoloreado de la edición Absolute). Si queréis conocer la razón que da Gibbons para ese silencio, tendréis que leer el libro.

Increíble: Smallville tendrá Novena Temporada

2009-02-25T16:54:00.005+01:00

Yo me bajé en la quinta porque sentía que la cosa ya no daba para más pero descubro hoy sorprendido que el show ha sido renovado una vez más con Tom Welling a la cabeza (y sigue sin usar gafas).

Creo que junto a "Urgencias" (que ya finaliza) y "CSI" es el show más longevo en la TV americana actual.

Pensamientos: Los Eternos de Jack Kirby

2009-02-25T15:34:00.005+01:00

Durante los cinco ó seis primeros números de los Eternos, Kirby se mantuvo argumentalmente concentrado en esta serie. Es decir, parecía una serie normal en la que lo que pasaba apuntaba en una dirección determinada. Pero tan pronto como me percaté de este hecho la cosa se deshizo en el habitual marasmo de ideas, subtramas y personajes que al final no llevan a ninguna parte. Que la serie cerrara en su número 19 no fue el principal motivo de que quedara inconclusa, porque a tenor de lo que estaba haciendo Kirby, aunque hubiera durado 50 números más, no parece que tuviera la menor intención de retomar hilos narrativos e ir cerrando los múltiples senderos que había comenzado a transitar y dejado abandonados a medio camino.
Como ejemplos se pueden citar a los Desviantes, que pasan de tener el papel de malos malosos, de ser uno de los componentes de la tríada evolutiva, junto a los humanos y los Eternos, creada por los Celestiales en la Tierra, a desaparecer literalmente de las páginas de la obra.
O también el proceso de formación de la Unimente, que amalgama a todos los Eternos para una supuesta comunicación con los Celestiales, pero que cuando se vuelve a disolver en sus componentes individuales no se nos muestra que haya efectuado absolutamente ningún contacto con ellos o, por qué no decirlo, ninguna otra acción más que unirse para acto seguido separarse sin más.
Por no hablar de algunas de las asunciones más ilógicas que se pronuncian, como la defensa a ultranza de los Celestiales, cuando el objetivo de estos es ni más ni menos que juzgar si aniquilan o no toda la vida sobre el planeta. Ante esto, lo que se nos presenta como los antagonistas malvados de los Eternos, los Desviantes, se deberían erigir en realidad como los héroes incomprendidos, ya que fueron víctimas de genocidio por parte de los Celestiales en una de sus anteriores visitas, y lo que buscan ahora es venganza y un nuevo exterminio, aunque sea manipulando a la raza humana para que luche contra los extraterrestres. En este entorno, es parcialmente justificable, debido al tono mítico de la obra, ver a los Celestiales como lo que son, entes más allá de la comprensión humana, pero por otro lado, la mentalidad de oveja que asumen los Eternos y sus compañeros humanos, ante la posibilidad de ser exterminados en un futuro no demasiado lejano es algo chocante.
Todo este tipo de inconsistencias e irregularidades no extrañarán a quien conozca mínimamente la obra de Kirby, como tampoco las múltiples apariciones de otros conceptos ya tratados por el autor en sus cómics anteriores. Así, el Eterno bromista Sprite, parece un émulo no malévolo de Loki (su traje también es verde y amarillo); Zuras, el líder de los Eternos, es un remedo del Highfather de New Genesis (y de hecho, en una ocasión se le llama directamente así, “high father”); toda la mitología de la serie, en general, exuda ecos del Cuarto Mundo y del Asgard marvelita creado por Lee y Kirby en la serie de Thor.

Lejos de ser un lastre, todo lo anterior, no deja de ser parte de lo que me gusta leer cuando leo un cómic de Kirby. Que posiblemente fuera una de sus series más dispersas y con más cabos sueltos (y con una saga final con un Hulk robot digna del olvido) no empaña el hecho de que sus visiones siguieran siendo igual de atractivas que siempre. La Unimente no tiene ningún efecto narrativo, pero sí sirve uno dramático: hace que se reúnan todos los Eternos desde todas las partes del globo; que sobrevuelen la arquitectura de su ciudad madre; que se fundan en la Unimente; que aspiren a comunicarse con entidades tan incognoscibles como los Celestiales en el proceso; que se nos muestre a los humanos como testigos/participantes para añadir una perspectiva aterradora/iluminadora ante la unión; y que finalmente todo vuelva a la normalidad, pero con la sensación de que tanto Eternos como los humanos involucrados han compartido una experiencia.
Y eso es lo que solía/suele dar Kirby: experiencias, normalmente a escala épica y cósmica, independientemente de que tratara historias de gángsters o de dioses. La potencia creativa tras unas y otras era la misma (dependiendo claro, del tiempo y las condiciones en las que las elaborara, no estoy diciendo que todos sus trabajos sean buenos).
Por eso, por creer en lo que contaba, es relativamente poco importante que, como he dicho, los Eternos tenga partes ya sabidas, ya contadas, porque Kirby siempre tenía sitio para una nueva iteración, para un nuevo lugar que aún no se había visitado. Aquí las visiones de los Celestiales son de auténtico vértigo, los diseños sacados de un futuro que aún no ha llegado y puede que no llegue (¡y eso que hablamos de criaturas cuya existencia se remonta al alba de los tiempos!), el mundo submarino de los Desviantes se erige con identidad propia frente a su, no exacta, contrapartida de Apokolips, etc.
Por supuesto, que la serie contara con entintadores capaces y con un Kirby en plena forma, ayuda a que el aspecto visual sea original y que figure entre lo mejor y más consistente del autor, frente a otras obras en las que la calidad de su línea variaba de número a número o era pervertida según el entintador que le tocara en suerte.
En definitiva, los Eternos tiene lo mejor y lo peor de Kirby, como suele ser habitual en muchas de sus obras. Para mi es altamente disfrutable, tanto por hollar caminos nuevos, como por transitar por otros familiares y por mostrar un aspecto gráfico impecable.

Esperando Watchmen

2009-02-24T15:14:00.006+01:00

Los aficionados al cómic normalmente no se conforman con ver cualquier adaptación de su obra preferida al cine. O bien, se van al polo opuesto y se conforman con cualquier cosa con tal de ver su tebeo favorito proyectado en pantalla. Independientemente de los mecanismos psicológicos que motivan ambas reacciones (y la miríada de posiciones intermedias), éstas manifestaciones extremas suelen darse sobre todo entre los aficionados al género de superhéroes, personas que llevan años invertidos (a veces desde la infancia) en personajes e historias que son muy caros a ellos y no van a dejar que una panda de ejecutivos arrastre por el lodo la reputación de su obra de ficción favorita delante de millones de personas. Las expectativas y exigencias de este público ante el producto acabado suelen ser muy altas.

Por eso, el Watchmen de Zack Snyder (2009) va a dar tanto de qué hablar. Watchmen es, para muchos, el tebeo de superhéroes con mayúsculas e, incluso, el mejor o uno de los mejores tebeos a secas de la historia. Tocar una vaca sagrada es una causa perdida en cualquier caso y lo es aún más en éste, porque las expectativas a las que hemos aludido hasta ahora están disparadas en referencia a la adaptación de la obra de Alan Moore y Dave Gibbons.
Además, Watchmen es un cómic condenadamente difícil de adaptar a cualquier medio, porque desde su propia concepción es PURO cómic, una demostración de las posibilidades narrativas y visuales del medio. Si añadimos a esto sus varios niveles de lectura y la multitud de temas que trata, la sola idea de transformarlo en apenas unas horas de cine parece una locura sólo justificable por los dividendos económicos y no por ningún criterio artístico subyacente.
Y, en este caso en concreto, no sólo tenemos que tener en cuenta las expectativas de los aficionados al cómic, sino las del público no lector al que se le ha estado vendiendo la película ni más ni menos que como la adaptación al cine del mejor cómic de la historia. ¿Cómo reaccionarán ante la obra de Snyder? ¿Cómo reaccionarán ante el cómic si lo leen atraídos por la película?
¿Será una buena adaptación? ¿Tendrá un espíritu propio? ¿Estará Snyder a la altura del original? ¿Estará el público lego en la materia a la altura del cómic?
Lo sabremos después del estreno.

[Texto a aparecer en la revista gratuita Fancine]

Felicidades, Heath

2009-02-23T18:25:00.005+01:00

Para aquéllos que amamos al Murciélago

Serás perpetuamente la encarnación definitiva de su mayor antagonista

Has Escrito tu nombre en la Historia del Séptimo Arte

Ahora y Siempre eres Inmortal

JAZZ MAYNARD 1-3 de Roger y Raoule

2009-01-30T17:39:00.002+01:00

Hace Diez años, Jazz Maynard, un joven delicuente del barrio barcelonés del Raval con un don natural para tocar la trompeta, se marchó a los Estados Unidos en busca de fama y fortuna.

No le ha ido mal, trabaja en NY y puede vivir haciendo lo que más le gusta, ser trompetista de jazz. Hasta que una nota escrita del puño y letra de su hermana que le es entregada cuando está a punto de iniciar una actuación trastoca su realidad, y le aboca a una cadena de asesinatos, persecuciones, robos, tramas de corrupción política, reencuentro con antiguos amigos y amores que componen un excelente relato gráfico en tres partes a cual más sorprendente.

Magníficamente escrito, dibujado (y coloreado), las páginas de Jazz Maynard nos invitan a deleitarnos en los incisivos diálogos de sus oscuros personajes, sus poderosos dibujos y su perfecta narración.

Los personajes (tal vez demasiados) están perfectamente caracterizados, en seguida están ubicados dentro de la historia, sabemos quiénes son y hacia donde van (o parecen ir). Giros argumentales, acción a raudales y en la última página del tercer tomo, ya te asalta el deseo de ver la próxima entrega, la cual esperaré con impaciencia.

Felicidades a Diabolo ediciones. La edición es impecable.

Heath Ledger, Nominado al Oscar como Mejor Actor de Reparto

2009-01-22T16:51:00.003+01:00

Cuando se cumple justo un año de su fallecimiento, el actor Heath Ledger ha sido nominado al Oscar como Mejor Actor de Reparto.

Espero que se una su nombre al de Peter Finch, el único actor que lo ganó tras su muerte en 1976 por "Network".

Se lo merece.

Ha muerto "El Prisionero"

2009-01-15T10:42:00.008+01:00

Lo vi por primera vez de pequeño en aquella peli de Clint Eastwood, "Fuga de Alcatraz" interpretando al malvado alcaide y más recientemente hace unos años en "Braveheart", interpretando al rey Eduardo Longshanks.

Pero posiblemente, el papel por el que será recordado será el de Número Seis, un ex-espía que, tras dimitir ante su gobierno, es llevado prisionero a una isla para pasar el resto de sus días, pues el gobierno no puede permitir que se retire con todo lo que sabe y no le mata en agradecimiento a sus servicios. Allí se enfrentaría a su mayor reto: huir de la misma, descubrir la identidad de sus captores y no morir en el intento.

La serie era un spin off no declarado del anterior proyecto de McGohan, "Danger Man" ("Secret Agent" en los USA) donde daba vida a un espía del MI9. Si bien no ha envejecido muy bien, ha sido siempre una serie de culto, escritores como Warren Ellis y Grant Morrison son fans de la misma. McGohan tenía mucho carisma y la hizo suya desde el principio. También fue considerado para interpretar a James Bond antes de Sean Connery.

Me hubiera encantado verle hacer una pequeña aparición en la película que preparan los Nolan sobre la serie. Escucharemos al nuevo Numero Seis gritar "¡No soy un número! ¡Soy un hombre libre!". Pero no será lo mismo.

Descanse en paz, Sr. McGohan.

X- Men 3

2008-12-09T00:42:00.000+01:00

¿Hay algo más que añadir?

Primera aparición del Presidente Obama en los comics tras su victoria electoral

2008-11-12T16:39:00.008+01:00

A lo largo de la historia, hemos podido ver en los comics a mericanos, sobretodo en DC, cameos y apariciones breves de los presidentes estadounidenses. Me viene a la memoria la aparición del Presidente Reagan en Legends o la del Presidente Clinton en la saga de la Muerte de Superman. Si la memoria no me falla también pudimos ver al Presidente Jimmy Carter en Superman vs Muhammad Ali y al Presidente Nixon interpretando a Darkseid en "El Cuarto Mundo"de Jack Kirby (es broma).

Ahora le toca el turno al Presidente Barack Hussein Obama, quien aparecerá en la serie Savage Dragon ya como Presidente en el número 145 de la serie, donde Dragon se reincorpora al Departamento de policía tras doce años.

DAREDEVIL : SIN MIEDO (Daredevil de Panini 27-32) De lo bueno (Bendis) a lo mejor (Brubaker)

2008-11-07T10:45:00.004+01:00

El trabajo de Lark y Brubaker, número a número, página a página, dejando a un lado aquel lapsus que tuvo el bueno de Bru con el torero de leones, la serie no ha hecho sino mejorar. Esta última saga reinventa a un viejo enemigo del Cuernecitos, Mister Miedo y consigue hacerlo realmente escalofriante.

Quienes creían que, por el hecho de Matt Murdock se había librado de los cargos de ser Daredevil a los ojos de la luz pública, la serie iba a convertirse un “reseteado” de cero, se equivocaron. Los verdaderos enemigos, los peligrosos de verdad siguen sabiendo quién es Daredevil y lo van a usar contra él y contra los suyos. Esta saga es una prueba de ello. Qué ataque tan cruel, qué dolor sufre nuestro héroe. Su calvario no ha hecho sino empezar. Aquí no necesitamos brand new days ni tonterías similares. Hay guionistas de género que pueden sorprendernos y rizar el rizo aún más.

Mención especial el Annual 1 incluído en el 32 de la serie regular Pannini, que aunque no forma parte de la saga en el recopilatorio USA, a mi me parece relamente un epílogo. Desde este momento Leandro Fernandez entra en mi top 10 de artistas favoritos. Esta historia, es desde el punto de vista narrativo, es perfecta. Probad a simplemente mirar los dibujos sin leer nada y comprobaréis que todo es perfectamente comprensible y bien dibujado. Un maravilla.

Haceos un favor y comprad Daredevil.

OH CAPITÁN, MI CAPITÁN (HARKNESS). Torchwood Primera Temporada. 100% Sin spoilers.

2008-10-29T11:52:00.007+01:00

La primera vez que vi un episodio de Torchwood fue de madrugada en CUATRO. Me pareció de bajo presupuesto pero hecho con corazón. Había un tipo que parecía una mezcla de Nick Furia y Hugh Grant, se llamaba Capitán Jack Harkness y derrochaba carisma y sonrisas. También había una joven policía Gwen Cooper, un personaje con el que el público se podía identificar ya que como nosotros conocía a la entidad en el primer episodio.

He empezado a verla de una tacada la semana pasada y cual ha sido mi sorpresa. La serie no sólo va ganando más en cada episodio sino que ha conseguido engancharme totalmente. Sigue sin tener los efectos especiales de “Battlestar Galactica 2003” o de “Supernatural” pero hay un buen guión, interpretaciones y mucho corazón.

Torchwood es una entidad gubernamental “al margen del Gobierno” que controla la actividad extraterrestre y sobrenatural. Está situada en la ciudad de Cardiff donde hay una brecha espacio temporal que la compañía controla. Su líder, el capitan Jack Harkness es una agente del tiempo, ha estado en diferentes épocas y sabe que en el siglo XXI es cuando todo cambia. Sin embargo, él es un misterio. Su nombre no es su nombre y casi nunca habla de su pasado, aunque sus compañeros van descubriendo cosas cada día. Aunque discrepan en ocasiones con él, en le fondo todos quieren que lleve el mando ya que es un verdadero líder. Los aprecia y se preocupa por ellos, a pesar de que a veces sus decisiones les causen dolor.

Los demás miembros del equipo son Owen Harper, el médico, impulsivo e inmaduro, quien por su actitud rebelde y chulapa a veces pone en peligro la misión. Ianto Jones, una suerte de conserje que oculta más de lo que parece a simple vista. Un hombre gris sin carisma,pero al que llegaremos a conocer bien. Toshiko Sato, la científico del grupo que intenta llevarse bien con todo el mundo y está muy unida a Jack. La ya mencionada Gwen Cooper, novata del grupo que ha de combinar como puede su vida sentimental y su nuevo trabajo. El Capitán Jack Harkness es el nexo entre todos ellos, parece tener muchos más años de los que dice y su condición de agente del tiempo le ha dado ocasión de visitar muchos siglos diferentes, lo que le da una perspectiva de la Historia que se niega a compartir con sus compañeros por el bien de todos ellos.

Normalmente los episodios giran en torno a un personaje y un conflicto o misterio, en el que es requerida la intervención de Torchwood. A veces las cosas se arreglan bien, otras no tanto y otras…mejor que lo veáis. A veces, intentar hacer del mundo un lugar mejor tiene un alto coste.

En estos trece capítulos se tratan temas como la amistad, la vida y la muerte, la fidelidad, el compañerismo, aprovechar el momento, el heroísmo, los conflictos del pasado, el sacrificio, el amor y el deber. Hay muchas ideas y matices, como en el Doctor Who, serie de la que nació Torchwood. Porque la ciencia ficción no trata de naves espaciales, ni es un subgénero. Son historias de aventuras, de relaciones personales, de retos que aunque no puedan darse en el mundo que nos rodea, no por ello dejan de invitarnos a la reflexión y como no, al disfrute.

Ultimates 3 de Loeb y Madureira. El cómic que has de leer.

2008-10-20T14:40:00.005+02:00

Por fin he encontrado el comic que ocupará en mi vida el hueco que dejaron años ha la JLI/JLE. (con perdón de la miniserie de los Defensores y Hero Squared).

No podéis imaginaros lo que me he podido reír con esta historia.

¿En qué otro comic hubiéramos podido ver a Magneto utilizando su poder mutante para inmovilizar el martillo de Thor?

¿O una peli porno casera de Tony Stark con la Viuda Negra?

¿O a Pantera Negra, perdón “Pantera” a secas (hay que ser políticamente correcto en el Universo Ultimate) ahostiando y venciendo con sus manos desnudas a Veneno después de que el simbionte vapuleara previamente a Ultimate Thor?

Aquí.

Por unos segundos, breves, creí que la historia iba en serio, pero entonces lo comprendí, este es un comic de humor, para partirnos de risa. Las situaciones, los diálogos, el desarrollo y los dibujos imposibles de Madureira lo demuestran. Leedlo con esa actitud y lo pasaréis en grande. De verdad. Yo me lo voy a releer esta noche.

No diré más.

Bueno, sí.

No pienso perderme ni un comic de Jeph Loeb en el futuro.

Astonishing X Men de Whedon (y Cassaday). El sueño cumplido de un viejo fanboy.

2008-10-14T11:15:00.004+02:00

Vaya por delante que NO soy una persona imparcial. Soy un gran fan de Whedon. Lo tengo en DVD todo y original, menos el Dr. Horrible.

Lamenté que no se hiciera cargo de X Men 3, pero celebré que al menos diera su visión sobre el grupo mutante por excelencia. En los últimos años, diferentes autores de otros medios, que crecieron leyendo comics han aportado su visión a algunos los personajes de las grandes editoriales como es el caso de Kevin Smith (Daredevil, Green Arrow) o Allan Heinberg ( Wonder Woman, Jóvenes Vengadores).

Todo bien cerrado, un gran dibujante, libertad creativa, periodicidad abierta y el personaje de Kitty Pryde en exclusiva para él.

Tal vez, cuando hablemos en el futuro de esta etapa de un total de 25 números nos referiremos a ella como “La saga de Ord”. Fue el personaje que la abrió y la cerró. Evolucionó de villano de opereta en la Tierra a Héroe de su mundo. Entremedias, Whedon simplemente se ha dedicado a dejar salir al fanboy que lleva dentro y a plasmar imágenes y frases que durante años debió soñar en escribir al leer página tras página de aquella serie que como a un servidor, le dio tantas horas de felicidad. En las primeras páginas hay una imagen en la que Kitty pryde se recuerda a sí misma gritando: "¡El profesor Xavier es un idiota!" de hace veinte años. Escena que hace las delicias de anciuanos lectores como un servidor pero que no será nada para aquellos que lleven poco tiempo en los Xmen o se hayan subido al carro porque "el creador de Buffy" la escribe.

El gran mérito de esta etapa ha sido doble: por un lado un excelente tratamiento del personaje de Scott Summers que falta le hacía al pobre. Creo que Morrison se acercó a veces y Vaughan hizo un buen trabajo en su miniserie. Y por otro lado traer de vuelta la vida sin que nos preguntemos cómo al bueno de Piotr Rasputin, Coloso, quien por cierto tuvo una de las muertes más chorras de los últimos años. En la época en la que Whedon empezó a escribir la serie, Quesada llevaba a cabo una estricta política de no resucitar a nadie. Pero Joss pudo hacerlo. Maravilloso poder volver a ver el lanzamiento especial, dibujado por Cassaday a doble página. Y qué decir de John Cassaday. Grande. Aunque al final pierde algo de fuelle, esta historia es tan suya como de Joss.

El “pero” es que uno esperaba más de todo un Joss Whedon. Algo mejor. Hay mucha escena de relleno.Poca sustancia. Con veinticinco números se podrían haber contado más cosas.

El último número, aunque pillado por los pelos, es épico a más no poder, pero el destino "final" de ése personaje que no voy a mencionar a aquí, no me ha gustado nada simplemente porque estoy convencido de que tenía muchas más historias y aventuras por vivir. Cualquiera que haya leído "X-Men: El Fin" sabe que ése NO es su final. Pero esto es Marvel y ya se sabe que nada es eterno. Y si no que se lo digan a Lobezno o Cíclope entre algunos de los hombres x que han muerto alguna que otra vez. O las veces que el Profesor X ha andado y vuelto a la silla de ruedas.

Tiempo al tiempo.

JUMPER. Qué gran película podría haber sido.

2008-09-12T18:54:00.003+02:00

Me pusieron tan mal, pero tan mal esta película que cuando me decidí a verla lo hice más pensando en la brevedad de la cinta, ochenta minutos, que en lo que podía ofrecer, sin esperar mucho.

Y me ha parecido entretenida, pese al flojo guión, porque lo que falla en la peli, realmente es el guión, más allá del actor protagonista, que ya demostró en Star Wars que lo suyo no es actuar, sino posar. Hay tres actores de los que ya no espero nada en la vida: Hayden Christensen, Keanu Reeves y Nick Cage (aunque éste al menos fue grande una vez).

Hubieran podido profundizar en las motivaciones de los personajes y caracterizarlos mejor. Añadir un par de escenas en la base de los malos, un flasback contando la historia del otro Jumper que sale...en fin.

La película trata de un joven llamado David Rice que de buenas a primeras, como cualquier mutante marvelita descubre a raíz de un accidente que tiene el poder de teletransportarse a los sitios que ha visto, sea en fotos o en TV.

Consciente de la oportunidad que se le ofrece en la vida y harto de aguantar a un padre perdedor y abandonado decide dedicarse a robar bancos y pegarse la vida padre yendo de país en país, ya sea para tomarse una copa, ligar, tomar el sol o cualquier otra cosa que al niño se le ocurra.

Años después, viviendo como un sibarita y pese a no privarse de nada, siente que le falta algo, le falta su Mary Jane particular, la chica del instituto a la que nunca olvidó, Millie Harris, interpretada por Rachel Bilson (quien a su vez fue la Mary Jane particular de Seth Cohen en “The O.C”).

Lo que no sabe de sí mismo David es que es un “Jumper”, un ser con la capacidad de saltar en el espacio, y que los jumpers son perseguidos por un grupo inquisitorial llamado los “Paladines” que se dedican a darles caza y ejecutarles, porque según ellos los Jumpers "son una abominación a los ojos de Dios", y "todos se corrompen". El Jefe de los Paladines es Roland, interpretado por Samuel Jackson, posiblemente el segundo actor vivo más friki del mundo (el primero es Christopher Lee, por si alguien lo dudaba), haciendo una vez más de sí mismo, pero con el pelo pintado de blanco y un poco más de barriga.

Así que decide pasarse por su pueblo y eso le llevará una serie de nuevas situaciones que pondrán en peligro no solamente su vida, sino la las pocas personas que aún le importan.

En mi humilde opinión, hay tres cosas a destacar de la película:

Una es la actuación del otro Jumper del film, Griffin, interpretado por Jaime Bell (Billy Elliott) el cual se come con patatas a todos los actores en todas las escenas. Pedazo de actor. Es gracioso cuando debe serlo, asusta cuando ha de asustar, y sabe lo que es actuar.

Dos, el hecho de que se rodara de VERDAD en el Coliseo de Roma, incluyendo un paseo por el laberinto del Anfiteatro donde nadie puede acceder. Excepcionalmente durante tres días se permitió a los actores y al equipo de producción acceder al lugar bajo unas serias medidas de supervisión por parte de los responsables del recinto.

Unos últimos quince minutos vertiginosos sin tregua, un verdadero derroche de espectacularidad con unos efectos especiales impresionantes, que nos lleva por diferentes escenarios del planeta. No diré más. Hay que verlo.

Se nota que la historia se ha planteado como una trilogía. Desconozco la fidelidad del guión al primer libro. A uno le hubiera gustado que se explicase un poco más quienes son los paladines y su historia así como el porqué de la existencia de los Jumpers, si es que tienen alguna.

En fin, habrá que esperar si continúan. Viendo el final y sus epílogos, creo que se hace necesario.

ANGEL TRAS LA CAIDA VOLUMEN 1. OJALÁ ESTO HUBIERA SIDO LA PELÍCULA DEL PERSONAJE

2008-09-10T14:52:00.003+02:00

Cuando a mitad de la emisión de la quinta temporada los ineptos de Warner anunciaron que cancelaban la serie del vampiro con alma (pese a tener unos magníficos índices de audiencia), dejaron las puertas abiertas para realizar una o dos películas del personaje si Joss Whedon o David Boreanaz estaban dispuestos.

Whedon quedó muy decepcionado con la cancelación, y en aquellos momentos estaba inmerso en la realización de la película de “Firefly” para el cine. Y Boreanaz, aparte de estar cansado del personaje tras ocho años ininterrumpidos de interpretarlo, se buscó la vida y se integró al reparto de la serie “Bones”.

El épico e inolvidable final del último episodio, dejó abierta la posibilidad de que viéramos algún día ese largometraje. Y durante un tiempo, en el fandom se habló mucho de ello, pero ya han pasado más de cuatro años desde el 19 de Mayo de 2004 (día en que emitieron el último capítulo) y todo apunta a que nunca veremos la película de Angel.

Ya no me importa porque para mi, el destino final de Angel quedó sellado en aquella calle, con sus “hermanos de sangre” a su lado dispuestos a luchar contra las hordas del infierno en una batalla memorable, en su particular “Last Stand”, cuales Custer o Leónidas.

Como Joss no le hace ascos al dinero dejó que IDW publicara unos comics muy flojos situados “cronológicamente” tras el final de la serie.

Sin embargo, es ahora con la serie regular en comic “Angel After the Fall”, en los que creo poder afirmar estoy ante una “verdadera” continuación en forma de comic, lógica, creíble, consecuente y por desgracia, imposible de realizar para la TV. Sólo los FX del dragón y Los Angeles convertida en un infierno dantesco se habrían pulido el presupuesto de un par de episodios.

El mérito de Lynch y Whedon en el comic, es haber conseguido que los personajes hablen con sus propias voces, y que las sorpresas que se suceden unas a otras, realmente inesperadas, pero consecuentes con lo que pudimos ver en el último episodio y con el tono que siempre tuvo la serie. Tramas y subtramas abiertas que harán las delicias de todos aquellos que como yo que tuvieron que tirar del DVD extranjero tras haber visto de madrugada la serie en A3 los sábados o bien la disfrutaron con posterioridad en FOX.

El dibujo es muy flojo, narrativamente y confuso en ocasiones. Parece que se haya hecho demasiado deprisa. Los fans acérrimos de Angel podrán disfrutar de una buena historia del personaje.

Lo mejor es ver este comic como la película que habría podido ser y no fue. Disfrutar y recordar con nostalgia que hubo una vez un vampiro en busca de una redención imposible, que cometió errores y trató de enmendarlos, pagando el precio de los mismos, que cayó en ocasiones pero se levantó, y que nunca se rindió, ni en su hora final.

ARTICULO AGENTS OF ATLAS DE JEFF PARKER

2008-09-07T16:57:00.028+02:00

[Con motivo de la publicación por parte de Panini he decidido volver a colgar el artículo completo que publiqué en el blog en agosto de 2007. Pero también incluyo más párrafos con las novedades del autor y la colección. Las novedades están escritas en azul]

CUANDO TENGAS PROBLEMAS, TUS AMIGOS VENDRÁN A AYUDARTE.

Jeff Parker, un auténtico desconocido en el mainstream hasta hace poco, consigue crear con Agents of Atlas (AOA) una de las series más interesantes del 2006 (agosto 2006-enero 2007) con el retorno de antiguos personajes de Timely y Atlas en una historia llena de misterio con los excelentes lápices de Leonard Kirk.

EL AUTOR
Jeff Parker nacido en Burlington (Carolina del Norte, EE. UU) comenzó a leer cómics desde su infancia debido a que su padre tenía una tienda de ultramarinos. Sus lecturas abarcaban superhéroes, Daniel el Travieso y los de las editoriales Harvey y Archie. Su afición a los cómics dió paso al deseo de convertirse en dibujante estando en un Estado donde la afición, los dibujantes y convenciones tenían una tradición arraigada.

Fue practicando con sus dibujos y presentándolos en diversas convenciones consiguiendo así entrar en el Artemis Studio y posteriormente trabajar en Malibu Comics dibujando Solitarie pero debido a la compra de la editorial por Marvel y el posterior cierre Parker buscó vias alternativas.
Posteriormente ha realizado trabajos para DC (JLA, Detective Comics, Wonder Woman, Robin y Batgirl), Darkhorse (Buffy) entre otros pero el trabajo que lo consagró y en parte por el que es conocido es The Interman publicado en 2003. Además pasó a formar parte de Mercury Studios que en 2006 pasó a llamarse Periscope Studio donde trabajan autores del mainstream americano (Marvel, Dc, Image) así como autores del cómic independiente.

Parker había fundado su propía editorial Octopus Press para autopublicar su trabajo de manera independiente y entró en el panorama de las editoriales independientes con gran fuerza: su primera obra, The Interman, la publica en formato novela gráfica de 128 pág a color, lo habitual es publicar en grapa y en blanco y negro. Es una obra de autor que trata sobre un espia con ciertas habilidades especiales con un telón de fondo de conspiraciones. La aceptación y las buenas críticas le valieron una nominación a los premios Eisner y además existen proyectos para hacer la película.

Parker es lector de superhéroes pero se interesa por otros géneros y teniendo gran estima a las tiras diarias como Terry y los Piratas de Milton Caniff, la admiración hacia Alex Toth le llevo junto otros autores a publicar el libro Dear John: The Alex Toth Doodle Book que era un homenaje al autor, y también la curiosidad y afición a los otros géneros de la DC y la Marvel en los 50.

A partir de la publicación de The Interman comenzó en 2005 a trabajar en Marvel en la cual, después de no conseguir la aprobación para un Doc Samson más pulp y parecido al Doc Savage por parte de la editorial que no estaba deacuerdo con el enfoque y que pasó el trabajo a Paul Di Filippo, guionizó alguno de los especiales Marvel que recordaban los géneros de la editorial durante los 50: Marvel Monster, Marvel Romance Redux y Marvel Western. También ha guionizado el What If? Avengers Disassembled consiguiendo un trabajo interesante. Otro especial ha sido Untold Tales of The New Universe: Starbrand. Por último también ha realizado las historias de complemento de Vampire by Night en Amazing Fantasy y colaborado en el especial Marvel Hallowen 2005 y 2006.

En medio de estos especiales se ha dedicado a guionizar cómics de la línea Marvel Adventures como Spider-man, Fantastic Four y Avengers siendo esta última de creación propia con una alineación diferente a la tradicional en la que se reunen los personajes más famosos de la editorial: Spider-man, Capitán América, Iron Man, Hulk, Lobezno, Tormenta y Giant Girl.
La línea narra historias de los personajes Marvel durante sus inicios de una manera moderna y actual diferentes al universo Marvel tradicional. Son historias entretenidas con gran sentido del humor donde prima la diversión y la amistad alejándose así de la violencia y la oscuridad de algunos cómics actuales pero Parker también escribe cosas negativas pero sin necesidad de centrarse exclusivamente en ello.

Otra obra que ha conseguido muy buenas críticas y que le ha permitido pasar a ser colección regular es X-men: First Class con dibujos de Roger Cruz y portadas de Marko Djurdjevic que cuenta las aventuras de los X-men originales de forma actualizada con buenas historias autoconclusivas.

Con la publicación de Agents of Atlas ha conseguido salir un poco de la línea Marvel Adventures con nuevos proyectos como Spider-man and Fantastic Four dibujado por Mike Wieringo y el especial de Mystic Arcana: Scarlet Witch. Con la finalización de estos dos cómics solo publicaría X-men: First class a la espera de nuevos proyectos. Posteriormente a estos proyectos ha estado realizando trabajos en Marvel Adventures Avengers, la serie que creó en 2006, un especial de Hulk: Raging Thunder y Monster-Size Hulk, la miniserie Age of Sentry y la futura publicación de una miniserie sobre Spider-man ambientada en el mundo de 1602.

Aparte de Marvel ha trabajado en la serie de Virgin Comics Walk In , está preparando la segunda parte de The Interman y trabaja con Steve Lieber para publicar Underground. Actualmente está guionizando Gamekeeper 2 para Virgin Comics.

Mención aparte existe un comic homenaje a Mike Wieringo que murió en 2007 y que junto Jeff Parker estaba haciendo un What If? ambientado en Fantastic Four dejándolo inconcluso. Varios autores (textos de homenaje o completar el dibujo) se unieron para terminarlo y que sirviese de homenaje: . Marvel cedió los derechos de publicación a Hero Initiative una organización que vela y se preocupa por los autores ancianos y que no viven con las mismas condiciones que los autores actuales.

Jeff Parker es un guionista interesante y sólido pero cuya obra independiente The Interman es difícil de conseguir debido a no estar disponible por Previews.

LA IDEA

Todo comenzó cuando Mark Paniccia, editor de la línea Marvel Adventures, encontró el cómic What If Avengers Had Fought Evil During the 1950´S? publicado en junio de 1978 y concebido por Roy Thomas, guionizado por Dan Golut y dibujado por Alan Kupperberg y Bill Black en el que aparecían personajes de la Marvel (Timely) de los 50. En aquella época después de la II Guerra Mundial la situación económica del cómic de superhéroes era de un fuerte descenso de ventas y con la cruzada de F. Wertham que hizo un daño muy grave al mundo del cómic. La editorial decidió probar nuevos géneros: western, romance, ciencia ficción y la compañia pasó a llamarse Atlas en terminos de edición y distribución.

El What If trataba sobre el secuestro del presidente Eisenhower por Yellow Claw un villano que quiere dominar el mundo y la formación de un grupo especial por el agente del FBI Jimmy Woo integrado por seres con poderes para salvar al presidente: Human Robot, 3-D Man, Marvel Boy, Gorilla-Man y Venus y pasan a llamarse los Vengadores. Al final consiguen salvar al presidente pero el grupo es disuelto al considerar que son muy extraños para la época y que el público no lo entendería. Tenían además el sobrenombre de Secret Avengers dado por los mismos Avengers que vieron la historia.

El grupo del What If no volverá a aparecer hasta Avengers Forever de Kurt Busiek-Roger Stern y Carlos Pacheco en 1998 en la que eran encargados de vigilar el discurso del candidato Nixon y en el cual se descubría que era un Skrull, pero su línea temporal es borrada por Inmortus porque se establecía que no existían Avengers antes de 1961. Después de esto no volvieron a aparecer nunca más, hasta ahora.

Paniccia veía potencial en los personajes y un sentimiento de nostalgia debido a su origen pulp: un espía, una diosa, un robot, un gorila y un hombre del espacio. Pensó que podía hacerse una buena historia con los personajes y traerlos de vuelta al universo Marvel y a la continuidad actual debido a sus pocas apariciones.

Con esta intención llama a Jeff Parker, que en ese momento estaba guionizando cómics de la línea Marvel Adventures, y del que le había gustado aquella propuesta de Doc Samson, que acepta enseguida debido a la potencialidad y la reminiscencia pulp. Además era un proyecto de ellos dos (Paniccia tuvo la idea y Parker el desarrollo de todo con la historia, personajes, entornos siendo este el que hace realmente el cómic) porque la editorial no tenía planes para los personajes y tampoco problemas de mantener copyright y cuando le presentaron la propuesta aceptó y no interfirió en el desarrollo.

Jeff Parker empezó a desarrollar la idea y como se adaptaría a la continuidad Marvel respetando el What If pero no sin antes realizar una serie de cambios: el grupo se había disuelto seis meses después de rescatar a Eisenhower, no se llamaban Secret Avengers, 3-D Man no aparecería por tener una versión moderna en Triatlon en Avengers de Kurt Busiek y porque desestabilizaba el origen pulp de los personajes, Namora tendría una gran importancia porque su creador Bill Everett la había dejado en un estado en el cual podía ser recuperada.

El siguiente paso de Paniccia fue elegir a Leonard Kirk dibujante de la miniserie y que hacía poco que había firmado un contrato en exclusiva con Marvel y había realizado números de Amazing Fantasy y siendo este su primer proyecto de gran envergadura dejando de lado otros. Kirk es un veterano que ha estado gran parte de su carrera en DC (JSA, Aquaman, Superboy y Supergirl uno de sus mejores trabajos y en el que estuvo más tiempo) y decidió dibujar el proyecto por que le interesaba la premisa pero sobretodo la oportunidad de dibujar a Gorilla-Man y Kirk al igual que Parker no le convencía 3-D Man. La relación Parker-Kirk es muy fluida, entendiéndose a la perfección y colaborando o mejorando determinadas escenas del guión, solo hubo una desavenencia porque Parker quería quitarle a Human Robot la puerta delantera por la cual se accede al corazón del robot pero se solucionó manteniéndola.
Kirk era el encargado del diseño de los personajes respetando los antiguos pero mejorándolos, los escenarios, la planificación de página... El nombre del grupo y la colección fue una de las cuestiones que llevaron cierto tiempo. Secret Avengers era la primera opción pero debido a lo expuesto anteriormente no podía ser hasta que se decidió Agents of Atlas en homenaje al nombre de la editorial durante los 50 y sobretodo que servía para la historia con la misteriosa Fundación Atlas en las sombras. El logo fue elegido para que pareciese de los años 50. Por último la alineación se concretaba con la contratación de Tomm Coker que realizaría las portadas que trataría sobre un personaje de la serie con una calidad muy buena.

LA PROMOCIÓN EN INTERNET

El primer paso que se llevó a cabo para promocionar la miniserie antes de la aparición del primer número fue una serie de entrevistas exclusivas a comicbooksresources.com CBR del editor Mark Paniccia, el guionista Jeff Parker y el dibujante Leonard Kirk así como una serie de fichas y bocetos sobre los personajes contando su historia y su comportamiento en la serie. Además se jugó con la identidad del sexto miembro secreto del grupo que al final fue Namora. El sistema duró de mayo a junio de 2006 y cuando se publica el primer número se comienza a conceder entrevistas a otras páginas web y revistas.
Paralelamente en el pedido de junio del Previews para pedir el cómic en agosto aparecía un elemento curioso: una carta del enigmático Mr.Lao perteneciente a la Fundación Atlas que era una organización secreta que buscaba nuevos miembros que podrían ponerse en contacto con él y demostrar su valía en el blog de Marvel Temple of Atlas pasando así a ser agentes de Atlas.

Las pruebas a realizar consistían en una serie de pistas y acertijos que los participantes debían ir solucionando y la información estaba diseminada en páginas web, códigos en la solicitud del cómic y la complicidad de algunas tiendas que participaban en los enigmas. Aparte, las contestaciones y la participación en el blog eran vigiladas por Mr.Lao que decidía ascender a quien resolviera los acertijos e impulsaba a que los participantes escribieran. También se habilitó la página agentsofatlas.com que recogía las reseñas de internet y las opiniones de los lectores. Mr. Lao hablaba en algunos mensajes de los progesos del equipo de Woo en la serie.
Pero lo más importante era la historia que contaba el blog: las misiones que realizaron Woo y sus amigos después de rescatar al presidente. En total eran un total de cinco aventuras que no eran meros resúmenes sino un desarrollo completo de la historia, con diálogos, explicaciones: era leer un guión de sus aventuras. Estas misiones a su vez contenían pistas para solucionar enigmas en el blog.

Realmente estos relatos aportaban muchísimo y conseguían hacer disfrutar aún más la serie Agents of Atlas, no porque en el cómic hicieran referencias a estas aventuras dándose solo un caso y de manera muy reducida, sino porque ampliaba el universo de la serie y conseguía una experiencia satisfactoria. Las misiones relatadas en el blog bien merecerían su adaptación al cómic por el mismo equipo creativo porque no tienen desperdicio.
El responsable del blog y las misiones era Jeff Parker que conseguía así dar aún más profundidad a los personajes y aumentar el misterio de la identidad de Mr.Lao.

LOS PERSONAJES

En la miniserie aparecen un gran número de personajes pero los importantes son los principales los cuales tienen una historia previa y una posterior debido a los cambios que hace Parker para modernizarlos o hacer más coherentes algunos orígenes.

El espia: Jimmy Woo

Apareció por primera vez en Yellow Claw 1, de Al Feldstein y Joe Maneely en octubre de 1956, donde el personaje era un agente del FBI de origen asiático pero criado en América encargado de detener la amenaza de Yellow Claw que en principio parecía servir intereses comunistas pero que realmente buscaba la dominación del mundo. Jimmy está enamorado de Suwan la sobrina del villano y es correspondido pero la situación hace dificil la relación. Finalizada la misión de rescate de Eisenhower y seis meses después, el grupo es disuelto y Jimmy es alistado en SHIELD, en la etapa de Jim Steranko, puesto que ha desempeñado hasta ahora. Jimmy es un lider nato que tiene un gran optimismo que contagia a sus compañeros de los que se preocupa más que de su propia seguridad pero no quiere decir que no pueda defenderse solo: buena puntería y artes marciales son sus armas. Pero el paso del tiempo y su trabajo han ido minando su caracter llegando a vivir sólo por un misterio que lleva años estudiando y que le llevará a realizar una misión peligrosa cuyos resultados se ven al iniciarse la miniserie.

El hombre del espacio o el uraniano: Bob Grayson "Marvel Boy"

Apareció en Marvel Boy 1 de diciembre de 1950 . Hijo de científico alemán que decide huir de la Alemania nazi con su hijo Bob, después de la muerte de su hija y su mujer por parte de los nazis, en un cohete espacial y llega a Urano donde existe una colonia de uranianos que los acogen y ayudan. Bob volverá a la tierra para ayudar a la humanidad con una serie de poderes y bajo la identidad de Marvel Boy: leer mentes, unas bandas luminosas y una nave espacial.
Posteriormente se unió con el grupo de Woo para rescatar al presidente y con la disolución volvió a Urano. En los 60 vuelve a la tierra porque los uranianos estaban muriéndose y necesitaban medicinas pero al no poder conseguirlo porque un banco no le daba un préstamo enloqueció y atacó la ciudad teniendo que intervenir The Fantastic Four con el resultado de la explosión de Marvel Boy al no poder controlar la energía de sus bandas.
Pero su vuelta ha traido una serie de dudas: ¿si es el real, quién es el que explotó?. Además lleva una vestimenta extraña y más oscura con una actitud más solitaria y triste y sin sus bandas, que pasaron a pertenecer a Wendell Vaughn (Quasar). ¿Que le ha pasado y cual es el motivo de los cambios?.

La diosa: Venus

Su primera aparición fue en Venus 1 de agosto de 1948. Es la diosa del amor que decidió dejar el Olimpo para ayudar a la humanidad a ser más felices aunque su anterior origen era de una reina del planeta Venus que llega a la Tierra y se ocupa de un Magazine de moda femenina siendo ella muchas veces la modelo. La identidad secreta que irá utilizando será la de Vicki Starr.
Su poder consiste en el amor y dar vibraciones positivas y su sola presencia cautiva a los hombres y su voz llega a ser hipnótica con la que puede dar órdenes. Utiliza estas habilidades para el bien y sin intenciones malignas. Tiene una personalidad amable y siempre intenta calmar los ánimos y evitar las disputas transmitiendo serenidad.
Colaboró con Jimmy Woo en los 50 y estuvo enamorada de Marvel Boy siendo el sentimiento recíproco pero la disolución del grupo y la prohibición de reunirse debido a una orden presidencial terminó en parte con el inicio de la relación. Venus entonces decidió seguir ayudando a la humanidad y acabar con los problemas y conflictos.
Pero la duda que existe es: ¿realmente es una diosa o es algo más?.

La sirena: Namora

Su primera aparición fue en Marvel Mistery Comics 82 de mayo 1947. Su nombre real era Aquaria Nautica Neptuna y era la prima de Namor the Submariner.
Sus poderes consistían al ser atlante y mutante como Namor en poder respirar bajo el agua pero también fuera, superfuerza, vuelo, gran resistencia física. Al no poder colaborar con Jimmy en el rescate del presidente decide conducirle hasta Human Robot.
Uno de los momentos más felices de su vida es cuando nació su hija Namorita de la que cuidó hasta que fue envenanada por una rival al trono de Lemuria Llyra y al morir su cuerpo fue utilizado como rehén para obligar a su hija a realizar acciones malvadas bajo amenaza de destruir el cuerpo de su madre que estaba congelado. Al final son derrotados pero Namora continuará congelada y olvidada. El retorno de Namora supondrá un despertar doloroso: su hija Namorita murió junto New Warriors en el desastre de Stamford de Civil War.
La actitud de Namora es de una persona de la realeza pero que sabe relacionarse con los demás y además es humilde y agradecida.

El robot: M-11 Human Robot

Apareció por primera vez en Menace 11 de Stan Lee y John Romita sr. Su origen era el de un robot automático sin voluntad que recibía órdenes y las obedecía y que al final por una orden empieza a matar gente hasta que es reparado por Marvel Boy que le dota de conciencia. Parker cambiará este origen por uno en el que tenía conciencia propia y las mejoras de Marvel Boy consistieron en un campo de fuerza y un metal más fuerte.Los poderes de M-11 son superfuerza, un rayo de la muerte o energético, brazos extensibles...
El paradero del robot era desconocido después de la disolución del grupo pero será el encargado de reunir al grupo después de tantos años. Pero ¿que intenciones y planes tiene el inescrutable robot y como sabía lo que pasaba?.

El gorila: Ken Hale Gorilla-man

Apareció por primera vez en Men´s Adventure 26 de marzo de 1954 por Stan Lee y Robert Q. Sale, en la que tras sufrir una serie de pesadillas sobre un hombre mono y convertirse en un obsesión, viaja a África y se enfrentan en duelo mortal y al matarlo se convierte en uno. La versión moderna establece la búsqueda de la inmortalidad que lleva como resultado obtenerla pero ser para siempre un gorila.
Cuando el grupo de Woo se disolvió Ken pasó a ser miembro de SHIELD por su amplia experiencia en armamento al ser soldado de fortuna, su fuerza y agilidad...No envejece nunca pero se mantiene en contacto con la realidad y sus avances.

El aspecto que define a Hale es la lealtad y por eso hará caso a M-11 cuando hay que ayudar a un antiguo amigo.

AGENTS OF ATLAS: EL CÓMIC

La miniserie duró seis números con la estructura articulada de una manera sólida y compacta con un ritmo narrativo muy bueno. El origen de los personajes y la explicación de su vida después de la disolución del grupo era relatada a base de splash-page que no eran gratuitos porque explicaban la historia de los personajes de una manera natural, sin entorpecer el desarrollo y reforzando la historia.

Otro de los elementos especiales del cómic eran los complementos al final de cada uno que no deben dejar de leerse porque ofrecen información de la serie y la historia: una carta del misterioso Mr.Lao, una investigación sobre Venus, conversaciones de SHIELD, una discusión radiofónica, una investigación sobre Atlas...

La historia de AOA se centra en una diversidad de temas: el retorno de personajes Marvel de la época de Atlas cuando existía una diversidad de géneros antes que los superhéroes tuviesen el predominio en Marvel a partir de los 60, el retorno de estos personajes al universo actual y sus reacciones. Pero sobretodo es la fuerza de la amistad y la lealtad que los hará regresar después de muchos años y reunirse como si el tiempo no hubiese pasado y tambíen la importancia de las segundas oportunidades y recordar el mejor momento de sus vidas. En el caso de Jimmy Woo que ha sufrido un destino trágico tras enfrentarse a la Fundación Atlas y yace moribundo y asístido por una máquina que lo mantiene con vida que es un reflejo en la vida real de Jeff Parker cuyo padre estaba en la misma situación y le sirve para poder exteriorizar sus sentimientos y donde su padre falleció, Jimmy Woo vivirá y tendrá la oportunidad de toda una vida por delante.

La serie pese a salir durante la Civil War tiene una relación mínima,casi inexistente: la muerte de Namorita y el efecto en Namora y SHIELD que al estar ocupado con el Acta de Registro no puede perseguir al grupo de Woo.

Otro de los aspectos reseñables es contar el origen del grupo, que venía del What If?, modernizado y reformado por Parker en sólo seis páginas en forma de flashback introducido en el cómic de una forma soberbia consiguiedo en poco tiempo poner al día a los lectores sin necesidad de consultar aquel What If al que la remodelación de Parker supera con creces.

La historia trata sobretodo descubrir el misterio de la Fundación Atlas y Mr. Lao así como el retorno de un viejo enemigo y el reencuentro con antiguos amigos cada una con su propio pasado que contar. La inclusión del agente de SHIELD Khanata que investiga al grupo y después se une aporta el punto de observador más o menos imparcial que los estudia y poco a poco al conocerlos mejor les aprecia.
La acción no se centra en un único lugar sino que trasncurre por todo el planeta: desierto de Mojave, San Francisco, África, el círculo ártico... siendo unos escenarios que contienen historia y hacen evolucionar la trama. No faltan momentos de humor que son sobretodo protagonizados por Ken el gorila pero tampoco los momentos de acción, aventura, conversación, tranquilidad...todo en un perfecto equilibrio que poco a poco van llevando al último número.
El final de la miniserie es sorprendente porque consigue que alguién que lleva mucha tiempo leyendo cómics no se lo espere y además las pistas estaban esparcidas en el cómic y consigue una conclusión satisfactoria cerrando todos los cabos y las tramas. Las posibilidades que ofrece el final son tales y la nueva situación en la que se encuentra el grupo hace que uno tenga ganas de más y esperando una continuación de la serie.

No se puede olvidar el excelente dibujo de Leonard Kirk que consigue así uno de los mejores trabajos de su carrerra llegando a una belleja sin igual con una consistencia sin igual capaz de dibujar cualquier cosa, sin exagerar, desde paisajes, vehículos, personajes... y lo más importante entregando mes a mes.
Jeff Parker ha conseguido con Agents of Atlas la recuperación de antiguos personajes Marvel demostrando que puede existir la diversidad y que no hay necesidad de seguir los esquemas fijos y que la innovación es posible.

EL FUTURO DE AGENTS OF ATLAS

El final de la miniserie no ha supuesto la continuación en otra miniserie o una serie regular y esto es debido a una serie de factores: su salida durante la Civil War que ha tenido una gran campaña promovida por la editorial mientras que AOA ha sido pequeña y fomentada por el editor Mark Paniccia, el guionista Jeff Parker y el dibujante Leonard Kirk mediante entrevistas y con sus respectivos blogs y contando con el apoyo de los lectores y críticas favorables. Pero no ha conseguido las ventas que esperaba la editorial que quiere que todo venda mucho.

La situación no ha evitado que la miniserie haya sido recopilada en TPB HARDCOVER en abril de 2007 junto a una serie de interesantes extras: las primeras apariciones de los personajes, el What If? y una serie de entrevistas, bocetos y perfiles de personajes entre otros... La buena noticia es que Agents of Atlas pese a no tener cabecera propia va a aparecer en dos colecciones.

La primera es Giant-Size Avengers de la línea Marvel Adventures en la que se produce el primer crossover entre AOA y The Avengers de Jeff Parker y dibujado por Leonard Kirk. Al ser una línea que no pertenecería al universo Marvel tradicional no estaría en la continuidad del grupo pero aún así sigue siendo interesante y un cómic bien hecho.

La segunda y la más importante es Spider-man Family 4 en la que Agents of Atlas se encuentran por primera vez con nuestro amistoso vecino Spider-man y que, por algunas páginas de Leonard Kirk ya vistas, transcurre después de los hechos de la miniserie que es una buena señal para observar el cambio de enfoque del grupo y el nuevo papel que desempeñan.
Espero que con el Tpb y estos cómics, Agents of Atlas consiga una serie regular o al menos una miniserie porque es un cómic excelente y que ha afectado al universo Marvel tanto el fictício como el real.

Namora aparece en The Incredible Hulk de Greg Pak al unirse al grupo liderado por Cho para ayudar a Hulk durante World War Hulk. Namora va a jugar un papel importante en la saga Love and War de Incredible Hercules. La Namora de Greg Pak se distancia mucho de la escrita por Jeff Parker aunque éste co-guionizó con Pak Incredible Hulk 111.
Fred Van Lente guioniza Super-villain Team-up M.O.D.O.K.´S 11 en la que este personaje reclutara villanos para realizar misiones y ha creado paralelamente un blog en Marvel en el que Modok irá dando pistas y acertijos que los internautas deberán ir resolviendo.

Por último, mira que casualidad, Straczynski está en un proyecto llamado The Twelve que devolverá al universo Marvel actual personajes de Timely y Atlas durante la II guerra mundial y los 50 y estará dibujada por Chris Weston y editada por Tom Breevort que ayudó a elegir personajes. Seguro que tendrá mayor apoyo editorial al tener al padrino Joe Quesada que la fomentará. El editor en jefe ya aprovechó las buenas críticas de Agents of Atlas durante su publicación para anunciar que la serie era uno de los primeros proyectos de la editorial que harían volver personajes antiguos y que uno de los guionistas más importantes de la casa se estaba ocupando. Lo que dice Quesada es mentira porque la editorial no tenía ningún proyecto respecto personajes antiguos y la realidad era que Paniccia y Parker hicieron el proyecto AOA y después lo presentaron a la editorial que le gustó y dió el visto bueno. Straczynski hace lo mismo que Silver Surfer Requiem que es una copia de La Muerte del Capitán Marvel de Jim Starlin, lo mejor sería que crease ideas nuevas y no copiara la de los demás. El último de estos títulos que mencionaba Quesada es Avengers/Invaders de Krueger, Ross y Sadowski.

Para concluir: Agents of Atlas es un cómic inteligente, interesante, innovador, que sabe respetar el pasado, con una buena historia que supera la media de lo que Marvel está publicando actualmente. En definitiva, una pequeña obra maestra que merece su publicación en España por Panini.

Agents of Atlas después de sus apariciones en Spider-man Family y Marvel Adventures han contado con una más: Secret Invasion Who do you Trust?. La publicación de ese número en Junio 2008 coincidia con la nominación del Hardcover de Agents of Atlas como mejor recopilatorio para los premios Eisner. Días antes, y pese no haber ganado, Marvel ha anunciado para 2009 la serie regular de Agents of Atlas pero sin Leonard Kirk que está ahora dibujando Captain Britain and MI: 13.

El futuro de Agents of Atlas parece brillante y espero que pueda durar muchos años y los lectores den su confianza y apuesten por un cómic distinto de los demás e innovador.

FELIPE G.H

GODLAND VOLUMEN 1: ¡HOLA COSMICO!. Si Kirby levantara la cabeza…

2008-09-03T11:50:00.005+02:00

…estaría orgulloso.

Yo soy de los inicialmente hojearon el tomo que hoy nos ocupa y ante la similitud con los dibujos y el estilo de comic que hacía el maestro Kirby prefirieron dejarlo en la estantería. Si quieres leer algo “kirbyano”, lee a Kirby ¿no?.

Las buenas críticas y las recomendaciones de mis amigos Felipe y Jaume me animaron a darle una oportunidad. “Si se parece a Kirby…algo tendrá” pensé. Y vaya si lo tiene.

Nunca habrá nadie como Kirby. El Universo era demasiado pequeño para él. Dedicó su vida y su obra a mostrarnos los mundos que copaban su imaginación. Puso su gramo de felicidad en el corazón varias generaciones de lectores con sus historias. Influyó a cientos artistas y su legado es inigualable.

Eric Larsen hizo un sentido homenaje hace unos años a sus 4F. Las páginas de Jose Ladronn en Cable, nos hacían preguntarnos si estábamos ante su reencarnación o un artista poseído por el gran maestro.

Pero han sido Joe Casey y Tom Scioli, siguiendo los pasos de anteriores precursores, como fueron en su día Larsen o Ladronn los que podríamos decir han convertido a Jack Kirby en un “género” en sí. Godland es un comic que inspirándose en los Universos del rey, reivindica a Jack Kirby, no sólo como estilo sino como género en la historieta. Si alguien lo merecía, ese era él.

Cuatro años atrás, Adam Archer, astronauta de la NASA fue el único superviviente de una fallida misión a Marte que acabó con un naufragio sobre la superficie del planeta. Esperando una muerte segura descubrió a unos seres alienígenas, que se autodenominaban los Fetos Cósmicos. Ellos le proporcionaron unos poderes especiales, convirtiéndolo en un ser superpoderoso, evolucionado, cósmico.

Tras su regreso a la Tierra (atención a la viñeta en que regresa) el Gobierno de los USA habilitó para él una residencia especial, un edificio llamado Torre del Infinito, trasunto del edificio Baxter, donde vive con dos de sus tres hermanas Stella y Neela (éstas tambien al servicio del Estado) utilizando sus poderes para ayudar a la Humanidad. Una Humanidad que no comprende exactamente la naturaleza de sus poderes y le teme. ¿Os suena?

Los enemigos a los que se enfrentará son uténticos “freaks” que parecen salidos de la mente y pluma de Kirby: Basil Cronus, un ser reducido a ser una cabeza flotante en una pecera y que sólo puede desplazarse cuando ésta se engancha a un traje armadura. Cabezaníquel, un trasunto de Dr. Muerte y Lex Luthor. Discordia, que tanto recuerda a una joven”Abuela Bondad”. En fin, una gozada. Hay otros secundarios como Maxim o Crashman, pero no voy a hablar de ellos, mejor que los descubráis. Personajes magníficamente bien caracterizados, con unos diálogos brillantes e inteligentes.

Todo hecho desde el respeto, de manera inteligente. Es muy posible que no lleguemos a leer todas las obras de Kirby antes de morir. Siempre habrá algo nuevo que descubrir, una edición definitiva de una obra suya por comprar.

Pero este comic merece mucho la pena.

"DR. HORRIBLE SING ALONG BLOG" : JOSS WHEDON VUELVE A SORPRENDERNOS

2008-09-01T10:46:00.004+02:00

El bueno de Joss Whedon no se fue de vacaciones durante la huelga de guionistas, sino que acabó su último número en Astonishing y rodó un musical en tres partes de 15 minutos.

El musical estuvo disponible en la red durante varios días a mediados de julio, después pasó estar disponible mediante descarga por pago y en un futuro próximo se editará en DVD en USA.

El título del mismo ha sido “Dr. Horrible Sing Along Blog”. Los protagonistas son Neil Patrick Harris, como el Dr. Horrible, Nathan Fillion en el papel de Capitan Hammer y Felicia Day como Penny, la chica de la historia.

El Dr. Horrible es como su nombre indica un villano horrible, de opereta, una vez tras otra es vencido y ahostiado sin grandes complicaciones por el “héroe” de la historia, el narcisista Capitan Hammer. El Doctor registra sus inquietudes en un blog al que espera acudan sus fans y donde narra sus planes, ideas e inquietudes, entre ellas conseguir una auténtica risa de supervillano y entrar en la Liga del Mal. Por desgracia para él, nunca lo consigue. Y es que el Doctor es tan mal villano que no se ha percatado de que su blog es visitado por la autoridades y el propio Capitan Hammer.

Pero el Doctor también tiene su corazoncito y este pertenece a una dulce chica, preocupada por los más necesitados, que se llama Penny y con la que coincide en la lavandería y a la que el Doctor ama en secreto.

¿Conseguirá el Doctor sus tres grandes objetivos: Vencer a su archienemigo el Capitan Hammer, conquistar el amor de Penny y entrar en la Liga del Mal?

La historia destila buen humor, y buenas canciones, como toda historia whedoniana, va oscureciéndose a medida que avanza. Presenta un esquema básico, de presentación de personajes, nudo y desenlace. Hubiera sido un excelente piloto para una serie de televisión.

Los fans de Whedon no quedarán decepcionados.

Batman Begins 2

2008-08-14T11:30:00.004+02:00

El Caballero Oscuro, caprichoso título de esta secuela de Batman Begins, continúa la carrera de DC contra Marvel por llevar al cine a sus personajes más emblemáticos sin perder en el intento la poca dignidad que le quedó tras Batman & Robin o Superman Returns. En este propósito parte con ventaja: su antecesora ha sido una de las películas de superhéroes mejor recibidas de los últimos años, su director y autor de la película de culto Memento no cuenta de momento con ningún tropiezo serio en su carrera (aunque las opiniones sobre The Prestige están algo divididas), el reparto abunda en actores de gran reputación, y por supuesto la repentina y trágica muerte de Heath Ledger durante la postproducción de la cinta le ha proporcionado a esta una aureola que ninguna campaña de marketing habría podido lograr.

Está la cinta a la altura de tantas expectativas? Sus dos horas y media largas dan para mucho, aunque su arranque sea algo tedioso, pero logra alzar el vuelo y dejar una impresión más que satisfactoria. En contra de lo habitual, presenta un Gotham más diurno (y por tanto luminoso) de lo que estamos acostumbrados, prefiere escenarios de diseño y de gran sobriedad sobre los excesos neogóticos de encarnaciones anteriores, abundan los apuntes sobre la logística del personaje, más tecnológico y por ello más cercano a James Bond o Misión Imposible que al detective con recursos de los cómics. Por otro lado es un Batman más humano y vulnerable, y en ello se parece más a otros superhéroes de celuloide recientes (incluyendo a sí mismo en su anterior aventura). La película es aparatosa, como corresponde a una gran producción, pero no resulta excesiva más que en los momentos pirotécnicos (el final de la escena del hospital). Nolan no ha querido dejar la responsabilidad en manos de la segunda unidad, y eso se agradece.

El andamiaje dramático es algo más irregular. Incluye, en orden creciente de trascendencia: un triángulo amoroso, un conflicto moral, y un villano de leyenda. Sobre el primero, creo que Maggie Gyllenhaal (única sustitución en el reparto original) no está en realidad interpretando a Rachel, sino a Katie Holmes; de ahí que resulte tan cargante como ésta. Del segundo, que la contraposición de las figuras de Batman y Harvey Dent como las dos caras (chiste sin intención) de la justicia en la ciudad, resulta esquemática y verborreica - pero efectiva después de todo. Del tercero, decir que el Joker del malogrado Ledger es de los que hacen época.

Para encajar en el tono más realista y sobrio de la película, este Joker se aleja necesariamente tanto del payaso que todos conocemos de los cómics, como del que encarnó Jack Nicholson en su día. Podría sublevar a los fans diciendo que este Joker es una sublimación del original a base de quitarle todo lo que lo hace irreal, pero tampoco sería preciso. Éste no es un psicópata más o menos extravagante, sino una criatura violenta y amoral surgida de una pesadilla, violentando todas las reglas del criminal. Si se le disculpan a Nolan las licencias que se ha tomado en su adaptación, es sin duda lo mejor de la película.

(sin spoilers en los comentarios, por favor)

SCALPED 1 “NACION INDIA”

2008-07-30T14:24:00.002+02:00

“Nos hicieron muchas promesas, pero sólo cumplieron una. Prometieron quitarnos nuestra tierra. Y nos la quitaron”

Nube Roja, de los sioux oglala

No soy un gran conocedor de la situación actual de los nativos americanos. Lo poco que he visto en las noticias o visto en algún documental de la TV por satélite.

En cuanto a películas de Hollywood que denuncian el genocido al que fueron sometidos, he visto “Soldado Azul”, “Bailando con Lobos”, y pronto espero poder ver “Bury My Heart at Wounded Knee”. Pocas más.

En el soberbio documental “Brando” supe que el activismo del actor por este pueblo fue mucho más allá de rechazar el Oscar por su interpretación en “El Padrino”. Y en “Los Soprano”, recuerdo un episodio en Tony y los suyos, se van a gastar algo de dinero a un casino regentado por indios.

Fue precisamente en la publicidad de Vertigo sobre la serie “Scalped” donde comparaban, la serie del mafioso de Nueva Jersey, con la serie escrita por Jason Aaron lo que me animó a darle una oportunidad.

Y no me ha defraudado en absoluto. De hecho, es uno de los comics más “perfectos” que recuerdo haber leído.

Tiene la dosis justa de acción e intriga. Los personajes están perfectamente caracterizados y los cliffhangers son brillantes. Buenos diálogos (aunque uno desearía que algunas expresiones del dialecto indio hubieran sido traducidas a pie de página) y género negro del bueno. Pero bueno de verdad. Desde el principio de “100 Balas” o “La huella del Crimen” no me quedaba tan absorbido por una serie de este género (no he leído “Criminal”, lo siento).

Dashiell “Caballo Terco” vuelve a la reserva india de la que huyó hace 15 años, llamada “Prairie Rose”cuando era apenas un crío. La vida no le ha tratado bien, y en su regreso, por unas circunstancias que prefiero no mencionar acaba convertido en una especie de agente del orden de la reserva, un chusquero, repartidor de leches al servicio del verdadero “jefe” indio que mueve todo el cotarro, Lincoln “Cuervo Rojo”.

Lincoln “Cuervo Rojo”, otrora antiguo activista por los derechos de los indios, junto con la madre de Dashiel, se ha convertido en el verdadero “Padrino” de “Prairie Rose”. Dirige todo el cotarro de drogas y alcohol, y sus mayores intereses se centran en el próximo casino que va a abrirse en la reserva. Su personaje es el exponente de aquel que creía en algo y ha realizado un viaje a la corrupción más patente, perdiendo en el camino el cariño (convertido en temor) de sus hermanos indios y el amor de su hija Carol, antigua novia de Dashiell, y que ahora desprecia a su padre con todo su ser.

El regreso a casa no es fácil, nada ni nadie es como era. Los reencuentros serán duros, violentos y llenos de reproches, gente que se quiere y necesita ahora se odia y se distancia, intentando ahogar su dolor en alcohol y drogas, para olvidar el glorioso pasado de la nación india y tiempos en que la vida fue mejor.

Las motivaciones de los personajes los hacen más interesantes página a página, y los flashbacks sucesivos a lo a largo del tomo nos alumbra sobre su pasado y nos lleva a nuevos e inesperados giros argumentales.

El dibujo de R.M. Guera, tiene un aire a Colin Wilson “sucio” pero le pega a la historia. Transmite el ambiente triste y derrotista que se vive en la reserva.

El tomo recopila los primeros cinco números de la serie regular abierta y con tres tomos recopilatorios. No podréis dejar de leerlos una vez empecéis.

Por mi parte, ya estoy buscando por la red qué más puedo encontrara de Jason Aaron.

Nuevos enlaces

2008-07-18T13:32:00.003+02:00

Es una cagada muy grande pero espero que esto lo solucione un poco. Me explico... resulta que el amigo Ator (que antes escribia en este blog) ahora tiene el suyo propio y aun no lo habiamos linkeado. El blog se llama "Moneiots" y es muy recomendable, para todos los que lo seguiais por aquí y habiais perdido su pista.
Y el otro es "El Show de los Hombres lobo" el blog de Perse que lo habian linkeado por todo y nosotros no y eso que es colega.

Trailer Watchmen otra vez...

2008-07-18T13:20:00.002+02:00

Sí, ya sé que este trailer ya lo han puesto en infinidad de sitios, pero a ver si poniendolo aqui conseguimos que Jaume lo vea y se anime a ir a ver la peli y sino que escriba un articulito para la revista hablando de Watchmen.

EL INCREIBLE HULK: A LA SOMBRA DE LOS ULTIMATES (HAY SPOILERS)

2008-06-24T15:02:00.007+02:00

Si todas las películas basadas en personajes Marvel van a ser así desde ahora, por mí que adapten hasta Power Pack.

Borrón y cuenta nueva nada más empezar. El Hulk de Ang Lee (que los críticos adoran) no ha existido jamás. En todo caso, esto sería más un remake de la serie de TV.

La mayoría ya conocemos la historia de Hulk a grandes rasgos, es un icono como Spiderman o Superman. Bruce Banner es un hombre con una maldición, condenado a esconderse hasta que encuentre una cura. La película empieza en Brasil, con Banner vivendo en las favelas (impresionante toma) aprendiendo a desarrolar el control absoluto de su cuerpo y mente por medio de las artes marciales y la relajación. Además se relaciona via Internet y por correos con un científico que en teoría le ayudará curarse de la radiación gamma que hay en su sangre.

Unas circunstancias accidentales harán sea localizado y que el ejercito norteamericano monte una operación de captura con un invitado excepcional, Emil Blomsky, convertido en esta película en un soldado de élite en su ocaso.

Como película de superhéroes acumula todos los clichés:

-Amor imposible entre una pareja que se ama profundamente que no puede ni consumar su amor. Un poco ridícula la escena de Banner se excita y tiene que parar porque si se excita demasiado se convertirá en Hulk. Aquí el guionista la caga porque es la ira lo que hace salir a Hulk, no la excitación en sí. Pero el cine entero se partió de risa y que quedó gracioso.

-Villano muy pero que muy poderoso, que parece invencible, pero que al final…ya se sabe quien gana.

Pero ¡me lo he pasado en grande! ¿No es lo que todos los fanboys queríamos?

Norton es mejor Banner que Bana. Por cierto a Ed le ofrecieron el papel de Matt Murdock y lo rechazó, me hizo pensar en ello la escena en la que emula a Daredevil saltando por los tejados de la favelas. Ahí su corazón no se altera tanto como cuando tiene debajo a Liv Tyler.

En los cameos están todos, Stan Lee, Lou Ferrigno…y Bill Bixby (me emocionó mucho su aparición en pantalla).

Hay dos personajes que se llaman Jack MacGee y John Wilson. (No premio para quienes sepan quienes son en la mitología del Coloso Esmeralda, no vale que lo diga Felipe).

La Abominación, estrictamente hablando es un trasunto del Hulk Ultimate. Cuando Ross habla del suero del supersoldado, yo por dentro pensaba “ojalá hagan una mención a Steve Rogers”.

Hay algunos fallos de guión; que Sterns (el futuro Líder) tenga montado el periplo en el laboratorio y nadie se haya enterado, canta un poco (¿cómo ha contactado Banner con él?) y los últimos minutos parecen cocinados muy deprisa, como los de Iron Man, con Ross que ya no tiene un problema con un Hulk, si no dos, montando un circo y creciéndole los "enanos". Comentábamos al salir del cine “¿Te imaginas que al verse la Abominación y Hulk hubiesen chocado los cinco y hubiesen seguido destruyendo NY juntos?”.

Hay momentos y frases memorables como cuando Ross le dice al sedado Banner “Como me lo hayas arrebatado te meto en un agujero para siempre”. O cuando Samson le dice al general Ross que ahora entiende porqué su hija no hablaba de él. La caída en picado de Banner desde el helicóptero(robada directamente del comic de los Ultimates), su expresión al darse cuenta, llegando al suelo de que no se está transformando es un poema. La clásica y estruendosa "palmada" de Hulk o esos gritos que profiere al cielo porque cree que la tormenta es algo que viene a atacarle...puro disfrute.

En fin, una película muy entretenida y que respeta la historia del personaje de los comics y la TV.

El Increíble Increíble Hulk

2008-06-22T11:16:00.004+02:00

Quería ser el primero en hacerme eco de la última (o penúltima) aportación de Marvel a su propia gloria cinematográfica. Es evidente que el romance entre Marvel y Hollywood está viviendo una edad de oro no solo por la proliferación de títulos basados en sus personajes sino por la cada vez más convincente calidad de los mismos. En este sentido hay que destacar el esfuerzo puesto por la productora para que esta segunda entrega de la saga no ahorre esfuerzos para desmarcarse de la más que discutible película de la que, al menos nominalmente, es una secuela.

No quiero perder la oportunidad de reivindicar que la película de Ang Lee me parece más errónea que meramente mala. Pero en todo, el punto y aparte se hace evidente desde un reparto íntegramente renovado, hasta el significativo cambio de tono. Se diría que tanto Edward Norton, Liv Tyler y William Hurt se creen más sus personajes que Eric Bana, Jennifer Connelly y Sam Elliott. Asimismo, y corrigiéndose con respecto a su predecesora, la película arranca, como se suele decir, con un terremoto (una secuencia de acción impecable en la que se nos escamotea el renovado aspecto del monstruo digital) y a partir de ahí va en aumento.

Por desgracia tengo que dar la razón a John Kovalic cuando en su tira de Dork Tower de esta semana recrimina a la Casa de las Ideas la reiteración argumental con respecto a la de la, por otro lado excelente, adaptación de Iron Man. Con todo, se han de destacar como hits de la película: el primer acercamiento entre la bella y la bestia (la comparación no es gratuita) que saca enorme partido a la calidad de los efectos especiales (similar a como lo hacía el King Kong digital de Peter Jackson); la batalla final (que deja a un lado toda cerebralidad y entra fácilmente en el top ten del subgénero de peleas-a-hostias-en-Nueva-York); y sobre todo, la escena que revela la mayor putada de ser Bruce Banner: aquella en la que para evitar excitarse y con ello transformarse, Edward Norton tiene que renunciar a follarse a Liv Tyler. De haber tenido alma, este friki habría llorado con este enternecedor momento.

En el apartado de curiosidades destacar: que a Liv Tyler se le ha quedado la cara de elfa desde que interpretó a Arwen; el (inevitable) chiste del pantalón morado; el habitual cameo de Stan Lee, cada vez más impagable; y por supuesto, la ultimísima escena en la que nos adelantan los planes futuros de Marvel para sus franquicias superheroicas. Agradecer por cierto que en esta ocasión, al contrario que en Iron Man, nos la hayan puesto antes de los créditos y no después.

¿Y de dónde habrá salido el tal Louis Leterrier, director acreditado, os estaréis preguntando? Pues tras comprobar su historial, se diría que del mismo sitio que Jon Favreau, el titular de Iron Man: artesanos eficaces y obedientes que pueden proporcionarle al estudio exactamente lo que les han pedido sin dejarse llevar por ínfulas autorales. Creo que en Warner y Columbia aprendieron la lección cuando primero Tim Burton (Batman Returns) y luego Bryan Singer (Superman Returns), Sam Raimi (Spider-Man 3) y el propio Ang Lee se la metieron doblada. Ahora los estudios Marvel, en calidad de responsables últimos de la producción, han decidido apostar sobre seguro. Supongo que una cosa es dejar sus cómics en manos de subversivos guionistas estrella del tipo de Millar o Morrison, y otra muy distinta jugarse 100 millones de dólares con un director famoso, sobre todo cuando los propios personajes y los actores protagonistas movilizan al público por sus propios méritos.

Ahora, a esperar lo que va a dar de sí esta incipiente cosmogonía cinematográfica de nuestros héroes de siempre. Y a comprobar si con el inminente Dark Knight de Christopher Nolan, DC va a quedarse o no atrás en esta carrera por cautivar a un público amplio que nunca "perdería tiempo leyendo cómics para niños" pero que no dudan en llenar las salas de cine para disfrutar de las mismas historias. No importa cuánto lo niegue el espectador casual; como decían en Freaks, "eres uno de nosotros".

IRON MAN, EL AHOSTIADO

2008-06-01T02:32:00.018+02:00

Para sorpresa mía, la revista Wizard nombró a Iron Man personaje del año 2007.

Me sorprendió porque yo creo que lo que se merecía realmente es que lo nombraran "villano" del año. En nombre de la ley y la justicia había conseguido lo que ningún otro villano había conseguido antes. Hacer que los superhéroes de los Estados Unidos, que no aceptaran revelar su identidad y entrar en la nómina del gobierno de su propio país, fueran declarados ilegales, y puestos en busca y captura. Los capturados, a la Zona Fantasma, perdón, la Zona Negativa, y todos los demás a esconderse en pln guerrilla. Menos el Capi que ya sabemos como acabó.

Todo ello ha dado como resultado una transformación en el personaje, impensable hasta ahora: tras la Guerra Civil Iron Man se ha convertido de verdad en un villano, con todas las consecuencias que ello comporta.

Por ejemplo, villano marvel por antonomasia, el Doctor Muerte. Científico rival del Dr. Reed Richards. Soberano de Latveria. Enemigo jurado de los 4F. Se ha enfrentado cientos de veces a los 4F. Resultado:Derrotado. A Spiderman, derrotado. A Los X-Men, derrotado. A Los Vengadores, derrotado. Al Doctor traño, derrotado. Dazzler (ejem), derrotado. Aunque eso no quita que haya conseguido algunas victorias, pero al final, derrotado.

Pues bien, Iron Man lleva el mismo camino.

Desde que America va camino de la "utopía" personal de Iron Man, éste se ha ido enfrentando a diferentes héroes, con el mismo resultado. Flagrante ahostiamiento y quedando a merced del enemigo.

En la Guerra Civil, el Capi ya lo calienta un par de veces. Al final, le vence, lo tiene a su merced y no lo remata, se rinde. Aunque ya sabemos que esto es un fallo de guión. (El Capi nunca se rendiría porque la A de su cabeza NO significa Francia.)

A continuación, Peter Parker, en la inefable saga "One More Day". Se encuentran cara a cara tras la guerra. Peter se esconde. Su tía agoniza en el hospital de un disparo que iba dirigido a él. Y el chaval de Queens no puede hacer nada porque en USA tienes seguro o como te peguen un tiro o te pongas enfermo te arruinas. Empiezan a pelearse, y al final. Peter Parker, con sus manos desnudas, ahostia al Cabeza de Lata, lo inmoviliza con su telaraña, le quita la máscara de hierro, lo tiene a su merced,...le da un discurso y se larga.

A continuación, Hulk. En World War Hulk. Huelga decir que el Coloso Esmeralda deja para el arrastre a Tony (y a unos cuantos más de paso).

Seguimos con Thor, que acaba de regresar de la muerte. Con éste, Tony (que debe saber lo que se le viene encima), intenta razonar: "las cosas han cambiado", "ahora hay una ley de de control a los superhéroes", "has de trabajar para el Gobierno", "vamos, te acompaño a firmar el contrato y luego seguimos hablando"...Y el dios del Trueno le replica: "Tony, has traicionado a todos tus antiguos amigos, camaradas y hermanos de sangre. Y no contento con ello, utilizaste mi código genético, para crear un engendro que hicisteis pasar por mi, y que acabó matando a la única víctima mortal de una Guerra Civil entre héroes. ¿Es así? ¿ES ASÍ?" Y el bueno de Iron Man, se lleva, como no, una soberana manta de hostias. No llegó a dar ni un puñetazo. Ni u-n-o.

Qué vergüenza, tío. Si yo fuera él no saldría de su mansión, o del helitransporte por miedo a volver a cobrar.

A este paso, hasta el Hulk rojo lo pondrá fino.

Thunderbolts de Ellis y Deodato

2008-05-31T15:28:00.003+02:00

Quería esperar a que terminara la actual saga pero no me resisto a adelantar aquí mi opinión sobre el trabajo que Warren Ellis y Mike Deodato Jr. están realizando en la actual etapa de los Thunderbolts. El mérito es mayor si cabe si tenemos en cuenta que los personajes parecían haber caído en desgracia al habérseles metido en el lado de los "malos" de un invento tan grotesco como la Guerra Civil que sacude el Universo Marvel. El hecho de que el propósito inicial con el que nació la colección, de manos del gran Kurt Busiek, hace tiempo que dejara de tener vigencia, tampoco jugaba a su favor. Y por último, legar tan peligroso material a un prohombre tan subversivo como Warren Ellis hacía anticipar una serie que no iba a dejar indiferente, pero que en poco iba a recordar a los villanos reciclados en héroes que la convirtieran en una de los propuestas más intelectualmente estimulantes de la más bien acarajada editorial, junto los X-Men de Morrison y bueno, el etcétera que queráis poner.

Y sin embargo, Ellis ha logrado algo tan difícil como no dejar de ser el mismo y a la vez lograr que los Thunderbolts se parezcan más a sí mismos de lo que lo hacen la mayoria del resto de personajes amparados bajo el mismo sello editorial, cuyos autores parecen presa de una fiebre por hacer una versión Ultimate de nuestros héroes favoritos tanto si la palabra Ultimate sale en la portada como si no (ahí está la mencionada Guerra Civil como prueba). Resulta irónico que las versiones cinematográficas de Spider-Man, X-Men o la reciente Iron Man resulten más familiares al marvelómano que sus referentes en 2-D. Los Thunderbolts sin embargo, seguramente gracias a no tener que cargar con halo de mito moderno ya asociado a las creaciones de Stan Lee, seguramente permiten a sus diferentes creativos una mayor libertad a la hora de hacer evolucionar a los personajes.

Ellis retoma a los personajes que sobrevivieron a las sucesivas etapas de Busiek/Bagley y Nicieza/Zircher/Grummett, con sus crossovers, miniseries, y paréntesis absurdos (esos Nuevos Thunderbolts que hicieron levantar las cejas a más de uno). Y retoma asimismo el dilema moral de ser los buenos en un mundo en el que el Capitán América milita en la clandestinidad, mientras se enfrentan a héroes íntegros y de una pieza cuyo único delito ha sido no registrarse. Más allá de la evidente lectura política (porque Warren Ellis no da puntada sin hilo), el relato superheroico se despliega con la misma contundencia que su impecable discurso moral. Abundan las luchas y las explosiones en estos renovados Thunderbolts, pero también diálogos cargados de sentido y personajes atormentados: la narración del personal camino de autodestrucción de Penance es una de las más desasosegantes que leeréis en un cómic de vocación comercial este año.

A todo esto no es ajena la complicidad de Mike Deodato Jr. cuya excelente labor me ha hecho revisar su historial para averiguar cuanta genialidad suya me he perdido con anterioridad. Los guiones de Ellis podrían no haber llegado al lector de no haber mediado un ilustrador tan competente (ahí están los pobres dibujos de Bagley en la primera época de la serie para demostrar cuánto daño puede hacer un dibujante mediocre a una buena historia). La verdad, su estilo elaborado, su habilidad para los espacios y la acción, y sus atmosféricos claroscuros, más propios de personajes más sombríos como Batman, confieren a la serie buena parte de su razón de ser. Y su mérito se ve reforzado por la labor infame de sus sustitutos en los inevitables fill-in y episodios extra, que conmino desde aquí a evitar a toda costa (si dios hubiera querido que pagarais dinero por tebeos malos, no habría inventado el emule).

En definitiva, que si no lo habéis echado un vistazo, ya estáis tardando. Yo sin ir más lejos, es la única colección de Marvel que me hago. Ahí queda.